Archives par mot-clé : architecture

Publication – Le patrimoine protestant de Wallonie. La mémoire d’une minorité.

DRUEZ Laurence et MAQUET Julien, Le patrimoine protestant de Wallonie. La mémoire d’une minorité, Institut du Patrimoine Wallon, 2017.

ISBN : 978-2-87522-196-4

Date de publication : 18/12/2017

Résumé :

Cette année a lieu le 500e anniversaire de la Réforme protestante. Fruit d’un partenariat entre les Archives générales du Royaume et l’Institut du Patrimoine wallon, un ouvrage sur le patrimoine protestant de Wallonie est en vente depuis ce 18 décembre 2017.

Il y a 500 ans, le 31 octobre 1517, Martin Luther publiait ses 95 thèses  contre les indulgences, qui marquent le début de la Réforme.

Basé sur des enquêtes de terrain et sur des dépouillements de nombreux fonds d’archives à ce jour peu exploités, le livre Le patrimoine protestant de Wallonie. La mémoire d’une minorité vise à faire connaître, dans toute leur diversité et dans leur contexte historique, les édifices les plus emblématiques du culte protestant – appelés communément temples – de Wallonie. À travers l’étude de leur conception, de leur construction, de leur aménagement, de leurs évolutions extérieures et intérieures, de leur environnement et de leurs multiples fonctions – pas seulement cultuelles –, le lecteur découvrira l’identité complexe d’une minorité religieuse discrète, mais vivante et largement méconnue, et ses mentalités, révélatrices d’un rapport à l’espace et au temps.

Fruit d’un partenariat entre les Archives générales du Royaume et l’Institut du Patrimoine wallon, cet ouvrage met également en valeur un patrimoine documentaire riche et unique – mais menacé – qui constitue la mémoire du protestantisme belge, cinq fois centenaire en cette année 2017, et contribue à une meilleure compréhension de son inscription dans notre société, marquée par le pluralisme religieux et philosophique.

Richement illustré, la publication a été rédigée par Laurence Druez, docteur en histoire de l’ULg et chef de travaux aux Archives de l’État de Liège, et Julien Maquet, docteur en histoire de l’ULg, directeur de l’Archéoforum de Liège et responsable des publications de l’Institut du Patrimoine wallon.

Plus d’informations ici.

 

Colloque – 09-11/06/2016 – L’Escalier en Europe (1450-1800). Formes, fonctions, décors

L’Escalier en Europe (1450-1800). Formes, fonctions, décors

IXe Rencontres européennes d’architecture (Paris, 9-11 juin 2016)

Trente-six ans après le mémorable colloque de Tours sur « L’escalier dans l’architecture de la Renaissance », où ont été posées les bases d’une histoire de l’escalier européen, il paraît opportun de revenir aujourd’hui sur ce sujet majeur, qui appelle un nouveau bilan des recherches et mérite d’être élargi sur le plan chronologique jusqu’au XVIIIe siècle, ce qui permettra d’embrasse d’autres aires géographiques.

L’étude de ce « membre privilégié de l’architecture » (André Chastel) conduit l’historien de l’architecture dans trois directions complémentaires. Il doit être attentif :

– à la forme de l’escalier (son plan, son élévation, ses dispositions volumétriques), qui ressortit à la fois des questions de structure, de l’histoire des matériaux, mais surtout de l’imagination des architectes ;

– à la fonction : pratique ou d’apparat, public ou privé…, ce qui ouvre sur la question de sa place dans la distribution de l’édifice, son usage social également ;

– enfin au décor, qui se développe à la sous-face des marches à la rampe, sur le noyau, le garde-corps, les murs et le couvrement, dans un mouvement qui peut aboutir à une œuvre d’art total.

On pourra croiser ces approches ou de les isoler. On n’hésitera pas non plus à proposer des vues d’ensemble par typologie ou par pays, que peuvent éclairer, à l’occasion, quelques études de cas emblématiques. Outre ces approches morphologiques, décoratives, on s’interrogera aussi sur le sens donné à certaines expressions, telles que l’escalier « à l’impérial », « à la française »….

Notre but est de parvenir ainsi au panorama le plus complet possible de l’histoire de l’escalier dans l’Europe des temps modernes.

Télécharger le programme du colloque

PROGRAMME des IXe Rencontres européennes d’architecture
L’escalier en Europe (1450-1800). Formes, fonctions, décors

G r a n d A u d i t o r i u m
G a l e r i e  C o l b e r t – I N H A
6 r u e  d e s P e t i t s C h a m p s / 2 r u e V i v i e n n e
7 5 0 0 2 PA R I S

JEUDI 9 JUIN

9h30 : Accueil des participants
9h45 : Introduction

Première session : La Renaissance (1)

Président : Jean Guillaume, Université Paris-Sorbonne

10h00 : Krista de Jonge (Université de Leuven) : « L’escalier  à la Renaissance : les anciens Pays-Bas revisités ».

10h45 : Stephan Hoppe (Ludwig-Maximilians-Universität München) : « New standards of social climbing. Staircases in Renaissance Germany ».

11h30 : Renate Leggatt-Hofer (Federal Monuments Authority Austria -Bundesdenkmalamt, Wien) : « Imperial staircase-architecture within the residences of Ferdinand Ist (1521/22-1564) : Some bold experiments ».

12h15  Déjeuner

Deuxième session : La Renaissance (2)

Président : Basile Baudez, Université Paris-Sorbonne

13h30 : Marco Rosario Nobile (Università Palermo) : « Scale a chiocciola « imperiali ». Due esempi a Malta e in Sicilia ».

14h15 : Fernando Marias (universidad Complutense, Madrid) : « Scala in Spania en longue durée : disegno e stereotomia ».

15h00 : Pause15h15 : Nunos Sensos (universidad nova de Lisboa) : « L’escalier au Portugal (XVe – XVIIIe s.) ».

16h00 : Pascal Julien (université Toulouse Jean Jaurès) : « De quelques degrés du relief : les escaliers sculptés de la Renaissance française ».

VENDREDI 10 JUIN

Troisième session : Les temps modernes (1)

Président : Alexandre Gady, Université Paris-Sorbonne

9h30 : Gordon Higgott (Historien de l’architecture) : « Inigo Jones, Sir Christopher Wren et l’escalier en vis à jour central en Angleterre, 1616 à c.1720 ».

10h15 : Konrad Ottenheym (Utrecht University) : « Les escaliers monumentaux dans les palais XVIIe de la cour d’Orange ».

11h00 : Pause

11h15 : Richard Biegel (Faculty of Arts, Charles University, Prague): « L’escalier des temps modernes en Bohème »

12h00 : Daniela del Pesco (università Roma III) : « Escaliers à Naples au XVIIIe siècle : les ‘scale aperte’ »

12h30 Déjeuner

Quatrième session : Les temps modernes (2)

Président : Emmanuel Lurin, Université Paris-Sorbonne

14h30 : Christina Strunck (Friedrich-Alexander Universität, Erlangen-Nurenberg) : « Stagecraft and stairways : Monumental 17th and 18th century staircases in Germany »

15h15 : Jorge Fernàndez-Santos (ETSA, Universidad San Jorge, Saragosse) : « Les escaliers entre tradition et académie dans l’Espagne du XVIIIe siècle : un classicisme oblique ? »

16h00 : Stefano Piazza (Università di Palermo) : « Les escaliers des palais siciliens du XVIIIe siècle ».

SAMEDI 11 JUIN

Cinquième session : études de cas

Président : Pascal Julien, Université Toulouse Jean Jaurès

9h30 : Guillaume Fonkenell (Musée national de la Renaissance, Ecouen) : « Ecouen. Un château d’escaliers ».

10h15 : Alexandre Gady (Université Paris-Sorbonne, Centre Chastel) : « Du bon usage du vide central. Les escaliers de Versailles ».

11h00 : Pause

11h15 : Paolo Corniglia (Politecnico di Torino) : « Des marches qui ne portent nulle part. Le grand escalier de Juvarra au palais royal inachevé de Rivoli ».

12h00 : Conclusions, par Claude Mignot.

Source : APAHAU

CFP – Palais royaux dans l’Europe des révolutions

Palais royaux dans l’Europe des révolutions

Date limite de réponse : 1er mai 2016
Date : 28-29 octobre 2016
Lieu : Paris

Depuis la publication par Nikolaus Pevsner de son History of Building Types en 1976, les historiens de l’architecture ont saisi l’importance de la méthode typologique pour penser leur discipline. La pensée en type, développée dans la rédaction des programmes de concours académiques au siècle des Lumières, permet d’articuler les concepts de convenance, de caractère et de composition analysés par Werner Szambien ou Jacques Lucan, au regard de la commande publique et privée. Dans l’Europe d’Ancien Régime, le palais pour le prince représente, avec l’église métropolitaine ou la basilique royale, le programme le plus prestigieux auquel peut prétendre un architecte. Au moment où l’absolutisme de droit divin commence à être remis en question, qu’advient-il du siège du pouvoir royal ou princier, symbole de l’autorité politique supérieure et siège de la dynastie ? Et les modèles de l’Escorial, de Versailles, Het Loo ou Saint James fonctionnent-ils encore comme référents nationaux au moment où les publications des découvertes archéologiques de Rome ou de Split fournissent des modèles concurrents ?  La seconde moitié du XVIIIe siècle et la première moitié du siècle suivant représentent un moment d’intense construction ou reconstruction de palais princiers en Europe, de Caserte à Buckingham Palace en passant par Saint-Pétersbourg, Lisbonne, Versailles ou Coblence. Cette vogue, rappelée par Percier et Fontaine dans leur Résidences des souverains de France, d’Allemagne, de Russie, etc. publié en 1833, se développe dans une Europe en proie à des bouleversements politiques considérables qui entraînent une modification importante de la nature et de la symbolique du pouvoir princier.

Ce colloque, qui se veut centré sur l’Europe de la seconde moitié du XVIIIe siècle et de la première moitié du XIXe siècle, cherchera à interroger la manière dont les architectes et leurs commanditaires ont intégré l’évolution du caractère et de la symbolique du palais dynastique, que cela soit dans la théorie ou la pratique, interrogeant distribution, mise en œuvre, relation avec l’environnement immédiat, décor, fonctions, réutilisations ou modèles publiés ou dessinés.

Les propositions de communication, sous la forme d’un texte de trois mille signes maximum, sont à adresser avant le 1er mai 2016 à basile.baudez@gmail.com et à af.almoguera@gmail.com

Le colloque se déroulera au Centre André Chastel, Paris, les 28 et 29 octobre 2016.

Colloque international organisé par Basile Baudez et Adrián Almoguera

Source : crcv

CFP – Liturgie et architecture. Constructions, usages et aménagements des églises (XIIIe-XVIIIe siècle)

Liturgie et architecture. Constructions, usages et aménagements des églises (XIIIe-XVIIIe siècle)

Date : 25 novembre 2016
Lieu : Université de Lorraine, Nancy
Date limite de réponse à l’appel : 31 mai 2016

La liturgie et l’architecture paraissent entretenir un lien évident, qui peut s’expliciter de la façon suivante : « Dans ce domaine, la principale interrogation demeure celle de la création des formes architecturales déterminées par les pratiques liturgiques ou bien, à l’inverse, celle de l’influence du cadre architectural sur le déroulement de la liturgie». (Eric Palazzo,  Liturgie et société au Moyen Âge, Paris, 2000). En termes plus récents, cette interrogation apparaît comme une variante du vaste débat entre «forme et fonction» qui irrigue encore de nos jours les milieux de l’architecture : à quelle donnée reviendrait la primauté ?

Mais en l’occurrence, la question pourrait paraître se limiter au seul moment du  chantier, de la construction à neuf. Or l’un des deux paramètres de la problématique a pu connaître des évolutions spécifiques ou des nouveautés indépendantes de l’influence de l’autre. Ainsi, au temps de la Renaissance, le vocabulaire et les références de l’architecture religieuse ont changé avant que ne soit entreprise la réforme liturgique du Concile de Trente. De même, l’application de cette dernière s’est souvent faite dans des églises construites au Moyen Âge, auxquelles il a bien fallu s’adapter et qu’aussi on a adaptées. On étudiera donc les différents aménagements et réaménagements intérieurs d’édifices religieux ou encore l’émergence des pratiques liturgiques (par exemple les processions) et leurs implications sur les bâtiments. En fait les interrogations, quand on les veut plus précises, sont multiples. Par exemple, comment s’est faite l’explosion du nombre des autels et des fondations à partir du XVe siècle? Inversement comment en a-t-on réduit le nombre au XVIIIe siècle ? Autre exemple, comment les fidèles ont-ils été cantonnés dans leurs bancs à partir du milieu du XVIIe siècle ? Et du coup, quelle position et quelle attitude adoptaient-ils dans les églises antérieurement ? Sans oublier l’analyse de l’évolution du mobilier liturgique ou sacramentel (confessionnaux, chaires à prêcher…) dont on dit souvent qu’il se transforme et se généralise avec l’esprit tridentin. Surtout il serait vraiment souhaitable de dépasser les généralités déjà connues pour en voir et étudier des applications concrètes ou des exemples particuliers.

Chevauchant les grandes ères imposées par les découpages académiques, une notion semble avoir traversé les siècles : celle du «voir» et du «faire –voir » que Roland  Recht a illustrée pour la seconde partie du Moyen Âge (Le croire et le voir. L’art des cathédrales (XIIe-XVe siècles, 1999) mais qui semble une constante encore valable pour les Temps modernes et la réforme tridentine. La problématique ne pourrait-elle pas alors se concentrer autour des enjeux du «voir» dans les églises, ses exigences, ses conditions et ses contraintes ?

En tout cas, c’est certainement une raison suffisante pour adopter une ampleur chronologique inhabituelle qui conduira les réflexions du XIIIe au XVIIIe siècle et permettra le dialogue de chercheurs trop souvent cantonnés dans leur période.

Géographiquement la «dorsale catholique» ou l’axe lotharingien, de la Belgique à l’Italie, semble un lieu privilégié d’observation de ces changements liturgiques et architecturaux à travers les siècles. On rappellera que c’est à Liège en 1264 que l’évêque Robert de Thourotte instaura la fête du Saint-Sacrement, fête qui fut instituée pour l’Église universelle par le pape Urbain IV, le champenois Jacques Pantaléon qui fut un temps évêque de Verdun. Sur l’autre versant temporel, saint Charles Borromée, saint François de Sales et saint Pierre Fourrier montrèrent tous les trois – avec bien d’autres – le souci de la diffusion de la vie spirituelle chez les fidèles dans le cadre concret de leurs communautés et de leurs églises. C’est avec ces questions et ces intentions en tête que l’ANR LODOCAT–Chrétientés en Lotharingie et Dorsale Catholique (IXe-XVIIIe s.) a l’intention d’organiser une journée d’étude le vendredi 25 novembre 2016, à l’université de Lorraine, sur le Campus Lettres et Sciences Humaines de Nancy, 23, boulevard Albert 1er (10 mn à pied de la gare SNCF).

Les propositions de communication d’environ 1000 signes (pour une durée d’intervention de 20 mn) et un court CV d’une page maximum sont à adresser aux organisateurs de la journée d’études avant le 31 mai 2016 à :

Source : Calenda

CFP – Publier sur l’art, l’architecture et la ville : La Font de Saint-Yenne (1688-1771) et l’ambition d’une œuvre

Publier sur l’art, l’architecture et la ville : La Font de Saint-Yenne (1688-1771) et l’ambition d’une œuvre

Lieu : Paris

Date : 24 et 25 novembre 2016

Deadline : 15 mars 2016

 

Argumentaire :

La contribution décisive de La Font de Saint-Yenne à la naissance et à l’affirmation d’un nouveau type de discours sur l’art au milieu du XVIIIe siècle n’est certainement plus à prouver. Albert Dresdner et Roland Desné, et à leur suite Else Marie Bukdahl, Annie Becq et Richard Wrigley ont définitivement arraché le littérateur des limbes de la critique. Plus récemment, les travaux de René Démoris, Florence Ferran ou encore Étienne Jollet, éditeur de ses œuvres complètes, ont considérablement contribué à faire sortir les écrits de ce personnage de l’ombre du grand Diderot, dans laquelle on avait tendance à les tenir. Ces études, souvent centrées sur deux des principaux écrits de La Font (les Réflexions sur quelques causes de l’État présent de la peinture en France, avec un Examen des principaux Ouvrages exposés au Louvre, 1746, parues en 1747, et les Sentiments sur quelques ouvrages de peinture, sculpture et gravure, Écrits à un particulier en province, publiées en 1754), ont mis en évidence la témérité et l’audace de leur auteur qui revendique le droit fondamental au libre exercice de la critique. Plus encore, elles ont souligné le coup de force qu’a constitué l’irruption, dans le discours sur l’art, d’une parole et d’un jugement profanes s’autorisant du seul « public » – entité évidemment floue dont Thomas Crow a bien montré qu’elle allait devenir, justement à partir de La Font de Saint-Yenne, l’enjeu principal des affrontements idéologiques autour du Salon. En soulignant l’ampleur du scandale (dont l’éclat semble effacer jusqu’au personnage, dont on ne sait encore aujourd’hui que très peu) et la vigueur de la polémique engendrées, les analyses sur La Font ont démontré que son œuvre avait indéniablement une valeur inaugurale.

Ce colloque autour de La Font de Saint-Yenne se propose de prolonger la réflexion dans trois directions :

  • De la critique de l’actualité à la construction d’une œuvre : La Font de Saint-Yenne en contexte

Il revient à La Font de Saint-Yenne d’avoir suscité, avec la publication des Réflexionsen 1747 et la polémique qui s’en est suivie, un débat public non seulement sur l’actualité artistique mais aussi sur la portée de la critique imprimée. La critique de la critique s’inquiète autant de ses jugements de valeurs, en rupture avec les comptes rendus descriptifs des premiers Salons, que de la diffusion et des effets de sa brochure sur la production, la réputation et la postérité des artistes. À la suite de La Font, les salonniers vont le plus souvent faire le choix d’une critique circonstancielle, liée à l’événement du Salon organisé tous les deux ans, et portée par le développement de la littérature périodique et éphémère. De ce contexte rend bien compte aujourd’hui le fonds Deloynes. Même s’il participe à sa manière au jeu des Salons en investissant lui aussi des supports et des genres, lettres, dialogues d’idées, favorisant l’expression et l’échange d’opinions, l’auteur des Réflexions se démarque pourtant rapidement par son ambition de faire œuvre.

La réédition d’Étienne Jollet en 2001 invite à revenir sur l’ensemble des textes publiés par La Font, et à interroger la façon dont, en l’espace de treize ans à peine, le critique s’est attaché à dessiner une œuvre cohérente et à revendiquer une figure d’auteur. Sa pensée critique s’affermit (se radicalise ?) d’écrits en écrits, excédant le seul champ de la critique d’art pour élargir au fur et à mesure ses visées à l’architecture et à la ville, et croiser différentes approches, historique, théorique, moraliste et politique. L’étude de Dorit Kluge parue en 2009 a éclairé les fondements biographiques, les sources, la continuité et le développement de la critique d’art de La Font. De sa lecture des Réflexions et des Sentiments, René Démoris avait dégagé en 2001 les lignes de force du programme idéologique de l’auteur. Comment s’articulent ces éléments à l’échelle globale de l’œuvre, dans sa progression, mais aussi sans doute dans ses hésitations, voire ses contradictions ?

Polyvalent, réactif, La Font se repositionne en permanence dans le paysage critique. D’où l’utilité non seulement de poursuivre l’enquête biographique sur ce personnage encore mal connu, mais d’étudier aussi en parallèle la publication des textes dans leur succession chronologique. Quel changement de posture signale par exemple la réédition conjointe en 1752 des Réflexions, expurgées de la partie critique qui avait fait scandale en 1747, de L’Ombre de Colbert (1ère édition en 1749) et d’une Ode de jeunesse de 1726 ? Que s’est-il passé en cinq ans, entre la publication des Réflexions et le recueil de 1752 ? La critique est née comme genre, empruntant une voie polémique avec laquelle La Font prendra clairement ses distances dans les Sentiments en 1754, bien qu’il se soit montré attentif à la réception de ses écrits, et qu’il ait pris la peine d’y répondre publiquement. Si la personne même de l’auteur émerge d’une lettre en réponse à ses détracteurs en 1747, on s’intéressera aussi à la façon dont sa voix se réverbère dans les figures d’hommes illustres, puissant ministre ou grand édile (Colbert, Turgot, Marigny…), zélé citoyen (Ponson du Tillet…), à travers lesquelles il élabore son discours et se construit indirectement une œuvre-monument pour la postérité. Reste à évaluer la fortune effective de ces textes à long terme, et la place de La Font aux côtés d’autres figures de critiques retenues par les historiens de l’art et de la littérature, comme Diderot bien sûr, mais aussi Fréron, (Balcou et alii, 2001) ou Baillet de Saint-Julien (Manceau, 2014). Si La Font a sa notice dans le Dictionary of Art dirigé par J. Turner en 1996, nombre de salonniers sont notamment recensés dans le Dictionnaire des journalistes (1600-1789) de Jean Sgard (Voltaire Foundation, 1999, 1ère édition PUG, 1976), ou évoqués dans The Literary underground of the old Regime de Robert Darnton (Yale University Press, 1982), la carrière pluridisciplinaire et plurielle de ces auteurs témoignant de la labilité des champs artistiques et littéraires au XVIIIe siècle.

  • « Dialogue des morts », dialogue des siècles

On s’interrogera sur l’ « esthétique de la grandeur » soulignée par Étienne Jollet, horizon de toute la conception artistique de La Font, dans laquelle le siècle de Louis XIV, ou sa mythologie à tout le moins, devient l’étalon de beauté et de valeur à l’aune duquel se jugent les productions contemporaines. D’où la pensée de la décadence qui innerve les écrits de La Font, fondée sur le culte nostalgique du grand siècle et du lustre de l’École française, et utilisée à des fins démonstratives et idéologiques.

Dans quelle mesure cette dichotomie grandeur contre décadence fait-elle écho aux moralistes du grand siècle et pourrait-elle avoir été une des sources d’inspiration de Rousseau dans le Premier Discours (1750), comme le suggère René Démoris ? Quelle part accorder aux influences idéologiques, plus diffuses, du parti Janséniste ou du parti parlementaire, dont La Font soutient le combat national et patriotique contre la monarchie ? Comment, en d’autres termes, La Font conjugue-t-il toujours idéal esthétique, éthique et politique ? Or cette vision à tendance moralisatrice et édificatrice a comme centre névralgique la valorisation de la peinture d’histoire, au sommet de la hiérarchie picturale du temps, dont La Font célèbre aussi bien les figures d’artistes (Poussin, Le Sueur, Le Brun) que les grands théoriciens (Félibien, De Piles). Que devient sous sa plume l’idée qu’on se faisait de la bonne peinture à l’âge classique ? On s’attachera à questionner l’infléchissement, peut-être même la dérive néo-classique de son œuvre. Ami de Boileau, soutien de Fréron, La Font correspond également avec Raynal, vante les mérites de l’architecte Perrault et loue selon ses dires, « nos bons Modernes ». Davantage encore : en encourageant le jugement d’après le « sentiment », La Font reformule le Moderne Du Bos ; en devient-il pour autant un « moderne » ?

Ces problématiques se cristallisent autour d’un genre, le « dialogue des morts », qui permet à la fois de célébrer les grandes figures du siècle, de tisser un lien solide entre les deux règnes de Louis XIV et de Louis XV et d’unir œuvre de fiction et discours de Vérité. La prose « zélée » et non sans grandiloquence de La Font emprunte à ce procédé qui donne vie à des figures réelles magnifiées (Colbert, Perrault) et allégoriques-topographiques (le Génie du Louvre, la Ville de Paris). Sur le mode apocalyptique (L’Ombre du grand Colbert, 1752) ou onirique (Le Génie du Louvre aux Champs-Élysées, 1756), les deux « dialogues des morts » indiquent chacun la fin d’une ère. On mettra en lumière les sources, la place et les enjeux de ce diptyque de La Font dans la longue tradition de ce genre (chez Fontenelle et Fénelon notamment), étudié par Lise Andries et plus largement par Stéphane Pujol, et qui mêle volontiers dialogue et allégorie, catabase et nekuia. On analysera également la postérité de ce genre et sa subversion dans la littérature des salons et parmi les écrits du fonds Deloynes, auquel ce colloque voudrait donner toute sa place contextuelle. Si La Font souhaite se différencier très tôt des productions – articles, brochures et libelles – qui paraissent sur les expositions, ses écrits ne peuvent se penser indépendamment d’elles. Entre tant d’autres trouvailles stylistiques et littéraires (observations, lettres, réponses, jugements, réflexions et sentiments, vers, chansons, proverbes, « coup de patte » et « coup d’œil », conversations, parades et vaudevilles, pour ne citer qu’elles), le « dialogue des morts » devient l’un des genres de prédilection des salonniers, et notamment des salonniers révolutionnaires qui opèrent un renversement burlesque et satirique. Victime du genre, car ridiculisé par Cochin dans Les Misotechnites aux Enfers sous les traits du personnage Ardélion (Collection Deloynes, VIII, 103), La Font est suivi par nombre de salonniers qui creusent le sillon tracé par ses textes. Ils imaginent alors des fictions dans lesquelles ils parcourent l’exposition avec les mânes non d’un ministre ou d’un architecte mais de peintres, dialoguant notamment avec l’ombre de Raphaël (Collection Deloynes, IX, 143), d’Apelle (Collection Deloynes, XIII, 288) ou de Rubens (Collection Deloynes, XV, 371 et XXVI, 683), juges impitoyables des œuvres. Plus loufoques, des échanges fictifs avec des morts-vivants – Le Mort vivant au Sallon de 1779 (Collection Deloynes, XI, 209), La Morte de trois mille ans au salon de 1783 (Collection Deloynes, XIII, 386) – sur les toiles et les sculptures attestent que le « dialogue des morts » mais aussi les dialogues animés, tel celui des Images parlantes ou Dialogue des tapisseries exposées (Collection Deloynes, XXI, 590) sont devenus des exercices de style codifiés.

Quelles critiques sévères adressent ces textes ? Comment servent-ils de terreau à la confrontation des idées esthétiques, philosophiques et politiques ? Si les morts ont beaucoup à dire sur l’actualité, le genre permet toujours de considérer l’œuvre avant tout au regard de la postérité.

La Font déplorait les plumes fielleuses, les écrits vains vantant le petit goût et l’art frivole, usant d’une langue recherchée, pur galimatias truffé d’inventions et d’épithètes neuves ou impropres. Grand goût et grand style vont à ses yeux de pair. L’invention d’un génie de la Nation donne-t-elle naissance à l’idée même du génie de la langue française ? Chez les salonniers révolutionnaires, langue de l’art et langue de la révolution interfèrent. L’émergence d’un art national se traduit-elle par l’usage de nouveaux termes ? Dans quelle mesure cette recherche littéraire et langagière profuse des salonniers est-elle redevable ou non à cette idée, exprimée par La Font, selon laquelle l’écrivain instruit des termes de l’art et des métiers est plus à même de juger les œuvres que les artistes ; et plus profondément à cette idée que l’imaginaire littéraire précède bien souvent la réalité picturale ?

Ce nouvel espace commun créé par La Font, qui n’est plus celui de l’art, mais celui de la cité, de la nation tout entière, trouve-t-il aussi son lieu dans une langue collective nouvelle ?

  • Penser l’art dans l’espace public.

Enfin, s’intéresser de près au diptyque du Grand Colbert et du Génie du Louvre, c’est réfléchir sur une partie essentielle et pourtant peu étudiée de l’œuvre de La Font de Saint-Yenne, celle qui lui donne sa profondeur et sa cohérence : sa pensée de l’architecture, des embellissements et de la ville.

On pourra réfléchir, dans le prolongement des travaux de Richard Wittman, sur la place de l’œuvre de La Font parmi la littérature contemporaine des embellissements, qu’elle soit manuscrite (certains mémoires de Bachaumont), pamphlétaire (les libelles de Voltaire urbaniste) ou encore « touristique » (avec le guide pittoresque de Germain Brice, qui a pu inspirer La Font dans ses développements sur les monuments du règne de Louis XIV). De toute cette littérature, parfois rigoureusement circonscrite à la question du dépérissement du Louvre, émerge une conscience du patrimoine national et une conception de l’espace public que La Font contribue à faire advenir – reste à déterminer dans quelle mesure.

Une conception de l’espace public dont on pourra aussi interroger, sinon les limites, du moins les ambiguïtés et les contradictions. En effet, la ville monumentale devient bien sûr, sous la plume de la Font, un espace public, à conquérir sur le double terrain architectural (La Font réclame l’accès public au monument, en opposant la destination nationale de la Colonnade du Louvre à son annexion par les intérêts privés…) et discursif (la fabrique de la ville devient l’objet d’un discours public, désormais ouvert au citoyen et au patriote – coup de force équivalent, dans la sphère du bâti, à celui du critique dans la sphère du salon) ; mais, d’un autre côté, cet espace monumental ne peut se dire, encore, qu’à travers les figures de l’allégorie, les formes du mythe, les voies du symbole, toutes tributaires de la représentation royale et absolutiste de la ville. Le « zélé citoyen » serait-il alors une figure charnière, de transition pourrait-on dire, entre la célébration classique de la ville « propriété personnelle » du souverain (Norbert Elias), et la ville économiquement rationnelle des Lumières, dépouillée de sa gangue mythique et symbolique ? Faut-il lire l’œuvre de la Font comme ranimant les derniers feux de la ville de l’absolutisme ? ou comme portant les prémisses de la ville moderne des Lumières ? Là encore, le choix littéraire du genre du dialogue des morts participe de la conception même de la cité.

Quoi qu’il en soit, le discours sur les embellissements et l’espace public, engage, plus directement et plus frontalement encore que la critique du salon, des enjeux politiques et idéologiques qu’on cherchera à mettre en lumière pour en évaluer la part. Dans quelle mesure le discours sur l’art et la ville est-il solidaire (voire inséparable) d’une critique sévère des politiques publiques de la monarchie en faillite ? A quel degré l’influence, par exemple, de l’idéologie parlementaire (influence déjà relevée par Richard Wittman à travers l’exaltation de la « nation » et de l’idéal patriote) informe-t-elle la conception des embellissements de la Font ? Et, dans un contexte où parler du monument, c’est forcément parler du pouvoir, de ses signes et de ses symboles, le discours proprement esthétique sur l’architecture (sur le goût, les règles du beau, les proportions…) ne finit-il pas par se dissoudre dans un propos politique et idéologique par ailleurs totalement assumé par un La Font offensif dans son costume de « zélé citoyen » ? À la différence de ce qui se passe dans les Réflexions où une place pour un tel discours esthétique existe.

Sans doute cette apparente disparition n’est-elle que la conséquence de ce geste clef par lequel La Font, comme l’avait très justement noté René Démoris, « prend en compte la place de la peinture et de l’art en général dans la cité ». On pourra se pencher sur les nombreuses implications de cette inclusion de la peinture dans l’écrin plus vaste de l’architecture et de l’espace de la ville. En s’interrogeant, là encore, sur la notion de publicité, qui traverse toute l’œuvre de la Font, et qui permet d’articuler ses pensées de la peinture et de l’architecture. N’est-ce pas une seule et même chose qui se joue, aux trois bouts de son œuvre, avec l’invention du « public » comme caution du discours critique (dans l’espace du salon), le combat pour la restitution du Louvre au public et à la nation (dans l’espace du monument) et la revendication à l’accès du public aux œuvres d’art (dans l’espace du musée) ? Ce dernier espace, La Font semble l’un des premiers à en formuler le vœux (en réclamant qu’une galerie du Louvre accueille les œuvres pour la formation permanente du public), posant là les jalons d’une muséographie nationale – sur ce point, comme sur beaucoup d’autres, il convient d’évaluer la fortune et l’influence réelle de son œuvre par la postérité.

Les propositions de communication (une trentaine de lignes) ainsi qu’une courte biobliographie sont à envoyer avant le 15 mars 2016 à Florence Ferran (florence.ferran@u-cergy.fr), Fabrice Moulin (fabrice.moulin@u-paris10.fr) et Élise Pavy-Guilbert (elise.pavy@u-bordeaux-montaigne.fr).

Informations et contacts :

Florence Ferran, université de Cergy-Pontoise AGORA (EA 7392)

florence.ferran@u-cergy.fr

Fabrice Moulin, université Paris Ouest Nanterre La Défense CSLF (EA 1586)

Centre des Sciences des Littératures en langue Française

fabrice.moulin@u-paris10.fr

Élise Pavy-Guilbert, université Bordeaux Montaigne CLARE (EA 4593)/CEREC

Cultures Littératures Arts Représentations Esthétiques/Centre de Recherches sur l’Europe Classique

elise.pavy@u-bordeaux-montaigne.fr

Bibliographie indicative :

Sources premières

Collection de pièces sur les Beaux-Arts imprimées et manuscrites, recueillie par Pierre-Jean Mariette, Charles-Nicolas Cochin et M. Deloynes, dite « Collection Deloynes » (1673-1808), acquise par le conservateur Georges Duplessis pour le Département des Estampes de la BN en 1881, 63 tomes en 65 volumes, 2069 pièces, Paris, BnF site Richelieu, Cabinet des Estampes.

Cochin, Charles Nicolas, Les Misotechnites aux Enfers ou Examen des Observations sur les Arts par une société d’amateurs, Amsterdam, [Paris], 1763 ; reprint, Genève, 1970.

Du Bos, Jean-Baptiste, Réflexions critiques sur la Poésie et la Peinture, Paris, 1719, rééd. Paris, e.n.s.b.-a., 1993.

La Font de Saint-Yenne Étienne, Réflexions sur quelques causes de l’état présent de la peinture en France. Avec un examen des principaux Ouvrages exposés au Louvre le mois d’Août 1746, La Haye, J. Neaulme, 1747.

La Font de Saint-Yenne Étienne, Lettre de l’auteur des Réflexions sur la peinture, et de l’examen des ouvrages exposés au Louvre en 1746, s.l., 1747.

La Font de Saint-Yenne Étienne, L’Ombre du grand Colbert, le Louvre et la Ville de Paris, dialogue, La Haye, J. Neaulme, 1749.

La Font de Saint-Yenne Étienne, L’Ombre du grand Colbert, le Louvre et la Ville de Paris, dialogue ; Réflexions sur quelques causes de l’état présent de la peinture en France. Avec quelques lettres de l’auteur à ce sujet. Nouvelle édition corrigée et augmentée, s.l., 1752.

La Font de Saint-Yenne Étienne, Examen d’un essai sur l’architecture, avec quelques remarques sur cette science traitée dans l’esprit des beaux-arts, Paris, M. Lambert, 1753.

La Font de Saint-Yenne Étienne, Sentiments sur quelques ouvrages de peinture, écrits à un particulier en Province, [s.l.], 1754.

La Font de Saint-Yenne Étienne, Le Génie du Louvre aux Champs-Élysées. Dialogue entre le Louvre, la ville de Paris, l’ombre de Colbert, & Perrault. Avec deux lettres de l’auteur sur le même sujet, Paris, M. Lambert, 1756.

La Font de Saint-Yenne Étienne, L’Ombre du grand Colbert et Réflexions sur quelques causes de l’état présent de la peinture en France et sur les beaux-arts, 1757.

 

Rééditions :

 

La Font de Saint-Yenne Étienne, Œuvre critique, Étienne Jollet (éd.), Paris, Éditions de l’École Nationale Supérieure des Beaux-Arts (ENSBA), « Beaux-Arts Histoire », 2001.

Démoris René et Ferran Florence (éds), La Peinture en procès, l’invention de la critique d’art au siècle des Lumières, Paris, Presses de la Sorbonne nouvelle, 2001 (réédition des Réflexions sur quelques causes de l’état présent de la peinture en France. Avec un examen des principaux Ouvrages exposés au Louvre le mois d’Août 1746 ; Sentiments sur quelques ouvrages de peinture, écrits à un particulier en Province).

 

Études :

 

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Boucheron Patrick, Le Prince et les arts : France, Italie (XIVe – XVIIIe siècles), Neuilly, Atlande, 2010.

Bukdahl Else Marie, Diderot critique d’art. II. Diderot, les salonniers et les esthéticiens de son temps, Copenhague, Rosenkilde et Bagger, 1982.

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Démoris René, « Le Citoyen en peinture : les Sentiments de 1754 », dans La Peinture en procès, op. cit., p. 157-174.

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Dresdner Albert, La Genèse de la critique d’art – dans le contexte historique de la vie culturelle européenne [Entstehung der Kunstkritik im Zusammenhang der Geschichte des europäischen Kunstlebens, 1915], Thomas de Kayser (trad.), préface de Thomas W. Gaehtgens, Paris, Éditions de l’École Nationale Supérieure des Beaux-Arts, 2005.

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Ferran Florence, « Le Salon en délire : Gorsas et la plume du Coq de Micille », dans La Peinture en procès, op. cit., p. 257-284.

Ferran Florence, « Une Médecine dont rien ne saurait corriger l’amertume : portrait du critique d’art en charlatan dans les années 1780 », Ecrire la peinture entre XVIIIème et XIXème siècles, dir. P. Auraix-Jonchère, Presses universitaires Blaise Pascal, Clermont-Ferrand, 2003, p. 39-54.

Ferran Florence, « La Peinture victime de la sottise : représentations et discours de l’ineptie au Salon », Sottises et ineptie de la Renaissance aux Lumières. Discours du savoir et représentations romanesques, dir. N. Jacques-Lefèvre, N. et A.-P. Pouey-Mounou, Littérales, n°34/35, Université Paris X-Nanterre, 2004, p.  427-444.

Ferran Florence, « De quelques expérimentations littéraires de la critique d’art à sa naissance ou comment arranger le Salon selon des ²liaisons au goût du siècle² », L’Ecrit sur l’art : un genre littéraire ?, D. Vaugeois (dir.), Figures de l’art, n°9, Presses Universitaires de Pau, 2005, p. 67-83.

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Ferran Florence, Littérateurs et critique d’art (1747-1791) : invention et appropriations d’un genre en France au XVIIIe siècle, thèse soutenue à l’Université Sorbonne Nouvelle-Paris 3, sous la dir. de R. Démoris (2005), à paraître aux éditions Garnier, collection « L’Europe des Lumières ».

Fontaine André, Les doctrines d’art en France. Peintres, amateurs, ciritiques de Poussin à Diderot, Paris 1909.

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Lavezzi Élisabeth, « Comment sauver la peinture ? La critique d’art en peinture et ses modèles dans les Réflexions de La Font de Saint-Yenne (1747), Interfaces. Les avant-gardes, 7e année, actes du colloque « Les avant-gardes, discours et images-forces » (Nice, juin 1997), cahier du centre de recherche « Image, Texte, Langage », Université de Bourgogne, Dijon, n° 14, juin 1998, p. 81-95.

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Manceau Nathalie, Guillaume Baillet de Saint-Julien (1726-1795)- Un amateur d’art au XVIIIe siècle, Paris, Champion, 2014.

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Moulin Fabrice, Embellir bâtir, demeurer : représentations de l’architecture et du geste architectural dans la deuxième moitié du XVIIIe siècle en France (1748-1788), Thèse de doctorat soutenue à Paris IV-Sorbonne, sous la direction de Pierre Frantz (2010) – à paraître aux éditons Classiques Garnier, coll. « L’Europe des Lumières ».

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Pujol Stéphane, Le dialogue d’idées au dix-huitième siècle (1670-1800), Oxford, Voltaire Foundation, Studies on Voltaire and the Eighteenth Century, 2005.

Rabreau Daniel (dir.), Paris, capitale des arts sous Louis XV : peinture, sculpture, architecture, fêtes, iconographie. Centre Ledoux / Wm. Blake & Co./Art & arts, 1997.

Roelens Maurice, « Le dialogue d’idées au XVIIIe siècle », Histoire littéraire de la France, Paris, Éditions sociales, 1976, t. IV, p. 259-289.

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Scott Katie, The Rococo interior : decoration and social spaces in early eighteenth-century, Paris, New Haven, Yale University Press, 1995.

Venturi Lionello, Histoire de la critique d’art, Juliette Bertrand (trad.), Bruxelles, Éditions de la connaissance, 1938.

Wittman Richard, Architecture, print, culture and the public sphere in eighteenth-century France, N.Y, London, Routledge, 2007.

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Zmijewska Hélène, « La critique des Salons en France avant Diderot », Gazette des Beaux-Arts, fondée en 1859 par Charles Blanc, Paris, PUF, VIe période, tome 76, juillet-août 1970, p. 1-144.
Source :  APAHAU

Conférence – 01/03/2016 – L’habitat parisien au XVIIIe siècle : les maisons sur les ponts de la capitale

L’habitat parisien au XVIIIe siècle : les maisons sur les ponts de la capitale

Youri Carbonnier, Université d’Artois (Arras)

Date : le 1er mars 2016, 18h-19h30
Lieu : IEA de Paris, Hôtel de Lauzun, 17 quai d’Anjou
Paris, France (75004)

Les maisons parisiennes du Siècle des Lumières reproduisent des formes et des dimensions grossièrement figées depuis le siècle précédent, principalement du fait de la fixité du parcellaire. Les innovations n’en sont pourtant pas absentes, mais, outre des retouches de décor et des surélévations, elles touchent surtout les aménagements intérieurs. Les ponts du centre de Paris constituent un observatoire de choix de ces évolutions que présente cette conférence.

Youri Carbonnier est maître de conférences en histoire moderne à l’université d’Artois (Arras). Ses recherches portent sur le bâti, l’habitat et les paysages urbains, mais aussi sur les sociétés urbaines entre le XVIIe et le XIXe siècle.

Cycle de conférences organisé dans le cadre des «Mardis de Lauzun» par Caroline zum Kolk, (IEA de Paris / Cour de France.fr)

Inscription obligatoire

Conférence – 02/02/2016 – Mode, luxe, innovation : Paris, capitale européenne du luxe au XVIIIe siècle

Mode, luxe, innovation : Paris, capitale européenne du luxe au XVIIIe siècle

Natacha Coquery, Université Lyon 2

Date : le 2 février 2016, 18h-19h30
Lieu : IEA de Paris, Hôtel de Lauzun, 17 quai d’Anjou
Paris, France (75004)

Paris est marquée depuis le Moyen Âge par la vigueur d’un commerce de luxe favorisé par la prodigalité des courtisans et la concentration d’artistes et d’artisans qualifiés. Au XVIIIe siècle, la capitale est un des grands centres européens des modes et du luxe. La conférence fait comprendre la culture de consommation à l’origine du rayonnement parisien et son évolution au XVIIIe siècle où les nouveautés se diffusent non seulement parmi les élites, mais aussi parmi les classes moins fortunées ; là gît la « culture de consommation » propre aux Lumières.

Natacha Coquery est professeure d’histoire moderne à l’université de Lyon 2 et directrice adjointe du LARHRA (UMR 5190), spécialiste de la consommation, du crédit et du commerce de détail à Paris au XVIIIe siècle.

Cycle de conférences organisé dans le cadre des «Mardis de Lauzun» par Caroline zum Kolk, (IEA de Paris / Cour de France.fr)

Inscription obligatoire

Conférence – 05/01/2016 – Le Palais du Luxembourg de Marie de Médicis, 1611-1631

Le Palais du Luxembourg de Marie de Médicis, 1611-1631

Sara Galletti, Duke University (USA)

Date : le 5 janvier 2016, 18h-19h30
Lieu : IEA de Paris, Hôtel de Lauzun, 17 quai d’Anjou
Paris, France (75004)

Le Palais du Luxembourg est un lieu emblématique de la capitale dont Le Bernin estima en 1665 qu’il s’agissait là de « ce qu’il avait vu de plus beau en France ». Son opinion était loin d’être isolée : la résidence de Marie de Médicis suscite au XVIIe et XVIIIe siècle l’attention des artistes et des connaisseurs, les guides la signalent comme un passage obligé dans la capitale. La conférence est consacrée à la naissance de ce palais, à sa signification dans le contexte de son époque, à sa commanditaire et à ses concepteurs, ainsi qu’aux événements, attentes et désirs qui ont abouti à sa réalisation.

Sara Galletti est architecte diplômée et professeure d’histoire de l’art à Duke University (USA). Ses recherches portent sur l’architecture française du XVIe et XVIIe siècles.

Cycle de conférences organisé dans le cadre des «Mardis de Lauzun» par Caroline zum Kolk, (IEA de Paris / Cour de France.fr)

Inscription obligatoire

CFP – The Institutions of the Habsburg Low Countries (16th – 18th centuries)

VIII Conference of Spanish, Belgian and Dutch historians

The Institutions of the Habsburg Low Countries (16th – 18th centuries). In honour of Professor Hugo de Schepper

Lieu: Nijmegen
Date du CFP: 15 décembre 2015
Date de l’événement: 26-27 mai 2016

Since the 1970s the institutional history of the Habsburg Low Countries has regained the interest of historians, chief among them Professor Hugo de Schepper, whose dissertation on the ‘Collateral Councils’ in the period 1579-1609 has influenced a generation of younger scholars. Professor De Schepper was also one of the organizers of the first Hispanic-Dutch Conference in 1984, which was followed by six more editions and included Belgian historians in the last meeting of 2007.

This conference intends to continue the tradition of the Hispanic-Dutch-Belgian meetings and will bring together a number of established and early-career researchers working in the field of the institutional history of the Habsburg Low Countries from the 16th to the 18th century. It aims to draw attention to a broad range of political, economic, religious and cultural institutions by focussing on the enriching approaches that have shaped historical research on institutional history in the past few decades. At the same time, it hopes to bring into the limelight some exciting new (and often interdisciplinary) perspectives that characterize current research in the field.

The conference will be held in honour of Prof. De Schepper at his former home institution, the University of Nijmegen (currently Radboud University). Prof. De

Schepper is currently in the process of revising and updating his doctoral dissertation, which will be published by the Royal Flemish Academy of Belgium in 2016 and will be presented to the audience by the author himself.

ORGANIZING INSTITUTIONS:

Radboud University Nijmegen (The Netherlands)
Universidad Rey Juan Carlos (Spain)
Instituto Universitario La Corte en Europa (Spain)

ORGANIZERS:

Dries Raeymaekers (Radboud University Nijmegen)
José Eloy Hortal Muñoz (Universidad Rey Juan Carlos)

ACADEMIC SECRETARIES:

Gijs Versteegen (Universidad Rey Juan Carlos)
Pierre-François Pirlet (Université de Liège)

DATE

26-27 May 2016

LOCATION

Radboud University Nijmegen

FORMS OF PARTICIPATION

Presentations of papers (20 mins.)

LANGUAGES

English, French, Spanish

PERIOD OF REGISTRATION:

Proposals for papers should include the title, an abstract of maximum 300 words, and a short CV of the presenter, and should be sent by 15 December 2015 to

d.raeymaekers@let.ru.nl, joseeloy.hortal@urjc.es; and gijs.versteegen@urjc.es.

We especially encourage early-career researchers to present their work at the conference.

Some financial assistance will be available.

Proposals are invited on the following topics:
– Political institutions
– Court institutions
– Religious institutions
– Legal institutions
– Cultural institutions
– Social institutions
– Commercial institutions
– Military institutions
– Royal Sites, palaces or buildings

CFP – Contre les Médicis : Art et dissidence dans l’Italie de la Renaissance

Contre les Médicis : Art et dissidence dans l’Italie de la Renaissance

Lieu : Florence
Dates : 26-27 mai 2016
Date limite de réponse à l’appel : 1er janvier 2016

Pontormo , Cosimo il Vecchio, 1520 Huile sur toile 86 x 65 cm Florence, Musée des OfficesAs patrons of art, the Medici left a legacy that is unrivalled. Their well-known narrative lies at the center of Renaissance scholarship. The Medici patronized painters and sculptors, founded academies, preserved and curated their collections, and used both artists and artworks as political tools to convey their agendas and augment their prestige amongst the courts of Italy and Europe. Yet, just as Medici identity was expressed in terms of this cultural patrimony, so too were the attacks of their enemies. A rich corpus of anti-Medicean works of art remains underappreciated and understudied: works of art that communicated messages of opposition, hostility and even hate that struck at the very heart of the political identity of the Medici dynasty.

Recognizing the role that art, artists, and artistic patronage played in opposing the Medici (roughly from Cosimo the Elder to the end of the sixteenth century), this two-day event, sponsored by the Medici Archive Project and the Archivio di Stato in Florence, will address this lacuna. The organizers of the conference, Alessio Assonitis and Stefano Dall’Aglio, invite proposals for 25-minute papers that pertain to subjects including, but not limited to:

· Anti-Medici Patronage in the Quattrocento
· Savonarola and the Piagnoni: aesthetics, patronage and artistic production
· Michelangelo: between pro-Medici and anti-Medici
· Anti-Medici art and patronage in Rome
· Art and architecture in the time of the Republic(s)
· Dissent and absolutism under the Medici Dukes
· Anti-Medicean sentiment in academies, workshops, and confraternities
· Graffiti and vandalism
· Florentine patronage in exile
· Duplicity and dissimulation
· Censorship and Damnatio Memoriae

The keynote speaker will be Paolo Simoncelli (Sapienza – Università di Roma). Scholars interested in participating should send an abstract in English or Italian (no more than 200 words) and a one page CV to conference@medici.org by 1 January 2016.
The papers can be presented in English or Italian. Selected participants will receive partial funding for travel and accommodation.
Against the Medici: Art and Dissent in Renaissance Italy / Contro i Medici : arte e dissenso nell’Italia del Rinascimento,  Florence, Archivio di Stato, 26-27 May 2016.