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CFP – Théorie de la lumière et la théorie de la vision dans la pensée anglo-saxonne des XVIIe et XVIIIe siècles

Théorie de la lumière et la théorie de la vision dans la pensée anglo-saxonne des XVIIe et XVIIIe siècles

Présentation

Pour l’un de ses prochains numéros, la revue Philosophical Enquiries – Revue des philosophies anglophones (revue scientifique à comité de lecture) émet l’appel à contributions suivant : Pour un numéro thématique consacré aux « Théorie de la lumière et théorie de la vision dans le monde anglo-saxon aux 17e et 18e siècles ». La thématique inclut bien sûr tous les travaux portant sur les interactions entre la pensée anglo-saxonne et les travaux en optique et sur la théorie de la lumière développés en Europe à la même époque.

Conditions de soumission

Les contributions peuvent être publiés en anglais et en français.
Les propositions sont à envoyer, en format word, si possible accompagnées d’une version anonymée et d’un résumé, à l’adresse suivante : contributions@philosophicalenquiries.com avant le 30 juin 2016.

Pour plus de précisions sur la revue, nous vous invitons à vous rendre sur le site : www.philosophicalenquiries.com

Conditions d’évaluation

Les propositions de contribution feront l’objet d’une double expertise à l’aveugle.
Source : Calenda

CFP – L’État en scènes. Théâtres, opéras, salles de spectacles du XVIe au XIXes. : aspects historiques, politiques et juridiques

L’État en scènes. Théâtres, opéras, salles de spectacles du XVIe au XIXes. : aspects historiques, politiques et juridiques

Lieu : Amiens – Université de Picardie
Dates : 14, 15 et 16 juin 2017
Deadline : 01/06/2016

Argumentaire :

Le Pouvoir entretient une relation particulière avec le monde des spectacles. Souvent, les princes se sont mis en scène au travers de protocoles minutieux réglant et rythmant leur existence quotidienne et la vie officielle de leurs cours. Parfois, ils ont eux-mêmes été les acteurs de spectacles dans lesquels ils ont joué des rôles taillés sur mesure. Louis XIV, passionné de danse, a exprimé cet art spectaculaire de la scénographie royale, qu’il a cultivé tout au long de son règne et jusqu’à sa mort, dernier acte d’une vie de représentation dont il a orchestré les moindres détails. Louis XV, plus discret et plus réservé, n’apprécie guère cette vie de représentation mais il aime la comédie, les ballets et l’opéra. À Versailles, on lui doit la construction en 1770 de l’opéra royal pour servir de cadre au spectacle du mariage de l’héritier du Trône avec Marie-Antoinette d’Autriche. La jeune dauphine, devenue reine, fréquente assidûment l’opéra de Paris avant de donner aux spectacles royaux une autre dimension, plus intime et plus privée, à l’image d’une royauté fatiguée par une étiquette pesante, trop rigide et inadaptée au siècle des Lumières. À l’abri de son petit théâtre de Trianon, la reine se fait comédienne et joue pour et avec quelques courtisans triés sur le volet. Louis XVI, pourtant, a voulu respecter la pompe royale en donnant le dernier grand spectacle de la monarchie à l’occasion des États-Généraux, réunis avec un faste éblouissant dans le cadre suranné de la salle des Menus-Plaisirs, aménagée pour la circonstance. Quel curieux hasard que de voir la royauté jeter ses derniers feux à l’endroit même où elle rangeait les précieux décors de ses spectacles de cour !

Mais les spectacles ne se jouent pas seulement dans les résidences royales. Dès le XVIe siècle, les princes comprennent l’utilité politique des spectacles et des pièces de théâtre, qui peuvent servir à montrer leur puissance et à assurer leur propagande. Ils en mesurent l’utilité pédagogique, pour l’éducation des jeunes gens et la transmission de certaines valeurs morales ou civiques. Ils saisissent l’utilité sociale de ces divertissements, très appréciés et recherchés au sein des couches les plus aisées de la population. Les troupes de comédiens se multiplient alors. D’abord itinérantes, elles ont tendance à se fixer au XVIIe siècle dans les grandes villes, où elles trouvent la protection du souverain, de son représentant ou d’un puissant personnage qui les favorise, les subventionne et les entretient. Dès lors, les pouvoirs publics incitent à la construction de salles permanentes destinées à les accueillir, à recevoir un public plus nombreux et à satisfaire une demande toujours plus forte. C’est aussi un moyen de contrôler des saltimbanques dont la liberté de ton, parfois, fait trembler le pouvoir. À Paris, l’institution de la Comédie-Française par Louis XIV témoigne de cette volonté d’encadrer le monde des comédiens. L’impulsion est alors donnée et, au XVIIIe siècle, les théâtres publics fleurissent partout, encouragés par le gouvernement royal et les autorités municipales. Les grandes cités du royaume voudront leur salle de spectacle, considérée comme un signe visible de leur puissance politique, de leur vitalité économique et de leur attrait culturel. Les théâtres sont insérés dans des programmes architecturaux ambitieux, destinés à embellir les villes, à les faire entrer dans la modernité et à montrer leur fidélité au régime. Ce processus culturel s’adapte-t-il aux régimes qui se succèdent à partir de la Révolution ? L’Empire, voire la République, craignent-ils ou encouragent-ils les spectacles ?

La construction de ces salles, leur mode de financement, leurs règles de fonctionnement, leur économie, leur utilisation au plan politique concernent aussi bien le royaume de France que la plupart des États d’Europe et soulèvent une multitude de questions :

La construction des salles de spectacles déroge-t-elle aux règles communément observées dans le domaine des travaux publics ? Le pouvoir a-t-il suscité et encouragé une politique de construction à l’échelle du pays ? Les théâtres ont-ils été insérés dans des programmes d’embellissement officiels au même titre que les places? Le gouvernement a-t-il incité les grandes villes de l’Etat à édifier des salles publiques ? Quel a été le rôle des gouverneurs, des intendants, puis de préfets dans ce domaine ? Comment cette politique, si elle existe, a-t-elle été financée ?

Comment fonctionnent les salles de spectacle ? Sont-elles dotées de règlements de police particuliers ? Quelle est la technique juridique utilisée pour leur exploitation ? Qui les dirige ? Comment sont-elles financées ? Sont-elles subventionnées par le pouvoir central ou par les autorités municipales ? Ce dernier intervient-il dans leur administration intérieure ? Quel est le statut des employés et des comédiens ? L’État intervient-il dans le fonctionnement des salles privées ? Cherche-t-il à les contrôler ? Comment les surveille-t-il ? La nature du régime politique influence-t-il le contenu des divertissements ?

Les salles participent-elles de la propagande ? Comment s’y exerce la censure royale ? Le gouvernement intervient-il dans le choix des spectacles ? Quelles sont les représentations données dans les résidences du pouvoir ? Existe-t-il une programmation privée pour les souverains, distincte de la programmation officielle ? Les spectacles donnés pour le roi, l’empereur ou le président sont-ils diffusés en province ?  Par quel canal ? Quel est le pouvoir d’intervention des autorités de police dans ce domaine ? Qui fréquente les salles ? Sont-elles seulement réservées aux élites ?

Quel a été le rôle des salles de spectacles dans le processus révolutionnaire ? Quelle a été la programmation dans les dernières années de l’Ancien Régime et des régimes successifs au XIXe siècle ? Les idées des Lumières y transparaissent-elles ? Quelle a été l’influence des pièces écrites à l’étranger ? Quelle a été l’attitude du pouvoir à l’égard des salles de spectacles ? La proclamation de la liberté d’expression a-t-elle modifié les programmations ? La montée des oppositions au pouvoir de l’État y est-elle perceptible ?

Les organisateurs du colloque souhaitent que ces différentes questions soient abordées non seulement sous un angle comparatiste, les exemples offerts par les États européens étant les bienvenus, mais aussi sous un angle interdisciplinaire, afin de confronter la vision des juristes, des historiens du droit, des historiens de l’art, des historiens des lettres, des politistes, des sociologues, etc.

Programme pressenti :

Prologue

Acte I : La construction des salles

Acte II : Le fonctionnement des salles

Acte III : La programmation des salles

Acte IV : Tombée de rideau

Comité scientifique :

Christian Biet, Professeur des arts du spectacle, Université de Paris-Ouest-Nanterre-La-Défense
Robert Carvais, Directeur de recherche, CNRS, Université de Paris-Ouest-Nanterre-La Défense
Cédric Glineur, Professeur d’histoire du droit, Université de Picardie
Jean-Louis Halpérin, Professeur d’histoire du droit, École normale supérieure
Jean-Louis Harouel, Professeur d’histoire du droit, Université de Paris-II
Virginie Lemonnier-Lesage, Professeur d’histoire du droit, Université de Dijon
Hervé Leuwers, Professeur d’histoire moderne, Université de Lille-III
Anthony Mergey, Professeur d’histoire du droit, Université de Panthéon-Assas
François Ost, Professeur de droit, Université de Saint-Louis, Bruxelles
Daniel Rabreau, Professeur émérite d’histoire de l’art, Université Panthéon Sorbonne
Norbert Rouland, Professeur de droit, Université Paul Cézanne d’Aix-en Provence
Sophie Sedillot, Maître de Conférences d’histoire du droit, Université de Picardie
Philippe Sénéchal, Professeur d’histoire de l’art, Université de Picardie
Mathieu da Vinha, Directeur scientifique du Centre de recherches du Château de Versailles

Comité d’organisation :

Robert Carvais, Directeur de recherche, CNRS, Centre de théorie et analyse du droit, Université de Paris-Ouest-Nanterre-La Défense
Cédric Glineur, Professeur d’histoire du droit, Université de Picardie
Sophie Sedillot, Maître de Conférences d’histoire du droit, Université de Picardie

Contact :

Les projets de communications doivent être envoyés par mail avant le 1er juin 2016 aux membres du comité d’organisation : rcarvais@noos.fr ; cedricglineur@msn.com ; sased@wanadoo.fr

Joindre une présentation succincte de la communication envisagée avec indication des sources (2500 signes maximum espaces compris) avec son titre et un court curriculum vitae.

Publication des actes : Lextenso®

Responsables : Cédric Glineur, Robert Carvais, Sophie Sédillot

Source : Fabula
       

CFP – Nouveaux régimes de la figure. Littérature et arts visuels

Colloque international 

Nouveaux régimes de la figure. Littérature et arts visuels

Centre d’excellence dans l’étude de l’image (CESI), Université de Bucarest

11-12 novembre 2016, Bucarest, Roumanie

Date limite: 15 avril 2016

Au croisement de plusieurs champs d’étude, le concept de figure connaît depuis quelques dizaines d’années un renouvellement théorique. De la psychanalyse à l’histoire de l’art et à l’historiographie, des études littéraires aux études visuelles, de l’esthétique aux approches phénoménologiques, on assiste à l’élaboration d’un concept transversal de figure qui pousse les disciplines à sortir de leurs cadres pour étudier le langage et l’image en tant que formes complexes de l’expérience humaine, et non seulement dans leur organisation structurale. La pensée, la sensibilité et les pratiques artistiques contemporaines nous invitent à un examen détaillé des mouvements et des tensions intrinsèques de la figure afin de mieux saisir sa force polémique et son ambivalence constitutives.

Acte de création et objet de pensée à la fois, la figure pose actuellement la question brûlante d’un régime intensif valorisant la composante énergétique, processuelle, relationnelle de la figure dans l’analyse des objets artistiques. On parle d’une identité « double et paradoxale » (Philippe Dubois) de la figure, au sens où elle se donne à entendre à la fois comme force et forme, invention et convention, trace matérielle et image ressemblante. Avec la question du figural (Jean-François Lyotard) et de la figurabilité (Louis Marin), du sens obtus (Roland Barthes) et du symptôme (Georges Didi-Huberman), on nous apprend à entrer dans l’image et dans le texte par ce qui se présente de face mais résiste aux approches traditionnelles qui ont réduit la figure à son régime représentatif et symbolique.

Dans le déferlement des images contemporaines, cette économie nouvelle de la figure annonce une revitalisation du discours interprétatif en littérature et arts visuels, ainsi qu’une reconfiguration de l’histoire (Jacques Rancière). Mais qu’en est-il de ce jeu du « figural » (Laurent Jenny) qui trouve une place si importante dans la réflexion actuelle ? Quelles formes de savoir en découlent, quelle histoire culturelle ou intellectuelle propose-t-elle ?

Notre colloque vise à rassembler des contributions qui s’intéressent aux usages de la figure dans le discours théorique et les pratiques artistiques contemporaines. Les contributions pourront traiter des aspects suivants sans pourtant s’y limiter :

  • puissance figurale, pouvoir figuratif
  • la défiguration : techniques et pratiques de la création contemporaine
  • médialité, intermédialité, transmedialité : le jeu du figural
  • figures de l’espace, figures dans l’espace, espaces figuraux
  • configurations : plasticité et dynamique de l’image
  • figures en mouvement, mouvement des figures
  • esthétiques/politiques du figural

Comité scientifique :

Prof. Sorin Alexandrescu, Université de Bucarest
Prof. Barbara Baert, Université Catholique de Louvain
Prof. Éric Marty, Université Paris Diderot – Paris 7
Prof. Bertrand Rougé, Université de Pau et des Pays de l’Adour
Assist. Prof. Sjoerd van Tuinen, Université  Érasme de Rotterdam
Prof. Bart Verschaffel, Université de Gand
Prof. Alessandra Violi, Université de Bergame

Comité d’organisation :

Laura Marin, Anca Băicoianu, Vlad Ionescu, Andrei Lazăr, Alexandra Irimia, Alina Vlad (membres du projet de recherche „Figura – corps, art, espace, langage”, Université de Bucarest)

Nous vous prions d’envoyer vos propositions de communication d’ici le 15 avril 2016 à l’adresse figura.cesi.2016@gmail.com à l’attention de Laura Marin pour le comité d’organisation. Les propositions peuvent nous parvenir en anglais ou en français et doivent contenir: le titre et le résumé de la communication (max. 1500 signes, espaces compris), accompagnés d’une notice bio-bibliographique de l’auteur (max. 350 signes, espace compris).

La publication des actes du colloque est envisageable dans la collection „Texte et Image” du Centre d’excellence dans l’étude de l’image (CESI) aux Presses de l’Université de Bucarest.

Source : Fabula

CFP – Publier sur l’art, l’architecture et la ville : La Font de Saint-Yenne (1688-1771) et l’ambition d’une œuvre

Publier sur l’art, l’architecture et la ville : La Font de Saint-Yenne (1688-1771) et l’ambition d’une œuvre

Lieu : Paris

Date : 24 et 25 novembre 2016

Deadline : 15 mars 2016

 

Argumentaire :

La contribution décisive de La Font de Saint-Yenne à la naissance et à l’affirmation d’un nouveau type de discours sur l’art au milieu du XVIIIe siècle n’est certainement plus à prouver. Albert Dresdner et Roland Desné, et à leur suite Else Marie Bukdahl, Annie Becq et Richard Wrigley ont définitivement arraché le littérateur des limbes de la critique. Plus récemment, les travaux de René Démoris, Florence Ferran ou encore Étienne Jollet, éditeur de ses œuvres complètes, ont considérablement contribué à faire sortir les écrits de ce personnage de l’ombre du grand Diderot, dans laquelle on avait tendance à les tenir. Ces études, souvent centrées sur deux des principaux écrits de La Font (les Réflexions sur quelques causes de l’État présent de la peinture en France, avec un Examen des principaux Ouvrages exposés au Louvre, 1746, parues en 1747, et les Sentiments sur quelques ouvrages de peinture, sculpture et gravure, Écrits à un particulier en province, publiées en 1754), ont mis en évidence la témérité et l’audace de leur auteur qui revendique le droit fondamental au libre exercice de la critique. Plus encore, elles ont souligné le coup de force qu’a constitué l’irruption, dans le discours sur l’art, d’une parole et d’un jugement profanes s’autorisant du seul « public » – entité évidemment floue dont Thomas Crow a bien montré qu’elle allait devenir, justement à partir de La Font de Saint-Yenne, l’enjeu principal des affrontements idéologiques autour du Salon. En soulignant l’ampleur du scandale (dont l’éclat semble effacer jusqu’au personnage, dont on ne sait encore aujourd’hui que très peu) et la vigueur de la polémique engendrées, les analyses sur La Font ont démontré que son œuvre avait indéniablement une valeur inaugurale.

Ce colloque autour de La Font de Saint-Yenne se propose de prolonger la réflexion dans trois directions :

  • De la critique de l’actualité à la construction d’une œuvre : La Font de Saint-Yenne en contexte

Il revient à La Font de Saint-Yenne d’avoir suscité, avec la publication des Réflexionsen 1747 et la polémique qui s’en est suivie, un débat public non seulement sur l’actualité artistique mais aussi sur la portée de la critique imprimée. La critique de la critique s’inquiète autant de ses jugements de valeurs, en rupture avec les comptes rendus descriptifs des premiers Salons, que de la diffusion et des effets de sa brochure sur la production, la réputation et la postérité des artistes. À la suite de La Font, les salonniers vont le plus souvent faire le choix d’une critique circonstancielle, liée à l’événement du Salon organisé tous les deux ans, et portée par le développement de la littérature périodique et éphémère. De ce contexte rend bien compte aujourd’hui le fonds Deloynes. Même s’il participe à sa manière au jeu des Salons en investissant lui aussi des supports et des genres, lettres, dialogues d’idées, favorisant l’expression et l’échange d’opinions, l’auteur des Réflexions se démarque pourtant rapidement par son ambition de faire œuvre.

La réédition d’Étienne Jollet en 2001 invite à revenir sur l’ensemble des textes publiés par La Font, et à interroger la façon dont, en l’espace de treize ans à peine, le critique s’est attaché à dessiner une œuvre cohérente et à revendiquer une figure d’auteur. Sa pensée critique s’affermit (se radicalise ?) d’écrits en écrits, excédant le seul champ de la critique d’art pour élargir au fur et à mesure ses visées à l’architecture et à la ville, et croiser différentes approches, historique, théorique, moraliste et politique. L’étude de Dorit Kluge parue en 2009 a éclairé les fondements biographiques, les sources, la continuité et le développement de la critique d’art de La Font. De sa lecture des Réflexions et des Sentiments, René Démoris avait dégagé en 2001 les lignes de force du programme idéologique de l’auteur. Comment s’articulent ces éléments à l’échelle globale de l’œuvre, dans sa progression, mais aussi sans doute dans ses hésitations, voire ses contradictions ?

Polyvalent, réactif, La Font se repositionne en permanence dans le paysage critique. D’où l’utilité non seulement de poursuivre l’enquête biographique sur ce personnage encore mal connu, mais d’étudier aussi en parallèle la publication des textes dans leur succession chronologique. Quel changement de posture signale par exemple la réédition conjointe en 1752 des Réflexions, expurgées de la partie critique qui avait fait scandale en 1747, de L’Ombre de Colbert (1ère édition en 1749) et d’une Ode de jeunesse de 1726 ? Que s’est-il passé en cinq ans, entre la publication des Réflexions et le recueil de 1752 ? La critique est née comme genre, empruntant une voie polémique avec laquelle La Font prendra clairement ses distances dans les Sentiments en 1754, bien qu’il se soit montré attentif à la réception de ses écrits, et qu’il ait pris la peine d’y répondre publiquement. Si la personne même de l’auteur émerge d’une lettre en réponse à ses détracteurs en 1747, on s’intéressera aussi à la façon dont sa voix se réverbère dans les figures d’hommes illustres, puissant ministre ou grand édile (Colbert, Turgot, Marigny…), zélé citoyen (Ponson du Tillet…), à travers lesquelles il élabore son discours et se construit indirectement une œuvre-monument pour la postérité. Reste à évaluer la fortune effective de ces textes à long terme, et la place de La Font aux côtés d’autres figures de critiques retenues par les historiens de l’art et de la littérature, comme Diderot bien sûr, mais aussi Fréron, (Balcou et alii, 2001) ou Baillet de Saint-Julien (Manceau, 2014). Si La Font a sa notice dans le Dictionary of Art dirigé par J. Turner en 1996, nombre de salonniers sont notamment recensés dans le Dictionnaire des journalistes (1600-1789) de Jean Sgard (Voltaire Foundation, 1999, 1ère édition PUG, 1976), ou évoqués dans The Literary underground of the old Regime de Robert Darnton (Yale University Press, 1982), la carrière pluridisciplinaire et plurielle de ces auteurs témoignant de la labilité des champs artistiques et littéraires au XVIIIe siècle.

  • « Dialogue des morts », dialogue des siècles

On s’interrogera sur l’ « esthétique de la grandeur » soulignée par Étienne Jollet, horizon de toute la conception artistique de La Font, dans laquelle le siècle de Louis XIV, ou sa mythologie à tout le moins, devient l’étalon de beauté et de valeur à l’aune duquel se jugent les productions contemporaines. D’où la pensée de la décadence qui innerve les écrits de La Font, fondée sur le culte nostalgique du grand siècle et du lustre de l’École française, et utilisée à des fins démonstratives et idéologiques.

Dans quelle mesure cette dichotomie grandeur contre décadence fait-elle écho aux moralistes du grand siècle et pourrait-elle avoir été une des sources d’inspiration de Rousseau dans le Premier Discours (1750), comme le suggère René Démoris ? Quelle part accorder aux influences idéologiques, plus diffuses, du parti Janséniste ou du parti parlementaire, dont La Font soutient le combat national et patriotique contre la monarchie ? Comment, en d’autres termes, La Font conjugue-t-il toujours idéal esthétique, éthique et politique ? Or cette vision à tendance moralisatrice et édificatrice a comme centre névralgique la valorisation de la peinture d’histoire, au sommet de la hiérarchie picturale du temps, dont La Font célèbre aussi bien les figures d’artistes (Poussin, Le Sueur, Le Brun) que les grands théoriciens (Félibien, De Piles). Que devient sous sa plume l’idée qu’on se faisait de la bonne peinture à l’âge classique ? On s’attachera à questionner l’infléchissement, peut-être même la dérive néo-classique de son œuvre. Ami de Boileau, soutien de Fréron, La Font correspond également avec Raynal, vante les mérites de l’architecte Perrault et loue selon ses dires, « nos bons Modernes ». Davantage encore : en encourageant le jugement d’après le « sentiment », La Font reformule le Moderne Du Bos ; en devient-il pour autant un « moderne » ?

Ces problématiques se cristallisent autour d’un genre, le « dialogue des morts », qui permet à la fois de célébrer les grandes figures du siècle, de tisser un lien solide entre les deux règnes de Louis XIV et de Louis XV et d’unir œuvre de fiction et discours de Vérité. La prose « zélée » et non sans grandiloquence de La Font emprunte à ce procédé qui donne vie à des figures réelles magnifiées (Colbert, Perrault) et allégoriques-topographiques (le Génie du Louvre, la Ville de Paris). Sur le mode apocalyptique (L’Ombre du grand Colbert, 1752) ou onirique (Le Génie du Louvre aux Champs-Élysées, 1756), les deux « dialogues des morts » indiquent chacun la fin d’une ère. On mettra en lumière les sources, la place et les enjeux de ce diptyque de La Font dans la longue tradition de ce genre (chez Fontenelle et Fénelon notamment), étudié par Lise Andries et plus largement par Stéphane Pujol, et qui mêle volontiers dialogue et allégorie, catabase et nekuia. On analysera également la postérité de ce genre et sa subversion dans la littérature des salons et parmi les écrits du fonds Deloynes, auquel ce colloque voudrait donner toute sa place contextuelle. Si La Font souhaite se différencier très tôt des productions – articles, brochures et libelles – qui paraissent sur les expositions, ses écrits ne peuvent se penser indépendamment d’elles. Entre tant d’autres trouvailles stylistiques et littéraires (observations, lettres, réponses, jugements, réflexions et sentiments, vers, chansons, proverbes, « coup de patte » et « coup d’œil », conversations, parades et vaudevilles, pour ne citer qu’elles), le « dialogue des morts » devient l’un des genres de prédilection des salonniers, et notamment des salonniers révolutionnaires qui opèrent un renversement burlesque et satirique. Victime du genre, car ridiculisé par Cochin dans Les Misotechnites aux Enfers sous les traits du personnage Ardélion (Collection Deloynes, VIII, 103), La Font est suivi par nombre de salonniers qui creusent le sillon tracé par ses textes. Ils imaginent alors des fictions dans lesquelles ils parcourent l’exposition avec les mânes non d’un ministre ou d’un architecte mais de peintres, dialoguant notamment avec l’ombre de Raphaël (Collection Deloynes, IX, 143), d’Apelle (Collection Deloynes, XIII, 288) ou de Rubens (Collection Deloynes, XV, 371 et XXVI, 683), juges impitoyables des œuvres. Plus loufoques, des échanges fictifs avec des morts-vivants – Le Mort vivant au Sallon de 1779 (Collection Deloynes, XI, 209), La Morte de trois mille ans au salon de 1783 (Collection Deloynes, XIII, 386) – sur les toiles et les sculptures attestent que le « dialogue des morts » mais aussi les dialogues animés, tel celui des Images parlantes ou Dialogue des tapisseries exposées (Collection Deloynes, XXI, 590) sont devenus des exercices de style codifiés.

Quelles critiques sévères adressent ces textes ? Comment servent-ils de terreau à la confrontation des idées esthétiques, philosophiques et politiques ? Si les morts ont beaucoup à dire sur l’actualité, le genre permet toujours de considérer l’œuvre avant tout au regard de la postérité.

La Font déplorait les plumes fielleuses, les écrits vains vantant le petit goût et l’art frivole, usant d’une langue recherchée, pur galimatias truffé d’inventions et d’épithètes neuves ou impropres. Grand goût et grand style vont à ses yeux de pair. L’invention d’un génie de la Nation donne-t-elle naissance à l’idée même du génie de la langue française ? Chez les salonniers révolutionnaires, langue de l’art et langue de la révolution interfèrent. L’émergence d’un art national se traduit-elle par l’usage de nouveaux termes ? Dans quelle mesure cette recherche littéraire et langagière profuse des salonniers est-elle redevable ou non à cette idée, exprimée par La Font, selon laquelle l’écrivain instruit des termes de l’art et des métiers est plus à même de juger les œuvres que les artistes ; et plus profondément à cette idée que l’imaginaire littéraire précède bien souvent la réalité picturale ?

Ce nouvel espace commun créé par La Font, qui n’est plus celui de l’art, mais celui de la cité, de la nation tout entière, trouve-t-il aussi son lieu dans une langue collective nouvelle ?

  • Penser l’art dans l’espace public.

Enfin, s’intéresser de près au diptyque du Grand Colbert et du Génie du Louvre, c’est réfléchir sur une partie essentielle et pourtant peu étudiée de l’œuvre de La Font de Saint-Yenne, celle qui lui donne sa profondeur et sa cohérence : sa pensée de l’architecture, des embellissements et de la ville.

On pourra réfléchir, dans le prolongement des travaux de Richard Wittman, sur la place de l’œuvre de La Font parmi la littérature contemporaine des embellissements, qu’elle soit manuscrite (certains mémoires de Bachaumont), pamphlétaire (les libelles de Voltaire urbaniste) ou encore « touristique » (avec le guide pittoresque de Germain Brice, qui a pu inspirer La Font dans ses développements sur les monuments du règne de Louis XIV). De toute cette littérature, parfois rigoureusement circonscrite à la question du dépérissement du Louvre, émerge une conscience du patrimoine national et une conception de l’espace public que La Font contribue à faire advenir – reste à déterminer dans quelle mesure.

Une conception de l’espace public dont on pourra aussi interroger, sinon les limites, du moins les ambiguïtés et les contradictions. En effet, la ville monumentale devient bien sûr, sous la plume de la Font, un espace public, à conquérir sur le double terrain architectural (La Font réclame l’accès public au monument, en opposant la destination nationale de la Colonnade du Louvre à son annexion par les intérêts privés…) et discursif (la fabrique de la ville devient l’objet d’un discours public, désormais ouvert au citoyen et au patriote – coup de force équivalent, dans la sphère du bâti, à celui du critique dans la sphère du salon) ; mais, d’un autre côté, cet espace monumental ne peut se dire, encore, qu’à travers les figures de l’allégorie, les formes du mythe, les voies du symbole, toutes tributaires de la représentation royale et absolutiste de la ville. Le « zélé citoyen » serait-il alors une figure charnière, de transition pourrait-on dire, entre la célébration classique de la ville « propriété personnelle » du souverain (Norbert Elias), et la ville économiquement rationnelle des Lumières, dépouillée de sa gangue mythique et symbolique ? Faut-il lire l’œuvre de la Font comme ranimant les derniers feux de la ville de l’absolutisme ? ou comme portant les prémisses de la ville moderne des Lumières ? Là encore, le choix littéraire du genre du dialogue des morts participe de la conception même de la cité.

Quoi qu’il en soit, le discours sur les embellissements et l’espace public, engage, plus directement et plus frontalement encore que la critique du salon, des enjeux politiques et idéologiques qu’on cherchera à mettre en lumière pour en évaluer la part. Dans quelle mesure le discours sur l’art et la ville est-il solidaire (voire inséparable) d’une critique sévère des politiques publiques de la monarchie en faillite ? A quel degré l’influence, par exemple, de l’idéologie parlementaire (influence déjà relevée par Richard Wittman à travers l’exaltation de la « nation » et de l’idéal patriote) informe-t-elle la conception des embellissements de la Font ? Et, dans un contexte où parler du monument, c’est forcément parler du pouvoir, de ses signes et de ses symboles, le discours proprement esthétique sur l’architecture (sur le goût, les règles du beau, les proportions…) ne finit-il pas par se dissoudre dans un propos politique et idéologique par ailleurs totalement assumé par un La Font offensif dans son costume de « zélé citoyen » ? À la différence de ce qui se passe dans les Réflexions où une place pour un tel discours esthétique existe.

Sans doute cette apparente disparition n’est-elle que la conséquence de ce geste clef par lequel La Font, comme l’avait très justement noté René Démoris, « prend en compte la place de la peinture et de l’art en général dans la cité ». On pourra se pencher sur les nombreuses implications de cette inclusion de la peinture dans l’écrin plus vaste de l’architecture et de l’espace de la ville. En s’interrogeant, là encore, sur la notion de publicité, qui traverse toute l’œuvre de la Font, et qui permet d’articuler ses pensées de la peinture et de l’architecture. N’est-ce pas une seule et même chose qui se joue, aux trois bouts de son œuvre, avec l’invention du « public » comme caution du discours critique (dans l’espace du salon), le combat pour la restitution du Louvre au public et à la nation (dans l’espace du monument) et la revendication à l’accès du public aux œuvres d’art (dans l’espace du musée) ? Ce dernier espace, La Font semble l’un des premiers à en formuler le vœux (en réclamant qu’une galerie du Louvre accueille les œuvres pour la formation permanente du public), posant là les jalons d’une muséographie nationale – sur ce point, comme sur beaucoup d’autres, il convient d’évaluer la fortune et l’influence réelle de son œuvre par la postérité.

Les propositions de communication (une trentaine de lignes) ainsi qu’une courte biobliographie sont à envoyer avant le 15 mars 2016 à Florence Ferran (florence.ferran@u-cergy.fr), Fabrice Moulin (fabrice.moulin@u-paris10.fr) et Élise Pavy-Guilbert (elise.pavy@u-bordeaux-montaigne.fr).

Informations et contacts :

Florence Ferran, université de Cergy-Pontoise AGORA (EA 7392)

florence.ferran@u-cergy.fr

Fabrice Moulin, université Paris Ouest Nanterre La Défense CSLF (EA 1586)

Centre des Sciences des Littératures en langue Française

fabrice.moulin@u-paris10.fr

Élise Pavy-Guilbert, université Bordeaux Montaigne CLARE (EA 4593)/CEREC

Cultures Littératures Arts Représentations Esthétiques/Centre de Recherches sur l’Europe Classique

elise.pavy@u-bordeaux-montaigne.fr

Bibliographie indicative :

Sources premières

Collection de pièces sur les Beaux-Arts imprimées et manuscrites, recueillie par Pierre-Jean Mariette, Charles-Nicolas Cochin et M. Deloynes, dite « Collection Deloynes » (1673-1808), acquise par le conservateur Georges Duplessis pour le Département des Estampes de la BN en 1881, 63 tomes en 65 volumes, 2069 pièces, Paris, BnF site Richelieu, Cabinet des Estampes.

Cochin, Charles Nicolas, Les Misotechnites aux Enfers ou Examen des Observations sur les Arts par une société d’amateurs, Amsterdam, [Paris], 1763 ; reprint, Genève, 1970.

Du Bos, Jean-Baptiste, Réflexions critiques sur la Poésie et la Peinture, Paris, 1719, rééd. Paris, e.n.s.b.-a., 1993.

La Font de Saint-Yenne Étienne, Réflexions sur quelques causes de l’état présent de la peinture en France. Avec un examen des principaux Ouvrages exposés au Louvre le mois d’Août 1746, La Haye, J. Neaulme, 1747.

La Font de Saint-Yenne Étienne, Lettre de l’auteur des Réflexions sur la peinture, et de l’examen des ouvrages exposés au Louvre en 1746, s.l., 1747.

La Font de Saint-Yenne Étienne, L’Ombre du grand Colbert, le Louvre et la Ville de Paris, dialogue, La Haye, J. Neaulme, 1749.

La Font de Saint-Yenne Étienne, L’Ombre du grand Colbert, le Louvre et la Ville de Paris, dialogue ; Réflexions sur quelques causes de l’état présent de la peinture en France. Avec quelques lettres de l’auteur à ce sujet. Nouvelle édition corrigée et augmentée, s.l., 1752.

La Font de Saint-Yenne Étienne, Examen d’un essai sur l’architecture, avec quelques remarques sur cette science traitée dans l’esprit des beaux-arts, Paris, M. Lambert, 1753.

La Font de Saint-Yenne Étienne, Sentiments sur quelques ouvrages de peinture, écrits à un particulier en Province, [s.l.], 1754.

La Font de Saint-Yenne Étienne, Le Génie du Louvre aux Champs-Élysées. Dialogue entre le Louvre, la ville de Paris, l’ombre de Colbert, & Perrault. Avec deux lettres de l’auteur sur le même sujet, Paris, M. Lambert, 1756.

La Font de Saint-Yenne Étienne, L’Ombre du grand Colbert et Réflexions sur quelques causes de l’état présent de la peinture en France et sur les beaux-arts, 1757.

 

Rééditions :

 

La Font de Saint-Yenne Étienne, Œuvre critique, Étienne Jollet (éd.), Paris, Éditions de l’École Nationale Supérieure des Beaux-Arts (ENSBA), « Beaux-Arts Histoire », 2001.

Démoris René et Ferran Florence (éds), La Peinture en procès, l’invention de la critique d’art au siècle des Lumières, Paris, Presses de la Sorbonne nouvelle, 2001 (réédition des Réflexions sur quelques causes de l’état présent de la peinture en France. Avec un examen des principaux Ouvrages exposés au Louvre le mois d’Août 1746 ; Sentiments sur quelques ouvrages de peinture, écrits à un particulier en Province).

 

Études :

 

L’Invention de la critique d’art, Pierre-Henry Frangne et Jean-Marc Poinsot (dir.), actes du colloque international tenu à l’université de Rennes 2 les 24 et 25 juin 1999, PUR Presses Universitaires de Rennes, 2002.

Écrire la peinture – entre XVIIIe et XIXe siècles, Pascale Auraix-Jonchière (dir.), actes du colloque du Centre de Recherche Révolutionnaires et Romantiques (Clermont-Ferrand, 24, 25 et 26 octobre 2001), « Révolutions et Romantismes », n° 4, PUBP Presses Universitaires Blaise Pascal, 2003.

Penser l’art dans la seconde moitié du XVIIIe siècle : théorie, critique, philosophie, histoire, Christian Michel et Carl Magnusson (dir.), actes du colloque organisé à l’Université de Lausanne, au Centre allemand d’histoire de l’art de Paris et à l’Académie de France à Rome – Villa Médicis en 2008, Paris, Somogy éditions d’art, 2013.

Andries Lise, « Querelles et dialogues des morts au XVIIIe siècle », Le temps des querelles, Jeanne-Marie Hostiou et Alain Viala (dir.), Littératures classiques, n° 81, 2013, p.131-148.

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Becq Annie, Genèse de l’esthétique française moderne. De la Raison classique à l’imagination créatrice 1680-1814, [Pise, Pacini Editore, 1984], Paris, Albin Michel, 1994.

Boucheron Patrick, Le Prince et les arts : France, Italie (XIVe – XVIIIe siècles), Neuilly, Atlande, 2010.

Bukdahl Else Marie, Diderot critique d’art. II. Diderot, les salonniers et les esthéticiens de son temps, Copenhague, Rosenkilde et Bagger, 1982.

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Démoris René, « Le Citoyen en peinture : les Sentiments de 1754 », dans La Peinture en procès, op. cit., p. 157-174.

Démoris René, « Les enjeux de la critique d’art en sa naissance : les Réflexions de La Font », dans Ecrire la peinture entre XVIIIe et XIXe siècles, op. cit.

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Dresdner Albert, La Genèse de la critique d’art – dans le contexte historique de la vie culturelle européenne [Entstehung der Kunstkritik im Zusammenhang der Geschichte des europäischen Kunstlebens, 1915], Thomas de Kayser (trad.), préface de Thomas W. Gaehtgens, Paris, Éditions de l’École Nationale Supérieure des Beaux-Arts, 2005.

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Fanizza F., « Presentazione », dans La Font de Saint-Yenne, Riflessioni e sentimenti sullo stato delle arti francesi, éd. et trad. par F. Fanizza, Bari, 2002, p. 7-36.

Ferran Florence, « Mettre les rieurs de son côté : un enjeu des Salons de peinture dans la seconde moitié du XVIIIe siècle », Dix-huitième siècle, Le Rire, n° 32, 2000, p. 181-196.

Ferran Florence, « Le Salon en délire : Gorsas et la plume du Coq de Micille », dans La Peinture en procès, op. cit., p. 257-284.

Ferran Florence, « Une Médecine dont rien ne saurait corriger l’amertume : portrait du critique d’art en charlatan dans les années 1780 », Ecrire la peinture entre XVIIIème et XIXème siècles, dir. P. Auraix-Jonchère, Presses universitaires Blaise Pascal, Clermont-Ferrand, 2003, p. 39-54.

Ferran Florence, « La Peinture victime de la sottise : représentations et discours de l’ineptie au Salon », Sottises et ineptie de la Renaissance aux Lumières. Discours du savoir et représentations romanesques, dir. N. Jacques-Lefèvre, N. et A.-P. Pouey-Mounou, Littérales, n°34/35, Université Paris X-Nanterre, 2004, p.  427-444.

Ferran Florence, « De quelques expérimentations littéraires de la critique d’art à sa naissance ou comment arranger le Salon selon des ²liaisons au goût du siècle² », L’Ecrit sur l’art : un genre littéraire ?, D. Vaugeois (dir.), Figures de l’art, n°9, Presses Universitaires de Pau, 2005, p. 67-83.

Ferran Florence, « La critique d’art par voie épistolaire et dialogique : dynamiques d’affrontement et de coopération », Peinture, littérature et critique d’art au XVIIIesiècle, Tours, Presses Universitaires François Rabelais, Textes réunis par Didier Masseau, Cahiers d’Histoire Culturelle, n°17, 2005, p. 95-110.

Ferran Florence, « Le genre et ses pratiques d’appropriation : l’exemple de la critique d’art en France au XVIIIe siècle », La Licorne, n° 79, « Le Savoir des Genres », 2007, p. 261-280.

Ferran Florence, « Les décisions de l’ignorant. Autorité et savoir du critique d’art. », Penser l’art dans la seconde moitié du XVIIIe siècle : théorie, critique, philosophie, histoire, sous la direction de Christian Michel et Carl Magnusson, Acte du colloque (Lausanne, Paris, Rome, 2008), Rome, Académie de France – Villa Médicis, Collection Histoire de l’art n°15, 2013, p. 129-140.

Ferran Florence, Littérateurs et critique d’art (1747-1791) : invention et appropriations d’un genre en France au XVIIIe siècle, thèse soutenue à l’Université Sorbonne Nouvelle-Paris 3, sous la dir. de R. Démoris (2005), à paraître aux éditions Garnier, collection « L’Europe des Lumières ».

Fontaine André, Les doctrines d’art en France. Peintres, amateurs, ciritiques de Poussin à Diderot, Paris 1909.

Fort Bernadette, « Voice of the public : the Carnavalization of Salon Art in Prerevolutionary Pamphlets », Eighteenth Century Studies, 1989, p. 368-394.

Fort Bernadette, « Théorie du Public et critique d’art: de Félibien à Lefébure », SVEC265, 1989, p. 1485-1488.

Gaehtgens Thomas W., L’image des collections en Europe au XVIIIe siècle, leçon inaugurale faite le 29 janvier 1999, Collège de France, Chaire européenne, Paris, Collège de France, 1999.

Gaehtgens Thomas W., L’art, l’histoire, l’histoire de l’art, avant-propos d’Andreas Beyer, préface de Pierre Nora, Françoise Joly, Jeanne Bouniort et Anne Charrière (trad.), Paris, Éditions de la Maison des sciences de l’homme, 2011.

Griener Pascal, « Théorie de l’art et théorie pessimiste de l’histoire : un paradoxe », dans Penser l’art, op.cit., p. 699-712.

Guichard Charlotte, Les Amateurs d’art à Paris au XVIIIe siècle, Seyssel, 2008.

Habermas Jürgen, L’Espace public : archéologie de la publicité comme dimension constitutive de la société bourgeoise, Marc B. de Launay (trad.), Éditions Payot & Rivages, « Critique de la politique », 1997.

Jollet Etienne, « Le citoyen, l’œuvre, le monument », dans La Font de Saint-Yenne, Œuvre critique, op.cit., p. 7-35.

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Kluge Dorit, Kritik als Spiegel der Kunst: die Kunstreflexionen des La Font de Saint-Yenne im Kontext der Entstehung der Kunstkritik im 18. Jahrhundert. Kunst- und kulturwissenschaftliche Forschungen 7. Weimar\ VDG, 2009.

Kluge Dorit, « La Font de Saint-Yenne (1688-1771), un penseur des Lumières », dans Penser l’art, op. cit., p. 205-220.

Lavezzi Élisabeth, « Comment sauver la peinture ? La critique d’art en peinture et ses modèles dans les Réflexions de La Font de Saint-Yenne (1747), Interfaces. Les avant-gardes, 7e année, actes du colloque « Les avant-gardes, discours et images-forces » (Nice, juin 1997), cahier du centre de recherche « Image, Texte, Langage », Université de Bourgogne, Dijon, n° 14, juin 1998, p. 81-95.

Le Moël Michel et Descat Sophie éd., L’urbanisme parisien au siècle des Lumières. Action artistique de la Ville de Paris, 1997.

Manceau Nathalie, « Baillet de Saint-Julien, la théorie d’un peintre pour un spectateur exigeant », dans Penser l’art, op. cit., p. 221-236.

Manceau Nathalie, Guillaume Baillet de Saint-Julien (1726-1795)- Un amateur d’art au XVIIIe siècle, Paris, Champion, 2014.

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Mervaud Christiane, « Un pionnier de la critique d’art du XVIIIe siècle : La Font de Saint-Yenne », Motifs et figures, Centre d’art, esthétique et littérature, préface de M. Pierre Clarac, Paris, Presses universitaires de France, 1974, p. 123-139.

Moulin Fabrice, Embellir bâtir, demeurer : représentations de l’architecture et du geste architectural dans la deuxième moitié du XVIIIe siècle en France (1748-1788), Thèse de doctorat soutenue à Paris IV-Sorbonne, sous la direction de Pierre Frantz (2010) – à paraître aux éditons Classiques Garnier, coll. « L’Europe des Lumières ».

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Pavy-Guilbert Élise, « Salon », Dictionnaire raisonné de la caducité des genres littéraires, Alain Montandon et Saulo Neiva (dir.), Genève, Droz, « Histoire des idées et critique littéraire », 2014, p. 925-939.

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Poulot Dominique, Musée, nation, patrimoine, 1789-1815, Paris, Gallimard, 1997.

Poulot Dominique, « Sur l’espace public de la peinture en France au XVIIIème siècle », Schweizerische Zeitschrift für soziologie/Revue suisse de sociologie, 1989 – 1, p. 165-186.

Pujol Stéphane, Le dialogue d’idées au dix-huitième siècle (1670-1800), Oxford, Voltaire Foundation, Studies on Voltaire and the Eighteenth Century, 2005.

Rabreau Daniel (dir.), Paris, capitale des arts sous Louis XV : peinture, sculpture, architecture, fêtes, iconographie. Centre Ledoux / Wm. Blake & Co./Art & arts, 1997.

Roelens Maurice, « Le dialogue d’idées au XVIIIe siècle », Histoire littéraire de la France, Paris, Éditions sociales, 1976, t. IV, p. 259-289.

Saint Girons Baldine, Esthétique du XVIIIe siècle, le modèle français. Dictionnaire des sources, Paris, 1990.

Scott Katie, The Rococo interior : decoration and social spaces in early eighteenth-century, Paris, New Haven, Yale University Press, 1995.

Venturi Lionello, Histoire de la critique d’art, Juliette Bertrand (trad.), Bruxelles, Éditions de la connaissance, 1938.

Wittman Richard, Architecture, print, culture and the public sphere in eighteenth-century France, N.Y, London, Routledge, 2007.

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Source :  APAHAU

CFP – Nouveaux régimes de la figure. Littérature et arts visuels

Colloque international

Nouveaux régimes de la figure. Littérature et arts visuels

Centre d’excellence dans l’étude de l’image (CESI), Université de Bucarest

11-12 novembre 2016, Bucarest, Roumanie

Date limite: 15 avril 2016

Au croisement de plusieurs champs d’étude, le concept de figure connaît depuis quelques dizaines d’années un renouvellement théorique. De la psychanalyse à l’histoire de l’art et à l’historiographie, des études littéraires aux études visuelles, de l’esthétique aux approches phénoménologiques, on assiste à l’élaboration d’un concept transversal de figure qui pousse les disciplines à sortir de leurs cadres pour étudier le langage et l’image en tant que formes complexes de l’expérience humaine, et non seulement dans leur organisation structurale. La pensée, la sensibilité et les pratiques artistiques contemporaines nous invitent à un examen détaillé des mouvements et des tensions intrinsèques de la figure afin de mieux saisir sa force polémique et son ambivalence constitutives.

Acte de création et objet de pensée à la fois, la figure pose actuellement la question brûlante d’un régime intensif valorisant la composante énergétique, processuelle, relationnelle de la figure dans l’analyse des objets artistiques. On parle d’une identité « double et paradoxale » (Philippe Dubois) de la figure, au sens où elle se donne à entendre à la fois comme force et forme, invention et convention, trace matérielle et image ressemblante. Avec la question du figural (Jean-François Lyotard) et de la figurabilité (Louis Marin), du sens obtus (Roland Barthes) et du symptôme (Georges Didi-Huberman), on nous apprend à entrer dans l’image et dans le texte par ce qui se présente de face mais résiste aux approches traditionnelles qui ont réduit la figure à son régime représentatif et symbolique.

Dans le déferlement des images contemporaines, cette économie nouvelle de la figure annonce une revitalisation du discours interprétatif en littérature et arts visuels, ainsi qu’une reconfiguration de l’histoire (Jacques Rancière). Mais qu’en est-il de ce jeu du « figural » (Laurent Jenny) qui trouve une place si importante dans la réflexion actuelle ? Quelles formes de savoir en découlent, quelle histoire culturelle ou intellectuelle propose-t-elle ?

Notre colloque vise à rassembler des contributions qui s’intéressent aux usages de la figure dans le discours théorique et les pratiques artistiques contemporaines. Les contributions pourront traiter des aspects suivants sans pourtant s’y limiter :

  • puissance figurale, pouvoir figuratif
  • la défiguration : techniques et pratiques de la création contemporaine
  • médialité, intermédialité, transmedialité : le jeu du figural
  • figures de l’espace, figures dans l’espace, espaces figuraux
  • configurations : plasticité et dynamique de l’image
  • figures en mouvement, mouvement des figures
  • esthétiques/politiques du figural

Comité scientifique :

Prof. Sorin Alexandrescu, Université de Bucarest

Prof. Barbara Baert, Université Catholique de Louvain

Prof. Éric Marty, Université Paris Diderot – Paris 7

Prof. Bertrand Rougé, Université de Pau et des Pays de l’Adour

Assist. Prof. Sjoerd van Tuinen, Université  Érasme de Rotterdam

Prof. Bart Verschaffel, Université de Gand

Prof. Alessandra Violi, Université de Bergame

Comité d’organisation :

Laura Marin, Anca Băicoianu, Vlad Ionescu, Andrei Lazăr, Alexandra Irimia, Alina Vlad (membres du projet de recherche „Figura – corps, art, espace, langage”, Université de Bucarest)

Nous vous prions d’envoyer vos propositions de communication d’ici le 15 avril 2016 à l’adresse figura.cesi.2016@gmail.com à l’attention de Laura Marin pour le comité d’organisation. Les propositions peuvent nous parvenir en anglais ou en français et doivent contenir: le titre et le résumé de la communication (max. 1500 signes, espaces compris), accompagnés d’une notice bio-bibliographique de l’auteur (max. 350 signes, espace compris).

La publication des actes du colloque est envisageable dans la collection „Texte et Image” du Centre d’excellence dans l’étude de l’image (CESI) aux Presses de l’Université de Bucarest.

Source : Calenda

Colloque – 25-26/02/2016 – François Ier et les artistes du Nord (1515-1547)

François Ier et les artistes du Nord (1515-1547)

Date : 25 et 26 février 2016

Lieu : Bruxelles, Institut Royal du Patrimoine Artistique

Un colloque international du groupe de contact F.R.S.-FNRS « Modèles, échanges et réalisations artistiques (XVe-XVIe s.) », co-organisé par l’IRPA et Transitions et parrainé par le Comité international d’Histoire de l’Art (CIHA)

Organisation et contacts : Laure Fagnart (F.R.S-FNRS/ULg) et Isabelle Lecocq (IRPA)

Portrait

CFP – Les artisans italiens en France aux XVIIIe et XIXe siècles : barbouilleurs, stucateurs, mosaïstes et autres métiers d’art

Les artisans italiens en France aux XVIIIe et XIXe siècles : barbouilleurs, stucateurs, mosaïstes et autres métiers d’art

Lieu : Toulouse
Date limite de réponse à l’appel : 31 mai 2016

Argumentaire

Cette journée d’études inaugurera les recherches actuellement menées au sein du projet « Banditi » (porté par le LABEX SMS et le Framespa), lesquelles cherchent à comprendre, dans un contexte de migration, quelles dynamiques sociales ont été mises en œuvre en milieu rural pour accueillir les populations d’artisans italiens. La chronologie envisagée englobe le XVIIIe siècle (la présence italienne ayant été jusqu’à présent peu documentée par la bibliographie alors que les marbriers, stucateurs et peintres, etc. sont très actifs en France méridionale) et la première moitié du XIXe siècle, marquée par l’arrivée de nombreux artistes, notamment les peintres ayant laissé dans leur sillage d’innombrables décors au sein des églises rurales de Languedoc et de Gascogne (œuvres monumentales et peintures de chevalet). Désignés comme « barbouilleurs », leur travail, systématiquement décrié, n’a pas fait l’objet d’une étude en France, si ce n’est à l’échelle locale.  Il s’agit bien de mettre en lumière la période qui a précédé l’immigration de masse, l’industrialisation progressive des techniques et des savoir-faire et la transformation des métiers.

Cette manifestation a pour objectif d’élargir l’examen des métiers artistiques exercés par les Italiens dans les différentes régions françaises, tout en considérant leur intégration en milieu urbain : en effet, si les « barbouilleurs » sont signalés dans les campagnes d’Auvergne, d’Aquitaine ou de la Loire et les  menuisiers ébénistes dans les vallées savoyardes, les ouvriers des villes sont à ce jour les plus documentés. Les marbriers et les sculpteurs font commerce de matériaux et d’objets entre les villes de Gênes, de Toulouse et de Bordeaux, les mosaïstes sont sollicités sur les grands chantiers urbains, les ornemanistes sont actifs à Lyon (J.-L. de Ochandiano), sans oublier les colporteurs et les figuristes qui vendent leurs objets sur les marchés. A Paris même, la diaspora des peintres Italiens peine à trouver sa place au sein des milieux académiques (M. Lagrange). Il s’agit donc, avant toute chose, d’établir un premier état des lieux sur l’activité de ces hommes et leurs métiers, dans les villes mais surtout dans les campagnes où ils ne sont quasiment pas répertoriés.

Nous souhaiterions conjointement focaliser l’attention des contributeurs sur deux approches conceptuelles particulièrement fécondes au sein de la recherche actuelle : la notion de « réseau » – issue des réflexions des sciences sociales, qui est au cœur du projet Banditi, et celle de « transfert culturel ». En effet, l’analyse des parcours individuels permet d’identifier les réseaux migratoires, familiaux et économiques constitués sur le chemin du « voyage en France », comme les partenaires français (pouvoirs laïcs – place de la franc-maçonnerie, par exemple – ou religieux  – rôle des prêtres et des confréries, etc.) qui ont constitué localement des communautés d’accueil et préparé un environnement matériel favorable, appuyé par une économie artistique dynamique. L’inscription dans le temps long de ce  « tissu historique » donne l’opportunité de situer les phases « d’enclenchement » et les leviers qui ont animé ces circuits dès le XVIIIe siècle. Par ailleurs, l’examen des corpus d’objets conservés (très divers) rend compte de l’hétérogénéité des sources artistiques et des références culturelles sollicitées par ces exécutants.  Les « transferts » de l’Italie, nettement visibles dans la peinture, sont indissociables du fonctionnement en réseaux : ainsi la circulation des modèles répond à des logiques de déplacements individuels et collectifs, ou de contacts, même si ces transferts doivent être dissociés clairement des emprunts au vieux fonds culturel artistique « français » qui constituait encore une source d’inspiration féconde sur le territoire au XIXe siècle.

Modalités de soumission

Les propositions de communications, sous la forme d’un résumé (1 page maximum), sont à remettre avant le 31 mai 2016 aux adresses suivantes : sduhem@wanadoo.fr ; julien.paschetta@hotmail.fr.

Source : Calenda

Séminaire – Marie Glon – Réinventer un métier : les maîtres de danse et la « Chorégraphie ou l’art de décrire la danse » (Europe, XVIIIe siècle)

Séminaire d’histoire sociale des spectacles 2015-2016

Organisé par Marie Bouhaïk-Gironès (Centre Roland Mousnier, CNRS/Paris-Sorbonne), Olivier Spina (LARHRA, Lyon 2) et Mélanie Traversier (IRHiS, Lille 3/IUF)

Réinventer un métier : les maîtres de danse et la « Chorégraphie ou l’art de décrire la danse » (Europe, XVIIIe siècle)

Oratrice : Marie Glon (Lille 3)

Le séminaire donné pour but d’interroger à nouveaux frais les processus d’élaboration des spectacles (commandes, décisions et actions, travaux d’écriture et de remaniement, mises en jeu, mises en texte, diffusion, circulation, conservation) à la fin du Moyen Âge et à l’époque moderne. L’histoire des spectacles ne doit donc plus se limiter à l’étude de la composition littéraire des textes, à l’écriture de la partition ou à la composition d’un ballet. Les quelques heures que dure l’évènement ne sont que la partie émergée d’un long processus de création et d’organisation en amont et d’un processus de diffusion et de mémorialisation (oral ou écrite) en aval. Une grande partie de la performativité et de la raison d’être du spectacle se trouve, ainsi, hors de lui-même, dans le processus institutionnel, social, économique, culturel et politique qui rend possible son organisation et son déroulement. Nous nous proposons donc d’étudier les pratiques spectaculaires d’une façon interdisciplinaire en portant une attention nouvelle aux archives qui permettent de mieux saisir le phénomène par nature éphémère qu’est un spectacle. Il s’agit également de s’affranchir de la coupure, académique mais largement artificielle, entre le Moyen Age et l’époque moderne afin de mieux dégager les problèmes et les questionnements diachroniques. Enfin, nous espérons dépasser les cadres nationaux de l’histoire du théâtre et leurs historiographies très caractérisées en faisant dialoguer historiens spécialistes de la France, de l’Italie, de l’Angleterre et d’autres espaces européens.

Informations pratiques
Vendredi 5 février 2016
De 10h à 12h
Maison de la Recherche, Paris-Sorbonne
28 rue Serpente, 75 006 Paris, M° Odéon, salle D117

CFP – Sixth Annual RefoRC Conference 2016 Copenhagen

Sixth Annual RefoRC Conference 2016 Copenhagen

The Sixth Annual RefoRC Conference 2016 will be held May 26-28, 2016 and will hosted by the University of Copenhagen, Faculty of Theology.

Theme of Plenary Papers

The theme of the plenary papers is: ‘Church’ at the time of the Reformation – Invisible community, visible parish, confession, building…?

The Reformation was launched not the least due to discussions of the church. Whereas Erasmus tried to argue for an irenic pneumatological concept of church within the papal institution, Luther’s criticism of the papacy gave rise to his thinking about the church as a creation of the word, creatura verbi. With roots in Augustine, Zwingli pondered the relation between visible and invisible church, whereas Calvin focused upon the church-institution as the mother of all saints, piorum omnium mater. The concept of church eminently mirrored the theological diversities in the age of Reformation, and it lay under the establishment of the many different 16th century church institutions.

The conference aims at a clarification and a discussion of the different concepts of church in the 16th century: What did the reformers think about the essence and origin of the holy, apostolic and Catholic church? What was seen as its aim, its purpose? Can human beings see the true church or not? Does it have one existence in this world and another in the world to come? The concept of church is indissolubly connected to the theological concepts of sin, faith, justification, sanctification, and salvation, and the study of it also involves reflections such as those of the nature and scope of the sacraments, the role of the clergy, the aim of the church-buildings, the significance of the inventory and the reflections upon the constituent parts of the mass/church service.

Finally and not least it is important to investigate the role of the church in the societies of the 16th century, such as the impact of the ruling power upon them, their significance for education and social cohesion, and the cultural significance of migrating believers, on the run within and beyond the borders of Europe. Together with theological, philosophical and art historical questions, these issues need to be considered in order to create a full picture of the concept of church at the time of the Reformation.

Short Papers and General Attendance

The conference is open to individual short paper presentations (20 minute presentations, 10 minute discussions) and to thematic sessions of two or three short papers. It is also possible to attend the conference without presenting a paper. While we encourage papers on the conference theme, papers can focus on all disciplines related to the 16th century reformations, such as arts, philosophy, law, history, theology etc., independent of the theme of the plenary papers.

Short Paper Submission and Registration

Short paper proposals and registrations can be submitted via the registration form. Short paper proposals are welcome before February 15, 2016.

NEW: Marketplace for Poster Presentations

The annual RefoRC conference now also offers the opportunity of a poster presentation at a marketplace. The marketplace allows scholars to present their projects or research in an informal and interactive way. Presenting a poster is also a good way to discuss and to receive direct feedback on a work in progress that has not yet been fully developed into a paper. Poster presentations can focus on all disciplines related to the 16th century reformations, such as art, philosophy, law, history, theology etc., independent of the theme of the plenary papers.

Each poster should have no more than two presenters.

Submission: you can submit your proposal for a poster presentation through the registration form.

Deadline: Poster proposals are welcome before: April 1, 2016.

Procedure: shortly after submitting your poster proposal you will be informed by the organizers on the acceptance or non-acceptance of the text. In case your text has been accepted, you will be asked to send in the digital version of your visuals, which need approval of the organization too.

Language

The language of  the conference is English, but papers in French and German will be welcomed. Presenters who prefer to give their paper in French or German are invited to provide the audience with an English summary of about 150-200 words.

Conference Volume

The conference volume will be published by Vandenhoeck & Ruprecht in the series Refo500 Academic Studies (R5AS) and will contain all the plenary papers and a selection of short papers. Another publication venue is the Journal of Early Modern Christianity (JEMC).

Manuscripts for the conference volume can be submitted to Anna Vind. All other manuscripts can be submitted to Tarald Rasmussen. Editors will decide on publication.

Click here to download the R5AS stylesheet.

Registration

You can register online. Your registration will become effective on receipt of your payment. Registration closes: May 19, 2016.

Registration Fee

Refo500 partner € 85.00
Non-Refo500 partner € 140.00
Student, Refo500 partner € 70.00
Student, non-Refo500 partner € 105.00

Registration Fee Includes

  • Subscription to the JEMC of 2016 (two issues)
  • Coffee Breaks
  • Reception

Deadlines

February 15, 2016: short paper submissions
April 1, 2016: poster presentation submissions
May 19, 2016: registration without presenting a paper or poster

Contact for More General Information and Information on Short Paper or Poster Submissions

Anna Vind
Department of Church History
Koebmagergade 44-46,
DK-1150 Copenhagen
E-mail

Contact for More information on Registration and Payment

Karla Apperloo-Boersma, project leader of Refo500
E-Mail

Source : ReforRC

CFP – 15/05/2016 – Reliques, reliquaires et culte des saints dans la France du Sud-Ouest

RÉSUMÉ

La célébration du 850e anniversaire de la découverte du corps entier et inaltéré de saint Amadour en 1166 à Rocamadour, offre aux chercheurs l’occasion de se réunir pour reconsidérer la légende hagiographique de saint Amadour, son histoire depuis le Moyen Âge jusqu’à nos jours et, au-delà, d’organiser une rencontre entre historiens, archéologues et historiens de l’art, consacrée plus largement au culte des reliques, aux sanctuaires et aux reliquaires qui les abritent ainsi qu’aux modes de diffusion des textes hagiographiques dans la France du Sud-Ouest.

ANNONCE

Argumentaire

La célébration du 850e anniversaire de la découverte du corps entier et inaltéré de saint Amadour en 1166 à Rocamadour, offre aux chercheurs l’occasion de se réunir pour reconsidérer la légende hagiographique de saint Amadour, son histoire depuis le Moyen Âge jusqu’à nos jours et, au-delà, d’organiser une rencontre entre historiens, archéologues et historiens de l’art, consacrée plus largement au culte des reliques, aux sanctuaires et aux reliquaires qui les abritent ainsi qu’aux modes de diffusion des textes hagiographiques dans la France du Sud-Ouest.

Dans la lignée du colloque de Rocamadour consacré aux Vierges Noires en octobre 2013, nous souhaiterions envisager plusieurs thèmes selon une approche pluridisciplinaire, s’appuyant sur l’exemple spécifique de saint Amadour pour se diriger vers une réflexion plus générale sur le culte des saints et des reliques dans la France médiévale du Sud-Ouest, qui s’organiserait autour de plusieurs thématiques :

La première consisterait en une approche de la matérialité des reliques : corps entier, corps divisé, invention, translation, divisions et profanation.

La deuxième se consacrerait aux espaces dédiés aux reliques, au travers de leur place au sein des sanctuaires ainsi que des réceptacles qui les abritent de la tombe au reliquaire, et bien entendu des évolutions de ces lieux en regard des cultes qui leur sont rendus.

La dernière chercherait à replacer le culte de saint Amadour au sein d’une hagiographie de la France méridionale, notamment en rapport avec les autres saints aquitains et au-delà de son expansion en Italie et en péninsule ibérique. Il conviendrait aussi d’interroger les supports textuels et iconographique de la diffusion du culte des saints locaux de la France méridionale au travers de l’écriture hagiographique, Vies, Légendes, Actes, Miracles, enluminures, peintures, sculptures, etc

Modalités pratiques d’envoi des propositions

Les propositions de contribution (maximum 2500 signes ou une page) sont à adresser

avant le 15 mai 2016

à l’adresse mail suivante : sophie.brouquet@gmail.com

Comité scientifique

  • Sophie Brouquet, professeure d’histoire médiévale Université Toulouse Jean Jaurès,
  • Michelle Fournié, professeure émérite d’histoire médiévale Université Toulouse Jean Jaurès

Source : Calenda

CFP – 31/01/2016 – The Saint Andrews Book Conference. Conflict and Controversy

This conference will explore the relationship between conflict and print in the early modern world. Within the spectrum of contemporary media, what role did print play in promoting or challenging controversial ideas? What tactics or subterfuges did authors or printers employ? How, and with what success, did the civic and ecclesiastical authorities attempt to control or limit areas of debate?

This conference will also mark the launch of the next phase of the USTC, with an extension of its coverage to 1650. This brings into purview a dynamic age of printing which is far less studied bibliographically than that of previous generations.This was an era that witnessed the Thirty Years War – a hugely disruptive conflict in one of the principal zones of European printing. Tumultuous conflict also enveloped France and England, while the Low Countries, in contrast, witnessed the emergence of a new great power and book emporium in the seventeenth-century Dutch Republic. This was also the era that witnessed the birth of the newspapers and the substitution of the woodcut for engraving as the dominant form of book illustration

The organisers welcome submissions on any aspect of conflict or controversies, religious, political, economic, or scientific; we will also consider conflicts within the book industry stimulated by the extraordinary challenges posed by unfolding events. The papers given at this conference will form the basis of an edited volume in Brill’s Library of the Written Word.

Co-organised by Graeme Kemp and Sandy Wilkinson, the conference will take place between 16 and 18 June 2016. Those interested in giving a paper are asked to offer a title and a brief synopsis (300 words) of their proposed contribution. Proposals should be sent to Graeme Kemp (gk6@st-andrews.ac.uk) by 31 January 2016.

The papers given at this conference will form the basis of a volume in the Library of the Written Word.

Source : USTC

CFP – 04/12/2016 – Représentations de l’ordinaire dans les périodes médiévale et moderne

The 16th Annual North Carolina Colloquium in Medieval and Early Modern Studiesinvites graduate students to submit proposals for twenty-minute paper presentations that investigate representations of everyday life––mimetic, descriptive, or prescriptive––from late antiquity through early modernity. How are the particularities of ordinary experience shown, shaped, distorted, or elided in poetry, prose, visual art, architecture, music, drama, and other forms of creative endeavor? For that matter, what constitutes the concept of the ordinary, and how does the history of this concept interweave with the development of realism, alongside other modes of representation?

In short, we shall explore what is at stake in representing the ordinary. For whether the representation works toward a form of distinction or a claim to community, it cannot be neutral. We encourage participants to explore an array of topics within this region of inquiry. (See list below. Note that it does not purport to be comprehensive. All pertinent concerns are welcome.)

The NC Colloquium in Medieval and Early Modern Studies is a cooperative venture between UNC-Chapel Hill’s and Duke University’s programs in Medieval and Renaissance Studies. We seek contributions from a broad range of humanistic and social-scientific disciplines––including, but not limited to History, Philosophy, Theology, Literary Studies, Linguistics, Cultural Studies, Political Theory, Sociology, Anthropology, Art History, Gender Studies, Sexuality Studies, and Food Studies.

Interested graduate students should submit 250-word abstracts to representingtheordinary@gmail.com no later than Monday,January 4, 2016 . The body of the email should include the presenter’s name, institutional affiliation, and contact information, but the abstract itself should be attached as a PDF or MS Word Document. Decisions will be announced by Monday, January 18, 2016.

Possible Subjects :

Temporalities of the everyday, the diurnal
The ordinary in its tragic/comic aspects; mystery plays
Liturgical practice, parishional variety, guilds
Agency, habit, praxis
Commerce and the quotidian, homo economicus
Play, the aleatory, homo ludens
Jokes and insults
Song and dance
Visions of language––ordinary and ideal, private and universal
The body, gesture, physiognomy, materialities of communication
Pedagogy and learning
Rise of the vernacular, semantic shift, lexicography
Reading practices, history of reading, marginalia
Gender, sexuality, and desire
Manuals and guides for agrarian, domestic, or courtly life
Households, lords and servants; the oikos and the polis
The ordinary and modernity; everyday life, pre/postmodern
The place of death and grief in life
Representations of reality in writing
Realism in painting and sculpture
Realism and nominalism; the generic and the particular
Common spaces, urban and rural
The built environment, orientation
Imposed structures, functional objects
Mechanization and machinery
Print, mass production and dissemination

Source : North Carolina Colloquium in Medieval and Early Medieval Studies

CFP – 31/12/2015 – Gender, Power and Materiality in Early Modern Europe, 1500-1800

Three-day conference on ‘Gender, Power and Materiality in Early Modern Europe, 1500-1800’

Plymouth University, 7-9 April 2016

Speakers include:

Tara Hamling (University of Birmingham)

Joanna Norman (Victoria and Albert Museum)

Merry Wiesner-Hanks (University of Wisconsin, Milwaukee)

This three-day conference on the theme of ‘Gender, Power and Materiality in Early Modern Europe, 1500-1800’ is part of a two-year AHRC-funded international research network run by Professor James Daybell (Plymouth University), Professor Svante Norrhem (Lund University), Dr Nadine Akkerman (Leiden University) and Professors Susan Broomhall and Jacqueline Van Gent (University of Western Australia). We are looking for papers that explore the relationships between gender, power and ‘materiality’ – a term that is broader than ‘material culture’, in that it opens up spatial sites and material texts – defined both in terms of objects or the physical features of texts and the social and cultural practices, and spaces in which they were produced, consumed, exchanged and displayed. Papers should focus on different forms of power (political, social, economic and cultural) across the early modern period in Europe, and encompasses formal and informal power. In viewing power and materiality through the lens of gender, the organisers encourage transdisciplinary approaches and aim to bring into dialogue historians, art and architectural historians, literary critics, material culture specialists, anthropologists, archaeologists, curators, archivists and conservators.

In recent years, scholars across Europe from a range of disciplines have sought to understand the gendered structures of politics in sixteenth-, seventeenth- and eighteenth-century Europe. Much has been done to reconstruct men’s and women’s roles, to rethink categories and definitions of what constituted ‘power’, ‘politics’ and ‘agency’ throughout this period, integrating the personal and informal, with the public and formal, and analysing gender as a dynamic at the state, family, and wider society level. Parallel to this work, the last decade or so has witnessed the ‘material turn’ in history, borrowing approaches from the vast fields of material culture, anthropology and archaeology which lend a sophisticated theoretical and methodological understanding of the ways in which objects worked. Scholars have studied the relationship between power and materiality and materiality and gender, but less well studied is the degree to which power and materiality were gendered in the early modern period. Among early modern historians, material studies have looked at gendered patterns of production, consumption and taste or households and related objects as sites of material meaning and display. For literary critics, work on materiality and gender has tended to focus on the body, although there is an increasing amount of work on the materiality of women’s texts broadly defined to encompass ‘literary’ and ‘non-literary’ texts, canonical and non-traditional forms, the latter encompassing for example embroidery and needlework. For women’s studies, this turning away from author to the object leads to a range of interesting questions that remain unanswered about material objects as expressions of gendered power (and gendered lack of power), which are produced, consumed, owned, collected and archived. Finally, interdisciplinary work on gifts and gift-giving has studied the exchange of material objects and texts as a way of understanding social and political relationships, but scholars have far to go to uncover the gendered dynamics of gift-exchange.

Influenced by the ‘material turn’, the network considers objects as social agents, analysing the gendered power structures (and non-power) embedded within physical artefacts and the social practices of production, consumption and exchange, especially in relation to early modern practices and modern theories of gift-giving. It questions how far materiality made gender positions stable and unstable; and studies objects to reconstruct new networks and gendered forms of power created around object exchange and production. Secondly, it considers archives as a form of gendered power, and spaces (e.g. noble households, courts, libraries and churches) in which material objects were located, and their connection with the politics of memory, gift-giving and display. Potential topics might include (but are by no means limited to):

· methodologies and meanings of gender, power and materiality in early modern Europe,

· objects and theorizing gendered power

· gender and the politics of early modern archives and architectural spaces

· diplomacy and the politics of gift-exchange

· (female) patrons (of artists, designers and workshops), consumers (shoppers and commissioners) and gift-givers

· gendered furniture

· writing technologies and the materials of secrecy and power

· gendered activities, behaviours, rituals and fashions

· gender and disguise

· presentation and display

· collecting and connoisseurship

· questions of materiality in relation to curating, preservation and archiving

The conference will employ a range of formats, including two keynote lectures,postgraduate/early career/next generation training seminars and practitioner-led workshops, round-table discussions, and panel sessions. Papers from postgraduate and early career scholars are welcome and reduced conference rates are available. Please send abstracts of papers to Professor James Daybell (james.daybell@plymouth.ac.uk) or to Professor Svante Norrhem (svante.norrhem@hist.lu.se) by 31 December 2015.

Source : IRH

CFP – Contre les Médicis : Art et dissidence dans l’Italie de la Renaissance

Contre les Médicis : Art et dissidence dans l’Italie de la Renaissance

Lieu : Florence
Dates : 26-27 mai 2016
Date limite de réponse à l’appel : 1er janvier 2016

Pontormo , Cosimo il Vecchio, 1520 Huile sur toile 86 x 65 cm Florence, Musée des OfficesAs patrons of art, the Medici left a legacy that is unrivalled. Their well-known narrative lies at the center of Renaissance scholarship. The Medici patronized painters and sculptors, founded academies, preserved and curated their collections, and used both artists and artworks as political tools to convey their agendas and augment their prestige amongst the courts of Italy and Europe. Yet, just as Medici identity was expressed in terms of this cultural patrimony, so too were the attacks of their enemies. A rich corpus of anti-Medicean works of art remains underappreciated and understudied: works of art that communicated messages of opposition, hostility and even hate that struck at the very heart of the political identity of the Medici dynasty.

Recognizing the role that art, artists, and artistic patronage played in opposing the Medici (roughly from Cosimo the Elder to the end of the sixteenth century), this two-day event, sponsored by the Medici Archive Project and the Archivio di Stato in Florence, will address this lacuna. The organizers of the conference, Alessio Assonitis and Stefano Dall’Aglio, invite proposals for 25-minute papers that pertain to subjects including, but not limited to:

· Anti-Medici Patronage in the Quattrocento
· Savonarola and the Piagnoni: aesthetics, patronage and artistic production
· Michelangelo: between pro-Medici and anti-Medici
· Anti-Medici art and patronage in Rome
· Art and architecture in the time of the Republic(s)
· Dissent and absolutism under the Medici Dukes
· Anti-Medicean sentiment in academies, workshops, and confraternities
· Graffiti and vandalism
· Florentine patronage in exile
· Duplicity and dissimulation
· Censorship and Damnatio Memoriae

The keynote speaker will be Paolo Simoncelli (Sapienza – Università di Roma). Scholars interested in participating should send an abstract in English or Italian (no more than 200 words) and a one page CV to conference@medici.org by 1 January 2016.
The papers can be presented in English or Italian. Selected participants will receive partial funding for travel and accommodation.
Against the Medici: Art and Dissent in Renaissance Italy / Contro i Medici : arte e dissenso nell’Italia del Rinascimento,  Florence, Archivio di Stato, 26-27 May 2016.

CFP – Image(rie)s religieuses à l’ère industrielle en Europe (XVIIIe-XIXe siècle)

Image(rie)s religieuses à l’ère industrielle en Europe (XVIIIe-XIXe siècle)

Dates : 20-21 avril 2016
Lieu : Université de Haute-Alsace, Campus Fonderie, Mulhouse
Date limite de réponse à l’appel : 15 décembre 2015 

1Les temps modernes, avec les développements techniques de la gravure et la multiplication des supports imprimés, décuplent la présence des images religieuses en Occident. Qu’elles accompagnent la diffusion des textes ou se retrouvent, isolées, dans les effets des particuliers, qu’elles soient le support de dévotions ou de simples illustrations ou décorations et bien que leur statut diverge suivant la religion professée, les images font partie de l’environnement religieux des croyants. Images du Christ ou de la Vierge, des saints ou des principaux personnages bibliques, elles se retrouvent également au sein de religions qui donnent, à les appréhender trop rapidement, l’impression de les rejeter. Le protestantisme ou le judaïsme, même si le texte biblique est déterminant dans la liturgie, ne négligent pas les images religieuses ; elles ne sont pas vénérées mais peuvent jouer un rôle pédagogique important pour le fidèle (souvenirs de communion, portrait de pasteurs, Mizra’h ou mappot…).

Aux XVIIIe et XIXe siècles, l’essor industriel favorise leur production à grande échelle avec une circulation accrue qui entraîne la création de modèles et de représentations culturelles. L’imagerie religieuse se répand, les centres de productions se spécialisent et exportent dans toute l’Europe et au-delà, comme certaines entreprises alsaciennes qui ont produit en arabe des images à destination du marché musulman vers la fin du XIXsiècle. Les productions industrielles représentant des images religieuses participent alors à la diffusion de certains modèles et suscitent un véritable engouement. Ainsi, les estampes de tableaux, apparues à la Renaissance, restent largement diffusées, mais de nouveaux supports plus populaires s’emparent de l’iconographie religieuse telles les imageries diffusées par les colporteurs et les arts industriels (toiles imprimées, faïences, papiers peints).

Cet intérêt pour l’imagerie religieuse et la vulgarisation, pourrait-on dire, qu’elle connaît dans la société européenne des XVIIIe et XIXe siècles posent de nombreuses questions. La première concerne la circulation des modèles diffusés : quelles voies sont utilisées et suivant quels réseaux ? Quel public vise-t-on et suivant quelles modalités de diffusion ? Cette première question croise celle de la représentation des modèles véhiculés par la fabrication et le commerce d’images religieuses. Cette interrogation paraît particulièrement déterminante en France, où ces dernières sont d’abord le reflet d’un catholicisme d’État jusqu’à la Révolution française. Le Concordat place le catholicisme comme religion de la majorité des Français mais, en reconnaissant certaines minorités religieuses (protestantisme, judaïsme), il permet également l’expression et la diffusion d’une imagerie des religions jusqu’alors difficilement acceptées. Ce pluralisme modifie-t-il le rapport aux images religieuses présentes dans les différentes confessions, les supports sont-ils les mêmes que dans la religion dominante ou répondent-ils à des spécificités confessionnelles?

En posant la question des images et des imageries religieuses à l’ère industrielle, ce colloque entend s’interroger sur les conséquences d’une production à grande échelle sur les choix iconographiques, culturels et artistiques au sein des monothéismes en Europe.

Les propositions de communication (titre et résumé d’une dizaine de lignes) sont à renvoyer avant le 15 décembre 2015 à colloque2016.cresat@uha.fr

Comité scientifique :

– Patrick Cabanel, Directeur d’études, EHPE.

– Pierre-Yves Kirschleger, MCF en histoire contemporaine, université Paul-Valéry Montpellier III.

– Jean-François LUNEAU, MCF histoire de l’art-HDR, Centre d’histoire Espaces et Cultures, Maisons de Sciences de l’homme, université Clermont-Ferrand.

– Evelyne Oliel-Grausz, MCF en histoire moderne, université Paris 1 Panthéon-Sorbonne.

– Isabelle Saint-Martin, Directrice d’études, EPHE.

– Nicolas Stoskopf, Professeur en histoire contemporaine, université de Haute-Alsace

Comité d’organisation :

– Céline Borello, MCF histoire moderne-HDR, université de Haute-Alsace.

– Aziza Gril-Mariotte, MCF histoire de l’art, université de Haute-Alsace.

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