Archives de catégorie : Appels à contributions

Dans cette sections sont repris tous les appels à contributions partagés par Modernum concernant des colloques, conférences, etc.

Appel à communications – Le palais des princes-évêques de Liège au XVIe siècle. Pouvoir, culture et architecture, à la Renaissance

Date : 10 et 11 mars 2027

Lieu : Palais des princes-évêques, Pl. Saint-Lambert 18a, 4000 Liège

Échéance : 01/09/2026

Les Unités de recherche AAP et Transitions, les Archives Générales du Royaume et le Trésor de Liège lancent un appel à contributions dans le cadre du colloque international relatif à l’histoire du palais des princes-évêques de Liège. Cet évènement scientifique se tiendra dans la Cité Ardente les 10 et 11 mars 2027.

Présentation

Le palais des princes-évêques de Liège constitue l’un des témoins majeurs de l’influence politique, sociale, artistique et culturelle exercée par la principauté épiscopale au cours du Moyen Âge et de l’Époque moderne. Cette influence perdure encore au XIXe siècle, comme l’illustrent les nombreuses campagnes de restauration dont l’édifice fit l’objet, poursuivies de manière soutenue jusqu’aux années 1970.

Lieu d’exercice du pouvoir souverain depuis plus de douze siècles, cet ensemble architectural a successivement abrité la résidence des princes-évêques ainsi que les principales institutions administratives et judiciaires de la principauté. Devenu palais national en 1794, puis palais de justice, il accueille depuis l’indépendance de la Belgique les services du Gouvernement provincial.

La centralité qu’il occupe dans la topographie urbaine comme dans l’histoire institutionnelle liégeoise constitue un observatoire privilégié pour comprendre les mutations politiques, sociales et culturelles de l’époque moderne. Monument emblématique autant que lieu de pouvoir, il offre en effet une lecture unique de l’évolution de la principauté à travers ses fonctions successives, ses restaurations et la stratification de ses formes architecturales.

Argumentaire

Véritable palimpseste architectural, l’édifice qui nous est ainsi parvenu combine différentes époques de construction aux styles architecturaux bien distincts. Époque faste pour la principauté épiscopale de Liège, le XVIe siècle apparait comme une période charnière dans le développement du site. Érard de la Marck (1472-1538) y tient un rôle majeur. Son règne marqua d’une empreinte indélébile l’histoire institutionnelle liégeoise, tout comme son mécénat qui illustre à merveille l’effervescence intellectuelle et culturelle qui anime les cours européennes à la Renaissance. Mais, si sa figure d’homme d’État et d’homme de culture s’avère relativement bien cernée, son intervention précise sur le palais reste mal étudiée, ce que l’examen critique des archives entend précisément éclairer.

Selon l’historiographie traditionnelle, l’édifice aurait été agrandi et modernisé, sous son règne, dans un style gothique tardif rehaussé d’influence Renaissance à partir d’un complexe jugé en ruine des suites d’un incendie dévastateur. La mise en place des deux cours, des galeries et de leurs colonnes constituerait dans ce cas le témoignage le plus manifeste de son intervention généralement considérée comme le fruit d’une seule campagne menée entre 1526 et 1534. Peu d’auteurs font état de la complexité du programme architectural élaboré à la demande du prélat, ni d’ailleurs de ses possibles évolutions au cours de son règne, et encore moins des éventuels travaux organisés par les princes-évêques qui lui succédèrent pendant le XVIe siècle. L’analyse systématique des archives comptables, administratives et narratives permet toutefois de nuancer cette vision linéaire et d’en restituer la dynamique réelle.

Malgré l’importance reconnue de son action, la recherche souffre encore d’un manque d’études approfondies sur la planification, la chronologie et les ambitions exactes du programme de construction commandé par Érard de La Marck. Les travaux récents menés par l’Université de Liège soulignent d’ailleurs l’existence de nombreuses zones d’ombre, tant dans les sources écrites que dans l’analyse matérielle du bâti, notamment en ce qui concerne les transformations ultérieures du XVIe siècle opérées par ses successeurs. Dans ce contexte, le dépouillement, la confrontation et la relecture critique des archives constituent un levier central du projet, en dialogue étroit avec les données archéologiques et les approches matérielles – conduites dans le cadre de projets universitaires, afin de réévaluer ces chantiers, leurs rythmes, leurs acteurs et leurs finalités.

Axes envisagés

Ce colloque propose d’étudier le palais épiscopal au XVIe siècle sous trois angles complémentaires–politique, culturel et architectural – et dans une approche résolument interdisciplinaire afin de renouveler en profondeur notre compréhension de cet édifice majeur de la Renaissance.

1. Contexte historique et politique

Il s’agira d’analyser la place de la principauté épiscopale de Liège dans le « concert des nations » européennes. La position stratégique de Liège au sein du Saint-Empire, mais aussi sa situation aux confins des Pays-Bas bourguignons puis espagnols, de la France et des principautés italiennes, en fait un acteur diplomatique et économique essentiel. Cette mise en perspective permettra de comprendre comment les relations internationales ont influencé la politique princière, le mécénat, et plus particulièrement la reconstruction du palais après 1526.

2. Contexte culturel, artistique et intellectuel

D’Érard de la Marck à Ernest de Bavière, tous les princes-évêques qui occupèrent le palais au XVIe siècle y inscrivirent, à des degrés divers, l’empreinte de leur pouvoir et de leur vision politique. Parmi eux, Érard de la Marck se distingue par l’ampleur et l’audace de son action : en reconfigurant profondément l’édifice et en le dotant de galeries au style et au décor d’une remarquable singularité, il fit de l’édifice bien plus qu’une résidence – un véritable manifeste architectural et politique. Quel sens donner à ses choix ? De quelles sources d’inspiration procèdent-ils et quelles ambitions traduisent-ils ? Si ces questions ont déjà nourri d’abondants débats, un autre angle mérite d’être exploré : celui de la réception et de l’appropriation des lieux par les successeurs d’Érard au cours du XVIe siècle. Comment ont-ils investi cet héritage ? Se sont-ils inscrits dans sa continuité ou ont-ils cherché, à leur tour, à imprimer leur marque dans l’aménagement du palais ? À travers ces interrogations se dessine un enjeu plus large : l’effervescence artistique et culturelle qui anima Liège au XVIe siècle – portée par des figures majeures comme Lambert Lombard et Dominique Lampson – trouva-t-elle des échos au palais ? L’édifice fut-il un des foyers de ce renouveau intellectuel et esthétique, ou demeura-t-il en marge de cette dynamique ? En d’autres termes, le palais fut-il le miroir, le vecteur ou l’un des moteurs de cette vitalité culturelle ?

3. Contexte architectural et matériel : chantiers, matériaux et techniques

La troisième thématique portera sur l’histoire du chantier et les pratiques constructives du XVIe siècle. Cela inclut : l’organisation des chantiers (planning, financement, logistique) ; les acteurs impliqués (commanditaires, artisans, ateliers, instances de contrôle) ; l’approvisionnement en matériaux, facilité par les réseaux hydrographiques et commerciaux liégeois (pierre locale, importations régionales ou internationales) ; les techniques et savoir-faire observables dans les éléments sculptés et les structures. Les approches méthodologiques récentes, qu’elles soient archéologiques, architecturales ou matérielles, ouvrent la voie à une compréhension renouvelée de ces chantiers monumentaux. L’étude de la diversité des matériaux et des mises en œuvre successives permettra notamment de préciser la chronologie des campagnes de construction et de mesurer l’implication concrète des princes-évêques du XVIe siècle.

En combinant histoire institutionnelle, histoire de l’art et archéologie du bâti, ce colloque ambitionne de proposer une vision globale et intégrée du palais des princes-évêques au XVIe siècle. Il offrira une plateforme essentielle pour réexaminer les enjeux de pouvoir, les ambitions culturelles et les innovations architecturales qui ont façonné ce monument emblématique de la Renaissance liégeoise.

Modalités de soumission

Les projets de communication doivent prendre la forme d’un fichier attaché format .rtf, .doc, .docx. Il aura pour titre le nom de l’auteur/des auteurs de la proposition et comprendra :

  • un titre ;
  • l’axe de recherche dans lequel s’intègre la proposition ;
  • un résumé de 500 mots maximum en FR et en EN ;
  • une brève présentation de l’auteur, la langue (FR ou EN) de la communication, l’université ou l’organisme de recherche d’affiliation, l’adresse électronique du proposant.

Les propositions de communication sont à envoyer à Philippe Sosnowska (philippe.sosnowska@uliege.be).
Date dépôt des soumissions : 1 septembre 2026
Validation des soumissions : 5 octobre 2026

Comité organisateur :
Dominique ALLART (UR Transitions – ULiège)
Julien MAQUET (Trésor de Liège – ULiège)
Laetizia PUCCIO (Archives de l’État – ULiège)
Philippe SOSNOWSKA (URAAP/Laboratoire DIVA – ULiège)

Comité scientifique
Dominique ALLART (ULiège)
Flaminia BARDATI (Sapienza Università di Roma)
Krista DE JONGE (KULeuven)
Christian DURY (Évêché de Liège)
Stefaan GRIETEN (VAI)
Julien MAQUET (Trésor de Liège – ULiège)
Cécile OGER (ULiège)
Laetizia PUCCIO (Archives de l’État – ULiège)
Philippe SOSNOWSKA (ULiège)
Michael WATERS (Columbia University)

Les actes du colloque feront l’objet d’une publication dans le Bulletin de la Société d’Art et d’Histoire du diocèse de Liège.

Appel à communications – De l’imaginaire aux vestiges, des vestiges à l’imaginaire : représentations littéraires de la Grèce antique dans sa matérialité (XIVe-XIXe siècle)

Échéance : 15 mai 2026

Date : 25-26 février 2027

Lieu : Athènes, École française d’Athènes

Colloque international coorganisé avec l’École française d’Athènes

De l’imaginaire aux vestiges, des vestiges à l’imaginaire : représentations littéraires de la Grèce antique dans sa matérialité (XIVe-XIXe siècle)

25-26 février 2027 à l’École française d’Athènes

Ce colloque se propose d’explorer les représentations des réalités matérielles de la Grèce antique dans les œuvres littéraires écrites entre le XIVe et le XIXe siècle et d’étudier la manière dont les auteurs se sont forgé des images de la Grèce ancienne à partir de sa matérialité telle qu’ils se l’approprient et l’intègrent dans des textes divers. Son objectif est d’analyser comment la matérialité de la Grèce antique (monuments, édifices, ruines, œuvres d’art, objets, vêtements…) a été imaginée ou reproduite, reconstituée, réinterprétée et à nouveau fantasmée, avant et après les découvertes de vestiges matériels lors de voyages, d’explorations et de fouilles archéologiques. Il porte ainsi sur les alternances et surtout les interactions entre d’une part les constructions de l’imaginaire et de la pensée, et de l’autre les vestiges matériels de la Grèce ancienne découverts au fil des siècles, dont les œuvres proposent des reflets littéraires.

Nous envisageons volontairement le corpus des textes littéraires dans son extension la plus large, celle qui prévaut durant la majorité des siècles considérés : romans, poésies, textes historiques, récits de voyage, littérature antiquaire, littérature d’art et d’architecture, traités archéologiques, récits de missions archéologiques, textes didactiques… Il s’agira de croiser les analyses sur des formes d’écriture souvent séparées. L’attention sera portée sur les textes et aussi les images visuelles susceptibles de les accompagner, qui mettent en scène des vestiges matériels associés à la Grèce antique, mais également les pratiques qui leur sont liées (politiques, artistiques, religieuses, funéraires, etc.).

Les réalités matérielles que les auteurs figurent relèvent parfois en effet de la seule création de l’imaginaire. Nous pensons ici particulièrement à des textes du XIVe siècle et du début du XVe siècle, mais pas seulement. Elles sont plus souvent le reflet et la réélaboration de realia grecques ou identifiées comme telles : reproduction, transformation, projection de l’imaginaire et/ou de cadres de pensée se mêlent alors. Les auteurs des textes envisagés ont parfois eu un accès direct aux realia grecques qu’ils représentent – des voyageurs, des antiquaires, des archéologues… – et/ou écrivent à partir de sources médiatrices diverses et de leur propre vision de la Grèce. Leur pensée et leur imaginaire ont pu conditionner la représentation et l’interprétation de cette matérialité découverte directement ou indirectement, jusqu’à la réinventer. Quels éléments de la matérialité de la Grèce ancienne intéressent les auteurs au fil des siècles, avec quels modes de figuration et pour quelles finalités ? Comment s’articulent différentes représentations de la matérialité de la Grèce antique d’une époque à l’autre, à une même époque et parfois dans une même œuvre ? Comment la réception de cette matérialité change-t-elle aussi d’un espace culturel à l’autre ?

De l’engouement pour la Grèce antique qui se développe à partir du XIVe siècle, jusqu’à la naissance de l’archéologie moderne au XIXe siècle, ce sont toutes ces matérialités fantasmées de la Grèce ancienne dans des textes littéraires que ce colloque souhaite explorer. Il a pour dessein de retracer l’évolution du regard que des auteurs très nombreux ont porté sur les vestiges matériels de la Grèce, et celle de leurs représentations, c’est-à-dire de leurs modes d’appropriation. À ce titre, la remise en contexte des ouvrages étudiés nous paraît essentielle pour mieux appréhender les enjeux (esthétiques, politiques, identitaires, etc.) qui sous-tendent ces représentations.

Ce colloque est organisé dans le cadre du projet ERC Advanced Grant AGRELITA The Reception of Ancient Greece in pre-modern French Literature and Illustrations of Manuscripts and Printed Books (1320-1550) : How invented memories shaped the identity of European communities, sous la direction de Catherine Gaullier-Bougassas.

Les propositions sont à adresser (titre et résumé de 200-300 mots, bref cv) avant le 15 mai 2026 à Catherine Gaullier-Bougassas et à Lorène Bellanger aux adresses suivantes :

Les propositions pourront être présentées en français ou en anglais.

Pour assurer une publication avant la fin du projet ERC, nous demandons aux auteurs de nous envoyer leur texte avant le 23 décembre 2026. Des modifications pourront être apportées après le colloque.

Les articles issus des contributions seront publiés chez Brepols dans la collection « Recherches sur les Réceptions de l’Antiquité » : https://www.brepols.net/series/rra


Due date : 15 May 2026

Date : 25-26 February 2027

Place : French School of Athens

International conference co-organized with the French School of Athens

From imagination to remains, from remains to imagination: literary representations of ancient Greece in its materiality (14th-19th centuries)

February 25-26, 2027 at the French School of Athens

This conference aims to explore representations of the material realities of ancient Greece in literary works written between the 14th and 19th centuries, and to examine how authors constructed images of ancient Greece based on its materiality, as they appropriated and incorporated it into various texts. Its purpose is to analyze how the materiality of ancient Greece (monuments, buildings, ruins, works of art, objects, clothing, etc.) was imagined or reproduced, reconstructed, reinterpreted and re-imagined, both before and after the discovery of material remains during travels, explorations and archaeological excavations. It thus focuses on the shifts and, above all, the interactions between, on the one hand, the constructions of the imagination and thought, and, on the other, the material remains of ancient Greece discovered over the centuries, which are reflected in literature.

We deliberately consider the corpus of literary texts in its broadest sense, as it was understood throughout most of the centuries under consideration: novels, poetry, historical texts, travelogues, antiquarian literature, literature on art and architecture, archaeological treatises, accounts of archaeological expeditions, educational texts… The aim will be to cross-reference analyses of writing forms that are often treated separately. Attention will be focused on the texts and also on the visual images that may accompany them, which depict material remains associated with ancient Greece, as well as the practices linked to them (political, artistic, religious, funerary, etc.).

The material realities depicted by the authors are, in fact, sometimes the product of the imagination alone. We are thinking here particularly of texts from the 14th and early 15th centuries, though not exclusively. More often, they reflect and rework Greek realia or elements identified as such: reproduction, transformation, and the projection of the imagination and/or conceptual frameworks are thus intertwined. The authors of the texts under consideration sometimes had direct access to the Greek realia they depict—travelers, antiquarians, archaeologists…—and/or wrote on the basis of various intermediary sources and their own vision of Greece. Their thinking and imagination may have shaped the representation and interpretation of this materiality, discovered directly or indirectly, to the point of reinventing it. Which aspects of the materiality of ancient Greece have interested authors over the centuries, through which modes of representation and for what purposes? How do different representations of the materiality of ancient Greece relate to one another from one era to the next, within the same era and sometimes within the same work? How does the reception of this materiality also vary from one cultural sphere to another?

From the growing fascination with ancient Greece that emerged in the 14th century through to the birth of modern archaeology in the 19th century, this conference aims to explore the fantasized material representations of ancient Greece found in literary texts. Its goal is to trace the evolution of the perspective taken by numerous authors on the material remains of Greece, and that of their representations—that is, their modes of appropriation. In this regard, we believe it is essential to place the works under study in their historical context in order to better understand the issues (aesthetic, political, identity-related, etc.) underlying these representations.

This conference is organised within the framework of the ERC Advanced Grant project AGRELITA The Reception of Ancient Greece in pre-modern French Literature and Illustrations of Manuscripts and Printed Books (1320-1550) : How invented memories shaped the identity of European communities, under the supervision of Catherine Gaullier-Bougassas.

Proposals (including a title and an abstract of 200–300 words, and a brief CV) should be submitted by 15 May 2026 to Catherine Gaullier-Bougassas and Lorène Bellanger at the following addresses:

Proposals may be submitted in French or English.

To ensure publication before the end of the ERC project, we ask authors to send us their text by 23 December 2026. Changes may be made after the conference.

The articles resulting from the contributions will be published by Brepols in the book series “Recherches sur les Réceptions de l’Antiquité”: https://www.brepols.net/series/rra

Appel à contributions – Annales d’Histoire de l’Art et d’Archéologie, XLVIII (2026)

Échéance : 31/05/2026

L’appel à contributions pour le volume XLVIII (2026) des Annales d’Histoire de l’Art et d’Archéologie est désormais ouvert.

Publiées depuis 1979, les Annales d’Histoire de l’Art et d’Archéologie constituent une revue scientifique annuelle dont l’ambition est de proposer des études inédites dans tous les domaines artistiques et archéologiques, de l’Antiquité jusqu’au XIXe siècle, avec une attention particulière portée à l’analyse des œuvres. La revue s’adresse principalement – mais non exclusivement – aux chercheurs, enseignants et jeunes diplômés des universités belges ou qui leur sont associés. Les contributions font l’objet d’une sélection rigoureuse par un comité de lecture selon un processus de double évaluation anonyme.

Les articles, rédigés en français (entre 40 000 et 50 000 caractères, soit environ une quinzaine de pages A4, avec un maximum de 16 illustrations), peuvent être soumis jusqu’au 31 mai 2026 à l’adresse suivante : editechnart@gmail.com.

Les informations sur les normes éditoriales peuvent être consultées ici.

Le volume paraîtra en décembre 2026.

Call for papers – Theatre, sociability and cultural transfers in the Duchy of Luxembourg and neighbouring territories, 1600-1815

Pour la version française, voir plus loin

Für die deutscher Fassung, siehe unten

Theatre, sociability and cultural transfers in the Fuchy of Luxembourg and Neighbouring territories, 1600-1815

University of Luxembourg (Esc-Belval Campus)
9-10 octobre 2026

The early modern period witnessed a rich and varied traffic of people, ideas, and cultural practices across the territories we today call the Grande Région/Großregion: Wallonia, Luxembourg, Lorraine and other parts of eastern France, and the German states of Rhineland-Palatinate and Saarland.

Between 1600 and 1815, theatres, fairs, religious processions, civic festivals, political spectacles, and other performances animated towns large and small, acting not only as occasions for entertainment but also as potential vehicles of sociability, education, and cultural transfer. Actors, troupes, and musicians moved across linguistic, political, and confessional borders, creating a dynamic space of interaction that blurs the boundaries imposed by dynasties and wars.

This conference seeks to explore how theatre and other forms of performance, whether on professional or amateur stages, in Jesuit colleges, at civic or religious festivals, or in itinerant fairs, contributed to cultural exchange and the circulation of ideas and populations across the region. We are particularly interested in contributions that emphasize the transregional nature of spectacle, revealing the current Grande Région as a space of entangled histories rather than a patchwork of isolated territories. Presentations that connect regional performances with other areas, French, Dutch, Flemish, German, etc., are also welcome.

Well-known examples demonstrate the vibrancy of these exchanges. Jesuit college drama in Luxembourg, Metz, and Trier, for example, followed similar models to those performed in Liège and Cologne, cultivating an intellectual and performative network of Latin plays, music, and elaborate staging. Itinerant French and Flemish troupes travelled through Brussels, Metz, Aachen, and beyond, adapting repertoires to new audiences and potentially serving as intermediaries of linguistic and cultural transfer. The annual kermesses and urban festivals of Namur and Liège attracted musicians, comedians, and showmen from across the Low Countries, Rhineland, and Lorraine, while German-language companies occasionally staged works in border towns such as Metz and Thionville, illustrating the region’s porous cultural boundaries. Plays were performed at théâtres de société organized by members of the nobility. Even military garrisons potentially contributed to the theatrical life of the area, as officers and soldiers organized spectacles and amateur performances that may have facilitated encounters between local populations and transient communities.

We invite proposals that address themes including, but not limited to:

• Theatrical repertoires and performance practices in the region, single locations or comparisons
• Repertorial circulations around the region and or across borders
• Sociability and networks fostered by troupes, musicians, and theatre professionals
• The role of education, including education in confessional institutions, in producing theatrical events
• Civic and courtly spectacle as instruments of political and cultural negotiation
• Comparative, transregional, and digital approaches that link case studies from multiple territories
• Approaches that connect theatre and performance to other “ephemeral” art forms during early modernity, crafts, decorations for religious processions, etc.
• The contribution of itinerant performers to cultural mediation and identity formation
• Theoretical, including digital, frameworks that could help scholars contextualize early modern theatre and sociability in the region

Our aim is to bring together scholars and PhD students working in theatre history, cultural history, musicology, literary studies, religious history, and related fields in order to map and analyze the current Grande Région/Großregion as a complex, dynamic zone of cultural transfer in the early modern era. Comparative projects and interdisciplinary approaches are especially welcome.

This opportunity for scholarly exchange is a key component of THEALUX (Theatre and Sociability in the Duchy of Luxembourg, 1600–1815) (Logan Connors, with Monique Weis), a project funded by the Luxembourg National Research Fund (FNR) during the academic year 2026–2027, with the aim of rewriting the history of the duchy’s early modern performance culture.

The conference will be held on Friday 9 October and Saturday 10 October 2026. Presentations may be delivered in English, French, or German.

Interested scholars, including postgraduate students, are invited to send a 250-word proposal along with a brief biographical sketch or short CV by 30 April 2026 to the organizers: Logan Connors (logan.connors@miami.edu) and Monique Weis (monique.weis@uni.lu).


Théâtre, sociabilité et transferts culturels dans le duché de Luxembourg et les territoires voisins, 1600–1815
Université du Luxembourg, campus de Esch-Belval
9-10 octobre 2026

La période de 1600 à 1815 a vu un trafic riche et varié de personnes, d’idées et de pratiques culturelles à travers les territoires que nous appelons aujourd’hui la Grande Région/Großregion : la Wallonie, le Luxembourg, la Lorraine et d’autres parties de l’Est de la France, ainsi que les États allemands de Rhénanie-Palatinat et de la Sarre. Les théâtres, foires, processions religieuses, fêtes civiques, spectacles politiques et autres formes de performance de l’époque animaient villes et bourgs, constituant non seulement des occasions de divertissement, mais aussi des vecteurs potentiels de sociabilité, d’éducation et de transferts culturels. Actrices et acteurs, troupes et musicien·ne·s franchissaient les frontières linguistiques, politiques et confessionnelles pour créer un espace d’interaction dynamique qui brouille les limites imposées par les dynasties et les guerres.

Ce colloque souhaite explorer comment le théâtre et d’autres formes de performance, qu’il s’agisse de scènes professionnelles ou amateures, de collèges jésuites, de fêtes civiques ou religieuses, ou encore de foires itinérantes, ont contribué aux échanges culturels et à la circulation des idées et des populations à l’échelle de la région.

Nous sommes particulièrement intéressés par des contributions qui mettent l’accent sur la nature transrégionale du spectacle, révélant l’actuelle Grande Région comme un espace d’histoires entremêlées plutôt qu’un patchwork de territoires isolés. Les propositions qui relient des performances régionales à d’autres aires, française, néerlandaise, flamande, allemande, etc., sont également bienvenues.

Des exemples bien connus démontrent la vitalité de ces échanges. Le théâtre de collège jésuite à Luxembourg, Metz et Trèves suivait des modèles similaires à ceux joués à Liège et Cologne, cultivant un réseau intellectuel et performatif de pièces latines, de musiques et de mises en scène élaborées. Des troupes itinérantes françaises et flamandes circulaient à travers Bruxelles, Metz, Aix-la-Chapelle et au-delà, adaptant leurs répertoires à de nouveaux publics et servant potentiellement d’intermédiaires de transferts linguistiques et culturels. Les kermesses annuelles et fêtes urbaines de Namur et de Liège attiraient musicien·ne·s, comédien·ne·s et montreurs venant des Provinces-Unies, de la Rhénanie et de la Lorraine, tandis que des compagnies germanophones jouaient à l’occasion des œuvres dans des villes frontalières telles que Metz et Thionville, illustrant la porosité des frontières culturelles régionales. Des pièces étaient également représentées dans des théâtres de société organisés par des membres de la noblesse. Les garnisons militaires ont, elles aussi, pu contribuer à la vie théâtrale de la région, des officiers et soldats organisant spectacles et prestations amateurs qui ont pu favoriser des rencontres entre populations locales et communautés de passage.

Les propositions porteront notamment, mais pas exclusivement, sur les thèmes suivants :

• Répertoires théâtraux et pratiques scéniques dans la région, monographies locales ou comparaisons
• Circulations répertorielles dans la région et ou à travers les frontières
• Sociabilité et réseaux nourris par les troupes, les musicien·ne·s et les professionnel·le·s du théâtre
• Rôle de l’éducation, y compris au sein d’institutions confessionnelles, dans la production d’événements théâtraux
• Spectacle civique et de cour comme instruments de négociation politique et culturelle
• Approches comparatives, transrégionales et ou numériques reliant des études de cas provenant de plusieurs territoires
• Approches reliant théâtre et performance à d’autres arts « éphémères » de la première modernité, arts décoratifs, ornements pour processions religieuses, etc.
• Contribution des artistes itinérant·e·s à la médiation culturelle et à la formation des identités
• Cadres théoriques et outils numériques permettant de contextualiser le théâtre et la sociabilité d’Ancien Régime dans la région

Notre objectif est de réunir des chercheur·euse·s, y compris des doctorant·e·s, en histoire du théâtre, histoire culturelle, musicologie, études littéraires, histoire religieuse et disciplines connexes, afin de cartographier et d’analyser l’actuelle Grande Région comme une zone complexe et dynamique de transferts culturels à l’époque moderne. Les projets comparatifs et les approches interdisciplinaires sont particulièrement encouragés.

Cette rencontre scientifique s’inscrit dans le cadre de THEALUX, Théâtre et sociabilité dans le duché de Luxembourg, 1600–1815, Logan Connors avec Monique Weis, un projet financé en 2026–2027 par le Fonds national de la recherche Luxembourg, FNR, et dont l’objectif est de réécrire l’histoire de la culture du spectacle dans le duché à l’époque moderne.

Le colloque se tiendra les vendredi 9 et samedi 10 octobre 2026. Les communications pourront être présentées en anglais, en français ou en allemand.

Les chercheur·euse·s intéressé·e·s sont invité·e·s à envoyer une proposition de 250 mots accompagnée d’une brève notice biographique ou d’un court CV d’ici le 30 avril 2026 aux deux organisateurs : Logan Connors, logan.connors@miami.edu, et Monique Weis, monique.weis@uni.lu.


Theater, Geselligkeit und Kulturtransfer im Herzogtum Luxemburg und in den Nachbargebieten, 1600–1815
Universität Luxemburg, Campus Esch-Belval
9-10 oktober 2026

Die frühe Neuzeit war geprägt von einem intensiven Austausch von Menschen, Ideen und kulturellen Praktiken zwischen den Gebieten, die wir heute als Großregion/Grande Région bezeichnen: Wallonien, Luxemburg, Lothringen und andere Teile Ostfrankreichs sowie die deutschen Länder Rheinland-Pfalz und Saarland. Zwischen 1600 und 1815 belebten Theater, Jahrmärkte, religiöse Prozessionen, städtische Feste, politische Spektakel und andere Aufführungen große wie kleine Städte. Diese Ereignisse dienten nicht nur der Unterhaltung, sondern fungierten auch als potenzielle Träger von Geselligkeit, Bildung und kulturellem Austausch. Truppen, Schauspielerinnen und Musikerinnen überschritten sprachliche, politische und konfessionelle Grenzen und schufen so einen dynamischen Interaktionsraum, der die durch Dynastien und Kriege gesetzten Grenzen verwischte.

Die Tagung möchte untersuchen, wie das Theater und andere Formen der Aufführung, sei es auf professionellen oder Amateurbühnen, in Jesuitenkollegien, bei städtischen oder religiösen Festen oder auf Wanderjahrmärkten, zum kulturellen Austausch und zur Zirkulation von Ideen und Bevölkerungen in der Region beigetragen haben. Besonders willkommen sind Beiträge, die den transregionalen Charakter des Spektakels hervorheben und die heutige Großregion als Raum verflochtener Geschichten begreifen, anstatt als Flickenteppich isolierter Territorien. Beiträge, die regionale Aufführungen mit anderen Gebieten, französischen, niederländischen, deutschen usw., in Verbindung setzen, sind ebenfalls willkommen.

Bekannte Beispiele belegen die Lebendigkeit des kulturellen und sozialen Austauschs. Das Jesuitentheater in Luxemburg, Metz und Trier folgte ähnlichen Modellen wie die in Lüttich und Köln aufgeführten Stücke. Es pflegte ein intellektuelles und performatives Netzwerk lateinischer Dramen und aufwendiger Inszenierungen. Wandertruppen aus Frankreich und Flandern reisten durch Brüssel, Metz, Aachen und darüber hinaus, passten ihre Repertoires neuen Publika an und fungierten möglicherweise als Mittler sprachlicher und kultureller Transfers. Die jährlichen Kirmessen und Stadtfeste von Namur und Lüttich zogen Musiker, Komödianten und Schausteller aus den gesamten Niederlanden, dem Rheinland und Lothringen an, während deutschsprachige Truppen gelegentlich in Grenzstädten wie Metz und Thionville auftraten und so die durchlässigen kulturellen Grenzen der Region illustrierten. Theaterstücke wurden auch in sogenannten Théâtres de Société aufgeführt, die von Mitgliedern des Adels organisiert wurden. Selbst Militärgarnisonen trugen möglicherweise zum Theaterleben der Region bei, da Offiziere und Soldaten Vorstellungen und Amateuraufführungen organisierten, die Begegnungen zwischen der lokalen Bevölkerung und durchreisenden Gemeinschaften ermöglichten.

Wir laden Beiträge ein, die sich mit folgenden Themen befassen, ohne darauf beschränkt zu sein:

• Theaterrepertoires und Aufführungspraxen in der Region, Einzelfälle oder Vergleiche
• Zirkulation von Repertoires innerhalb der Region und oder über Grenzen hinweg
• Geselligkeit und Netzwerke, die durch Truppen, Musikerinnen sowie Theaterfachleute gefördert wurden
• Die Rolle der Bildung, einschließlich der Ausbildung in konfessionellen Institutionen, bei der Organisation von Theaterereignissen
• Städtische und höfische Spektakel als Instrumente politischer und kultureller Aushandlung
• Vergleichende oder transregionale Ansätze, die Fallstudien aus mehreren Territorien verbinden
• Verbindungen von Theater und Aufführung mit anderen „ephemeren“ Kunstformen, Dekorationen für religiöse Prozessionen usw.
• Die Rolle wandernder Künstler
innen in der kulturellen Vermittlung und Identitätsbildung
• Theoretische Überlegungen und digitale Methoden, die helfen, das frühneuzeitliche Theater und die Geselligkeit in der Region zu kontextualisieren

Unser Ziel ist es, Forschende, inklusive Doktoranden, aus der Theatergeschichte, Kulturgeschichte, Musikwissenschaft, Literaturwissenschaft, Religionsgeschichte und verwandten Disziplinen zusammenzubringen, um die heutige Großregion als komplexe und dynamische Zone des kulturellen Transfers in der Frühen Neuzeit zu kartographieren und zu analysieren. Vergleichende Projekte und interdisziplinäre Ansätze sind besonders willkommen.

Diese wissenschaftliche Tagung ist Teil des Projekts THEALUX, Theater und Geselligkeit im Herzogtum Luxemburg, 1600–1815, Logan Connors mit Monique Weis, das 2026–2027 vom Luxembourg National Research Fund, FNR, gefördert wird und darauf abzielt, die Geschichte der frühneuzeitlichen Theaterkultur des Herzogtums neu zu schreiben.

Die Tagung findet am Freitag, den 9. Oktober, und Samstag, den 10. Oktober 2026 statt. Vorträge können auf Englisch, Französisch oder Deutsch gehalten werden.

Interessierte Forschende werden gebeten, bis zum 30. April 2026 einen Abstract von 250 Wörtern sowie eine biografische Notiz oder einen kurzen Lebenslauf an die beiden Organisatoren zu senden: Logan Connors, logan.connors@miami.edu, und Monique Weis, monique.weis@uni.lu.

 

Appel à communications – Étrangers et gens de passage dans les pays bourguignons et angevins (XIVe-XVIe siècles)

Date d’échéance : 11 mars 2026

Date de la rencontre : 24-27 septembre 2026

Lieu : château d’Angers, France

Étrangers et gens de passage dans les pays bourguignons et angevins (XIVe-XVIe siècles)

67e Rencontres du Centre européen d’études bourguignonnes

Les soixante-septièmes Rencontres du Centre se tiendront du 24 au 27 septembre 2026 au château d’Angers, à l’invitation de et en partenariat avec le Professeur Laurent Vissière et l’Université d’Angers, à laquelle il appartient. Le thème en sera « Étrangers et gens de passage dans les pays bourguignons et angevins (XIVe-XVIe siècles) ».

Les communications présentées devront se situer dans le périmètre ici défini. La société de la fin du Moyen Âge et de la première Modernité a connu un important phénomène de mobilité géographique : les voyages entrepris pour voir le monde, les déplacements professionnels, la peregrinatio academica, les pèlerinages, les ambassades, les expéditions militaires, la fuite devant la guerre ou devant des difficultés conjoncturelles eurent pour conséquences des apports temporaires ou définitifs d’éléments étrangers au sein d’une population, d’un groupe social ou d’un milieu. Le phénomène pourra être étudié sous différents angles – politiques, juridiques, socioéconomiques, culturels – et en fonction de différentes situations : étrangers et gens de passage peuvent être des personnages fréquentant la cour (ambassadeurs, nobles voyageurs, maîtres artisans spécialisés, artistes, écrivains, médecins, etc.), des gens de guerre, des marchands, des maîtres et étudiants, des réfugiés. Ils pourront être considérés soit individuellement, soit en groupe ; les réactions – positives ou négatives – face à leur présence seront également à envisager.

Toute personne intéressée de présenter une communication aux Rencontres d’Angers est invité à adresser sa proposition au Secrétariat du Centre avant le 11 mars 2026:  alain.marchandisse@uliege.be

Call for papers – Women, material culture, music and diplomacy in the early modern period

Date: 14 – 15 april 2026

Place: Ecole française de Rome

Organisers : Emilie Corswarem, Valeria de Lucca

The workshop aims to explore women’s agency in shaping musical culture in Rome during the early modern period through two interconnected dimensions: social and diplomatic networks and material culture. Moving beyond eventbased historiography, the workshop adopts a longue durée perspective to explore how women, whether patrons, performers, or intermediaries, facilitated the circulation of music and artefacts across sacred and secular spheres, domestic and public spaces, and between Rome and other European centres across generations. By interrogating a range of sources and drawing on methodologies from musicology, art history, gender studies, and cultural and material history, the workshop seeks to illuminate practices of accumulation, transmission, and circulation of objects – such as scores, librettos, musical instruments and entire collections. It also seeks to explore these objects’ “agency” in negotiating diplomatic networks, social mobility, and identity. Bringing together international scholars with an interdisciplinary approach, this workshop intends to foster dialogue on gender, music, and power within transnational frameworks.

We invite proposals on a range of topics that respond to the call, and particularly encourage reflections on and across the following thematic areas:

Archives and sources

Women in Rome left few personal archives, and the accounting nature of sources traditionally used to reconstruct patronage practices often obscures their roles. These gaps make it particularly difficult to trace continuities between patrons, the evolution of domestic and public practices, and the status and role of women musicians and composers within society. In light of the recent “archival turn” in the Humanities, and reintegrating the paradigm of the clue, central to Carlo Ginzburg and microhistory, this workshop invites reflection on archives and research methods within a longue durée perspective: What do extant sources reveal, and what do they conceal? How can we identify, in silences and omissions, clues to women’s influence, including that of minor figures, in shaping musical culture? In addressing these questions, this workshop aims to construct alternative narratives of women’s place in musical practices and patronage.

Material culture, diplomacy and networks

Responding to the call of works such as Appadurai (1986), material culture is here understood broadly as encompassing not only objects but also their environments and the ways in which they shaped networks and were, in turn, shaped by human interactions. More than in themselves, artefacts and collections of musical and art objects will be considered through their ‘trajectories’ over the longue durée, observing also how their values and meanings shifted across generations. The multifaceted nature of objects—shaped by manufacture and materials, origin, status, and changing functions and ownership over time (from diplomatic gifts to family heirlooms)—reveals evolving artistic practices and the circulation of women’s knowledge. Furthermore, the circulation of material culture across women’s networks often sheds light on the political, familial, diplomatic, and social practices in which they were involved and, more broadly, on the musical and cultural landscape they influenced. We invite reflections on the role of musical material culture—correspondence, notebooks, scores, instruments, and collections—as primary sources for investigating women’s social and cultural agency.

Networks of women musicians, patrons and composers in the longue durée

Singers, musicians, patrons—in their social and political roles as wives, widows, mothers, daughters, sisters, and nuns—played a central function in forging alliances and shaping careers that influenced the circulation of musical objects. Many women, by virtue of their reputation and networks of patronage, clientele, family and political allegiance, often worked to make space for their relation—husbands and musician children or other women who were members of their networks—securing for them positions that had sometimes long-lasting ramifications for their family reputation and political identity. Moving beyond traditional monographic approaches that focus on individual figures, often the great musician or patron, this thematic area invites an approach that privileges networks (familial, artistic, diplomatic, and others) across generations as sites for observing the function, integration and circulation of material culture and musical practices. By restoring female figures to these networks, we ask: How did they influence the movement of objects and the trajectories of careers, and how in turn did objects and material culture contribute to their careers, lives and movements? Grounded in a longue durée perspective, this thematic area aims to shed new light on patronage and musical culture in the early modern period, conceived as a network of relationships and exchanges.

Conference Details

Date: 14-15 April 2026

Format: In person

Venue: Ecole française de Rome, 62 Piazza Navona I – 00 186 Rome

Timeline

Proposal deadline: 1 March 2026

Notification: 15 March 2026

Paper proposals
  • Proposals are invited for individual papers with a   maximum presentation time of 20 minutes
  • Submissions must include an abstract of   250–300 words
  • A brief CV (max. 150 words) must accompany   the abstract and should state:
    • Name * E-mail address
    • Institutional affiliation
    • Whether audio/visual equipment is required   for the presentation

Proposals should be sent to E.Corswarem@uliege.be and V.Delucca@soton.ac.uk

Language(s): English, Italian, or French. There is no conference fee. Some funding is available to cover travel and/or accommodation expenses. Further details on how to apply will be announced later. A selection of papers presented at this workshop will be considered for publication. Further details will be provided.

Appel à communications – Journée doctorale “Entre Afrique, Europe et Amériques : circulations, histoires, mémoires et représentations”

Entre Afrique, Europe et Amériques : circulations, histoires, mémoires et représentations
Échanges avec Olivette Otele (SOAS, London University)
Journée de formation doctorale interdisciplinaire le 15 avril 2026, UCLouvain

Cliquez ici pour consulter l’appel à communications

Pour commencer Conférence de Olivette Otele, Histoires fragmentées, amnésie mémorielle et représentations controversées, que faire de notre passé colonial ?

Pour qui ? Chercheur.eu.se.s en histoire, histoire de l’art, littérature, mais aussi en sciences politiques et sciences sociales. Cette journée a pour objectif de réfléchir collectivement aux enjeux historiographiques et sociétaux qui guident le travail d’Olivette Otele. Pour y parvenir, nous invitons les jeunes chercheur·euse·s (doctorant·e·s et post-doctorant.e.s) à communiquer sur un aspect spécifique de leurs recherches en cours.

Quatre parcours thématiques sont proposés :

  1. (Re)dire et (re)écrire autrement le passé et le présent. Comment créer un récit à l’articulation entre acteurs visibles et/ou invisibles ?  Comment visibiliser les jeux de pouvoir intra-sociétaux et/ou globaux ? Comment opérer un décentrement épistémologique et méthodologique en sciences humaines – notamment en histoire, littérature, droit international et relations internationales ?
  2. Les enjeux de représentations. « Blanc » et « Noir » ; personnes au double héritage. Comment questionner, utiliser et articuler regards coloniaux-postcoloniaux-décoloniaux ? ; comment travailler sur l’influence des discours et représentations sur les vécus, les imaginaires, les corps et les langages artistiques, scientifiques et littéraires ?
  3. Mémoires, silences et oublis face à un passé honteux, difficile ou douloureux. Aux niveaux des individus, groupes, institutions : qu’est-ce qui est commémoré/remémoré, pourquoi, par qui, pour qui et comment ? Qu’est-ce qui est tu ? Pourquoi ? Quels sont les biais des contre-mémoires sur le/les corps, les objets, la production artistique ?
  4. Au-delà de la mémoire. Géopolitiques du patrimoine matériel et immatériel (processus concrets dans les domaines littéraires et artistiques, juridiques, économiques). Quelles politiques culturelles peuvent et doivent être adoptées, voire institutionnalisées, afin de remédier aux spoliations culturelles effectuées dans le passé (objets, archives…) ou afin de normaliser des esthétiques justes et dignes quant à la question raciale dans les productions artistiques ?

Les doctorant·es et postdoctorant.e.s qui souhaitent présenter une question de recherche ou un aspect de leur travail en cours en lien avec l’un des axes indiqués, sont invité.es à se manifester en envoyant leur abstract par mail, au plus tard pour le 23 février 2026 silvia.mostaccio@uclouvain.be et camille.dasseleer@uclouvain.beanne-sophie.gijs@uclouvain.be. Intitulé « Journée Otele 15 avril », le mail doit comprendre le titre de l’intervention, avec 15-20 lignes de résumé et une brève biographie académique (5-10 lignes).

Informations

Appel à communications – L’absence et ses interprétations. Interroger l’incomplet et le fragmentaire au Moyen Âge et à la première Modernité

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L’absence et ses interprétations

Interroger l’incomplet et le fragmentaire au Moyen Âge et à la première Modernité

8es Journées doctorales internationales de Transitions

Université de Liège, 11-12 mai 2026

Les 11 et 12 mai 2026 se tiendra, à l’Université de Liège, la huitième édition des Journées doctorales internationales de l’Unité de recherches Transitions. Organisé en partenariat avec le Centre d’Études supérieures de la Civilisation médiévale (Université de Poitiers), ce colloque aura pour thème l’absence. Les bornes chronologiques prescrites pour le présent appel sont celles explorées par Transitions (Moyen Âge et première Modernité).

L’étude des sociétés médiévales et modernes nous confronte inévitablement à des silences, que ceux-ci résultent des aléas de la transmission documentaire et matérielle ou d’un acte intentionnel. Nos pratiques de recherche nous mènent ainsi constamment à interroger les zones d’ombre et à leur donner du sens ; nos travaux reposent sur des données fragmentaires, et laissent nécessairement une large part à l’interprétation. Ainsi, quiconque souhaite étudier ces périodes doit composer avec « ce qui reste ». Cette démarche indiciaire est profondément ancrée dans nos pratiques. Elle doit donc mener à une réflexion sur « ce qui manque ».

Forts de ces considérations, nous proposons ci-dessous trois axes selon lesquels l’absence peut être envisagée : l’absence telle qu’elle était pratiquée et vécue par les hommes et les femmes du Moyen Âge et de la première Modernité (1.), l’absence telle qu’elle est perçue et appréhendée aujourd’hui par les chercheur.euses (2.), et l’absence telle qu’elle est exposée et transmise au grand public (3.)

  1. Pratiques et expériences de l’absence hier

Le premier axe interrogera l’absence en lien avec le corps humain dans les processus de deuil, dans les pratiques juridiques (e.a. la contumace, le bannissement, les enlèvements), médicales (e.a. l’amputation, les lacunes dans la transmission des savoirs, l’absence des praticiens) et spirituelles (e.a. la privation volontaire de nourriture, le célibat, le monachisme). Par ailleurs, il s’agira de comprendre ce que l’absence révèle du fonctionnement de la société. Elle sera ainsi envisagée à partir du corps social : étudier l’absence d’institutions spécifiques revient à interroger le sens social et politique de ce vide institutionnel. Comment interpréter l’absence de figure dirigeante ? Comment l’absence d’institutions influence-t-elle la construction ou l’altération communautaire ? Des points de vue linguistique et littéraire, on relèvera et étudiera le vocabulaire de l’absence afin de mieux comprendre comment celle-ci était dite dans des corpus textuels variés. On envisagera encore la façon dont sont exprimés les différents affects liés à l’absence. On analysera enfin les représentations du corps absent (la mort, le divin, l’autel) dans l’art ou encore la réinterprétation picturale d’une œuvre décrite dans la littérature antique (e.a. La Calomnie d’Appelle de Botticelli).

  1. Perceptions de l’absence dans nos méthodes de recherche

Ce second axe examinera les modalités selon lesquelles les médiévistes et les modernistes peuvent interpréter l’absence au sein de leur corpus. L’absence demande à être interrogée différemment selon la part d’intentionnalité qui la cause. L’anonymat d’un texte n’implique pas la même lecture qu’un document dont on aurait arraché ou biffé la signature de l’auteur. Si les carences archéologiques, picturales ou textuelles relèvent bien souvent du passage du temps, celles-ci peuvent toutefois résulter d’une destruction ou d’une dissimulation volontaires (à l’image du processus de damnatio memoriae). Le cas échéant : pour quelles raisons effacer, cacher, taire ? Une page laissée blanche pourrait faire penser à un scribe distrait ou inviter le lecteur à la compléter. À l’inverse, la censure des textes littéraires et musicaux ainsi que la destruction d’objets obéissent à des logiques tout autres (politiques, idéologiques ou doctrinales).

De même, constater un silence soulève un questionnement déontologique : dans quelle mesure doit-on chercher à le compléter ? Selon quelles méthodes ? Faut-il l’interpréter pour lui-même ou en considérer les causes ? Quelle représentativité un fragment peut-il offrir d’un ensemble perdu lorsqu’il en constitue la seule trace? S’interroger sur ce qui préside au silence, sur ses modalités de mise en œuvre et sur ce qu’il implique est-il plus opportun que de s’attacher à restituer le matériau absent ? Dans quelle mesure une approche interdisciplinaire peut-elle contribuer à pallier ce manque ? Que faire d’un vide documentaire autour d’une période, d’un espace ou d’un groupe donné ?

  1. Exposition et vulgarisation de l’absence

Le troisième axe cherche quant à lui à exposer les regards d’hier et d’aujourd’hui en se focalisant sur les pratiques muséales de traitement de l’absence. En effet, la vulgarisation et la mise en scène nécessaires à l’exposition muséale enjoignent les muséologues et les conservateurs à traiter l’absence par des modalités spécifiques : on abordera ainsi la question de l’attractivité du public, des enjeux liés aux sources financières ou encore de la rédaction des cartels explicatifs. Comment exposer un objet absent ? Doit-on le remplacer ? Présenter des reproductions ? Comment combler le manque de certains thèmes dans le paysage muséal parce que moins « populaire » ? Jusqu’à quel point la reconstitution historique peut-elle constituer un outil de médiation autant qu’une méthode de recherche ?

Modalités pratiques

Les communications (max. 20 minutes) seront prononcées en français ou en anglais. Les propositions sont attendues pour le lundi 26 janvier 2026 au plus tard, sous la forme d’un document PDF adressé par courriel à jd.transitions@uliege.be. Ce dossier comprendra les coordonnées (nom, prénom, université) du/de la doctorant·e, le titre de sa thèse, l’intitulé de sa communication et un résumé de celle-ci de max. 300 mots en français ou en anglais. Les candidat·e·s seront informé·e·s des résultats de la sélection au plus tard le 9 février.

Une attestation de participation sera délivrée sur demande au terme de ces journées d’études.

Les repas de midi et les pauses café des deux journées seront offerts. Les frais relatifs au transport pourront éventuellement être remboursés à hauteur de 150 euros par personne.

Comité organisateur

Ninon Gavage, Alix Giet, Fanny Goblet, Perrine Stennier, Emile Thonar, Victor Vandenbulke

Comité scientifique

Éric Bousmar (UCLouvain – Saint-Louis Bruxelles), Émilie Corswarem, Élise Franssen, Ninon Gavage, Alix Giet, Fanny Goblet, Christophe Masson, Aude Rouquié (CESCM Université de Poitiers), Perrine Stennier, Emile Thonar, Victor Vandenbulke

Pour plus d’informations


Absence and its Interpretations

Questioning the Incomplete and the Fragmentary in the Middle Ages
and the Early Modern Period

8th International PhD Conference of Transitions

University of Liège, 11-12 may 2026

From 11-12 May 2026, the University of Liege will host the eighth edition of the International Doctoral Days of the Transitions Research Unit. Organized in partnership with the Centre d’Études supérieures de la Civilisation médiévale (Université de Poitiers), this conference will focus on the theme of absence. The chronological boundaries for this call correspond to those explored by Transitions (the Middle Ages and the Early Modern Period).

The study of medieval and early modern societies inevitably confronts us with silences, whether these result from the hazards of documentary and material transmission and/or from deliberate action. Our research practices thus constantly lead us to interrogate these grey areas and to make sense of them; our work often relies on fragmentary data, whose interpretation is necessarily ambiguous. Thus, anyone wishing to study these periods must work with “what remains”. This index-based approach is deeply rooted in our practices. It must therefore lead to reflection on “what is missing”.

Based on these considerations, we propose three approaches to the concept of absence: absence as practised and experienced by men and women in the Middle Ages and early modern period (1.); absence as it is perceived and understood today by researchers (2.), and absence as it is presented and communicated to the general public (3.).

  1. Practices and Experiences of Absence in the Past

If absence is experienced, practiced, and expressed today, it was equally so in medieval and early modern societies. This first axis thus explores, from very varied points of view, the management of absence in the past. It will question the absence related to the human body in processes of mourning, in legal practices (e.g., contumacy, banishment, kidnappings), medical practices (e.g., amputation, the lack of transmission of knowledge, the absence of practitioners), and spiritual practices (e.g., fasting, celibacy, monasticism). Furthermore, it will be necessary to understand what absence reveals about how society functions. It will thus be considered from the perspective of the social body: studying the absence of specific institutions amounts to questioning the social and political meaning of this institutional void. In other words, the point is not so much to note a lack as to understand what this reveals about the functioning of society. How should we interpret the absence of a ruling figure? How does the absence of institutions influence community building or alteration? From a linguistic and literary perspective, we will identify and study the vocabulary of absence to better understand how it was expressed in various textual corpus. It will also consider how the different affects related to absence are expressed. Finally, we will analyze representations of the absent body (death, the divine, the altar) in art, as well as the pictorial reinterpretation of a work described in ancient literature (e.g., Botticelli’s Calumny of Apelles).

  1. Perceptions of Absence in Our Research Methods

Absence has left marks in the sources that have come down to us. The second axis apprehends the ways in which medievalists and early modernists can interpret absence within their respective fields. Absence requires different interrogation depending on the degree of intentionality that causes it. The anonymity of a text does not imply the same reading as a document whose author’s signature has been torn off or crossed out. While archaeological, pictorial, or textual deficiencies often result from the passage of time, they may nevertheless result from deliberate destruction, concealment, or like the process of damnatio memoriae. If so, for what reasons erase, hide, silence? A blank page could suggest a distracted scribe or invite the reader to complete it. Conversely, the censorship of literary and musical texts as well as the destruction of objects obeys entirely different logics (political, ideological, or doctrinal).

Similarly, noticing a silence raises a deontological question: to what extent should we seek to complete it? Should we interpret it for itself or consider its causes? What representativeness can a fragment offer of a lost whole when it constitutes the only trace? Is it more appropriate to question what governs silence, its modes of implementation, and what it implies, than to focus on restoring the absent material? To what extent can an interdisciplinary approach help remedy what is missing? What should we do with a documentary void around a given period, space, or group? Conversely, how should we apprehend eloquent testimonies drowned in an overabundance of data, a form of silence through noise?

  1. Exhibition and Public Dissemination of Absence

The third axis seeks to set out past and present perspectives by focusing on museum practices and their processing of absence. Indeed, the mediation and staging necessary for museum exhibition require museologists and curators to treat absence by specific terms and condition: it will thus address the question of public attractiveness, issues related to funding sources, or the writing of explanatory labels. How does one exhibit an absent object? Should it be replaced? Should reproductions be presented? How can we fill the gap left by certain themes in the museum landscape, because they are less “popular”? Can historical reenactment constitute both a mediation tool and a research method? Philologists and librarians, for their part, are confronted with questions of methods of textual transmission and its contingency.

Practical Information

Presentations (max. 20 minutes) will be given in French or English. Proposals are expectedby Monday, January 26, 2026, at the latest, in the form of a PDF document sent by email to jd.transitions@uliege.be. This file must include the contact details (surname, first name, university) of the doctoral candidate, the title of their thesis, the title of their presentation, and an abstract of no more than 300 words in French or English. Candidates will be informed of the selection results by February 9.

Organizing Committee

Ninon Gavage, Alix Giet, Fanny Goblet, Perrine Stennier, Emile Thonar, Victor Vandenbulke

Scientific Committee

Éric Bousmar (UCLouvain – Saint-Louis Bruxelles), Émilie Corswarem, Élise Franssen, Ninon Gavage, Alix Giet, Fanny Goblet, Christophe Masson, Aude Rouquié (CESCM Université de Poitiers), Perrine Stennier, Emile Thonar, Victor Vandenbulke

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Appel à contribution : Notes et documents – Théia. Revue d’histoire et d’histoire de l’art

Date de rendu des « Notes et documents » définitifs : 26 avril 2026

Retour du comité de rédaction : 29 mai 2026

Publication : Novembre 2026

Theia. Revue d’histoire et histoire de l’art est une revue scientifique en Open Access consacrée à la recherche en histoire et en histoire de l’art des périodes modernes et contemporaines (XVe s.-XXIe s.). Son objectif est de proposer un support de publication rapide, selon un processus rigoureux, en faisant appel à la communauté scientifique à partir de thématiques liées aux axes du Laboratoire de Recherches en Histoire Rhône-Alpes (LARHRA UMR 5190). Les interactions entre histoire et histoire de l’art, par le biais notamment des cultures visuelles et matérielles, forment un des socles importants de la revue. La revue permet l’échange et la collaboration entre jeunes chercheurs et chercheurs confirmés selon le principe du Peer Review. Les articles sont publiés dans l’une des cinq langues suivantes : français, anglais, espagnol, italien, allemand

Le numéro thématique 2026 coordonné par coordonné par Audrey Colonel, Stéphane Gal et Erika Wicky porte sur « Histoire expérimentale et sensorialités ».

En complément du numéro thématique, les jeunes chercheurs de Master et Doctorat sont invités à soumettre des articles destinés à la section Notes et documents. Les Notes et documents visent à exposer des trouvailles documentaires et archivistiques se prêtant à un format réduit.

Modalités de soumission :

 Les articles, avec une courte bio-bibliographie de l’auteur, devront être adressées à l’adresse suivante : Joana.Barreto@univ-lyon2.fr

Les premières versions des Notes et documents (entre 5 000 et 8 000 signes) complets seront à rendre le 26 avril 2026 au plus tard. Les propositions seront évaluées par le comité de rédaction, conformément aux usages de la revue. Il est possible d’insérer jusqu’à 10 images en 300 dpi, légendées et libres de droits.

Informations

Appel à contribution d’articles pour les Varia – Théia. Revue d’histoire et d’histoire de l’art

Date de rendu des « Varia » : 27 février 2026

Retour du comité de rédaction : 27 mars 2026

Publication : Novembre 2026

Theia. Revue d’histoire et histoire de l’art est une revue scientifique en Open Access consacrée à la recherche en histoire et en histoire de l’art des périodes modernes et contemporaines (XVe s.-XXIe s.). Son objectif est de proposer un support de publication rapide, selon un processus rigoureux, en faisant appel à la communauté scientifique à partir de thématiques liées aux axes du Laboratoire de Recherches en Histoire Rhône-Alpes (LARHRA UMR 5190). Les interactions entre histoire et histoire de l’art, par le biais notamment des cultures visuelles et matérielles, forment un des socles importants de la revue. La revue permet l’échange et la collaboration entre jeunes chercheurs et chercheurs confirmés selon le principe du Peer Review. Les articles sont publiés dans l’une des cinq langues suivantes : français, anglais, espagnol, italien, allemand.

Le numéro thématique 2026 coordonné par coordonné par Audrey Colonel, Stéphane Gal et Erika Wicky porte sur « Histoire expérimentale et sensorialités ».

En complément du numéro thématique, les chercheurs sont invités à soumettre des articles destinés à la section Varia. Les Varia peuvent, par exemple, accueillir des comptes-rendus de journée d’études ou de colloques, ou des articles non liés à la thématique principale du numéro.

Modalités de soumission :

 Les articles, avec une courte bio-bibliographie de l’auteur, devront être adressées à l’adresse suivante : Joana.Barreto@univ-lyon2.fr

Les premières versions des varia (entre 35 000 et 55 000 signes) complets seront à rendre le 27 février 2026. Les propositions seront évaluées ensuite de manière anonyme, à partir du principe de l’expertise en double aveugle (peer review), conformément aux usages de la revue. Il est possible d’insérer jusqu’à 10 images en 300 dpi, légendées et libres de droits.

Informations

 

Appel à communications – Cultures de la violence et résistances féminines : les réceptions des mythes grecs antiques du XIVe au XXIe siècle, en Europe et au-delà

English version below

Cultures de la violence et résistances féminines : les réceptions des mythes grecs antiques du XIVe au XXIe siècle, en Europe et au-delà

Colloque international ERC AGRELITA

10-12 juin 2026 à l’Université de Caen Normandie

Parmi les réceptions modernes et contemporaines de l’Antiquité, une effervescence d’écritures concernant les figures féminines mythiques de la Grèce antique frappe l’attention. Dans de multiples adaptations dramatiques, fictions romanesques ou bandes dessinées – la liste n’est pas exhaustive et ces œuvres sont souvent liées à des représentations visuelles –, des auteurs et des autrices donnent une voix et une intériorité à des figures féminines que les textes antiques et nombre de leurs réceptions ultérieures subordonnaient souvent aux héros masculins, en les invisibilisant, en les réduisant à un rôle de faire-valoir ou en représentant et justifiant les violences symboliques et physiques, psychologiques et/ou politiques qui leur sont infligées.

Loin du point de vue masculin jusqu’alors dominant, ces adaptations imaginent alors souvent comment ces femmes ont vécu elles-mêmes leur propre histoire, comment elles ont enduré ces violences et tenté d’y résister. Beaucoup des fictions romanesques récentes sont explicitement militantes et féministes dans le contexte d’une parole et d’une écoute accrues sur les violences subies par les femmes, et de l’affirmation de révoltes. Quelques exemples de réception : Circé, qui dans la poésie homérique tisse en chantant tout en maîtrisant la science des phármaka devient la protagoniste du roman éponyme de Madeline Miller (2018). Margaret Atwood – auteure devenue mondialement célèbre grâce au succès de la série The Handmaid’s Tale, adaptée de son roman dystopique où les femmes ne servent à la société que comme reproductrices de leurs maîtres – réécrit quant à elle l’Odyssée, cette fois à partir du témoignage de Pénélope dans The Penelopiad (2005) et de celui de ses servantes, qui chantaient en chœur mais demeuraient ignorées. Plus récemment encore, The Golden Apple Trilogy d’Emily Hauser (2016-2018) et A Thousand Ships de Nathalie Haynes (2019) évoquent la guerre de Troie du point de vue des Troyennes.

La multiplication des adaptations théâtrales mettant en scène des figures féminines grecques, en Europe mais aussi dans les Amériques, en Afrique, au Moyen Orient et en Asie, particulièrement dans le contexte postcolonial, font souvent se rejoindre la représentation de violences contre les femmes et la dénonciation de violences émanant des systèmes coloniaux, racistes et esclavagistes, de discriminations multiples et/ou de régimes politiques autoritaires. Citons, parmi de très nombreuses adaptations, Malintzin, Medea americana, de Jesús Sotelo Inclán (1957, Mexique), La pasion segun Antigona Pérez de Luis Rafael Sánchez (1968, Porto Rico), Gota d’Agua de Paulo Pontes et Chico Buarque (1975, Brésil), Antígona de José Watanabe (1999, Pérou), Medea, l’adaptation de Médée par Satoshi Miyagi (1999, Japon), Tegonni : An African Antigone de Femi Osofisan (1999, Niger), Mojada de Luis Alfaro (Etats-Unis, 2013), Yocasta de Mariana Percovich (2003, Uruguay), ou encore Antigone in the Amazon de Milo Rau (2023).

Ces œuvres modernes et contemporaines, écrites dans des contextes culturels si divers, trouvent ainsi dans les mythes antiques un support privilégié pour la représentation et souvent la dénonciation des violences perpétrées contre les femmes. Les réceptions s’élaborent alors en résonnance avec les contextes politiques, sociaux et culturels des auteurs et autrices : l’appropriation et la transformation de textes de la culture de celui qui est le plus souvent le colonisateur constituent des actes d’affirmation et d’émancipation – phénomène qui n’exclut pas non plus, a priori, l’existence de réécritures qui continueraient à justifier la violence des traditions patriarcales. Le fait que ces réceptions dépassent l’espace européen leur donne une dimension transculturelle dont l’analyse est à poursuivre quant au regard porté sur les femmes.

Cette effervescence de réécritures aux XXe et XXIe siècles, en Europe et dans les autres continents, est aussi une réponse aux textes antiques et/ou aux réceptions textuelles et visuelles de ces textes et mythes antiques qui ont vu le jour du Moyen Âge au XIXe siècle. Nombre des réceptions du Moyen Âge et des siècles suivants – mais pas toutes, nous allons y venir – exaltent en effet la soumission à l’autorité masculine de ces figures féminines grecques, nient ou justifient les violences contre elles, à commencer par la violence sexuelle et les viols, si souvent représentés comme des scènes d’union amoureuse et esthétisés dans les œuvres d’art, et en définitive légitimés par une culture du viol qui n’a pas attendu sa définition moderne pour exister.

Si les concepts des études de genre et ceux des études postcoloniales doivent toujours être historicisés et associés à une contextualisation des textes et des œuvres d’art, il reste que les stratégies de légitimation des violences faites aux femmes – ce que nous appelons les « cultures de la violence » – aussi bien que les points de vue inverses sur les violences subies, sur l’absence de consentement, sur les souffrances endurées, sur les résistances ou tentatives de résistances féminines, se lisent déjà dans certaines réceptions européennes des mythes antiques à partir du Moyen Âge, surtout avec la floraison, à partir du XIVe siècle, des réécritures et adaptations des textes d’Ovide et des mythographes latins médiévaux. Si les cultures de la violence dominent certes très largement pendant des siècles, des voix se sont en effet élevées contre elles. C’est le cas en France au moins depuis la querelle dite du Roman de la Rose, lancée par Christine de Pizan à la fin du XIVe siècle, dans ses lettres en réponse au discours misogyne de Jean de Meung dans le Roman de la Rose. S’ensuit la « Querelle des femmes », un débat sur la promotion et l’émancipation des femmes qui perdure pendant cinq siècles dans une partie de l’Europe, mais dont la réalité historique a longtemps été occultée, comme l’a étudié Éliane Viennot. Dans sa Cité des Dames, Christine de Pizan répond explicitement au discours misogyne de l’auteur latin Matheolus, très diffusé, mais parfois aussi implicitement au regard très ambigu de Boccace dans son De mulieribus claris : elle imagine et retrace l’élaboration symbolique d’une cité féminine, qui, tout en revendiquant et prouvant l’apport fondateur des femmes dans l’histoire de l’humanité depuis l’Antiquité, doit également leur servir de refuge. Ainsi s’agit-il de rendre visible ce que nous appelons maintenant le « matrimoine » et aussi de refuser les violences masculines, à commencer par le discours prônant la supposée infériorité des femmes. De très nombreux recueils sur les femmes illustres sont écrits pendant plusieurs siècles ; très souvent ils réélaborent des mythes grecs antiques. Jennifer Tamas a aussi récemment montré comment certaines œuvres de la littérature classique ont prêté à des femmes, notamment certaines héroïnes grecques, le pouvoir de résister et de dire « non ».

Le questionnement sur les cultures de la violence et du viol est donc bien plus ancien qu’on ne l’affirme souvent, et le procès en anachronisme ou en militantisme parfois lancé sur les études critiques menées sur ces thèmes dans les œuvres du Moyen Âge et des siècles postérieurs mérite ainsi d’être écarté.

Qui plus est, dans le parcours de constitution des études sur les femmes de l’Antiquité grecque – dont les travaux démontrent solidement la présence dans des dimensions de la vie jusqu’alors niées par certaines sources et par toute une tradition misogyne qui s’était construite à partir d’elles –, le développement des recherches sur la réception a permis de renouveler notre compréhension de certaines figures féminines du monde antique. Ces recherches ne se limitent pas à l’Antiquité elle-même : elles s’en inspirent, la questionnent et projettent sur elle de nouvelles problématiques. Des travaux allant de Women in the Ancient World: The Arethusa Papers, dirigé par John Peradotto et John Patrick Sullivan (1978), au projet Eurykleia – celles qui avaient un nom (Sandra Boehringer, Adeline Grand-Clément, Sandra Péré-Noguès et Violaine Sebillotte Cuchet, 2015), en passant par Reflections of Women in Antiquity (1978) d’Hélène Foley et Women in Greek Myth (1986) de Mary Lefkowitz, montrent également que, grâce à des stratégies variées, les femmes répondaient aux violences masculines, souvent en mettant en tension les discours dominants. Par-delà la compréhension du monde antique, les études de réception qui portent sur les héroïnes grecques mythiques et réécrivent parfois leur histoire ont aussi débouché sur une réflexion concernant la relation que les contextes postérieurs souhaitaient établir avec l’Antiquité, que ce soit pour renforcer ou pour contester la culture du viol, comme l’ont montré plusieurs études récentes (Rosanna Lauriola, 2022 ; Susan Deacy, José Malheiro Magalhães et Jean Zacharski Menzies, 2023).

Il ne nous apparaît ainsi plus possible de lire les adaptations des mythes grecs relatifs aux violences infligées aux femmes sans exploiter et au besoin discuter les concepts élaborés dans le champ des études de genre (par exemple, mais sans exclure d’autres concepts, la culture du viol, l’agentivité, le male gaze, le savoir situé, l’intersectionnalité). Ces concepts permettent en effet de mieux appréhender et analyser les représentations de la violence dans les fictions littéraires adaptées des mythes antiques, de mieux déchiffrer les stratégies fréquentes de justification et aussi, inversement, les dénonciations, ainsi que, souvent, les mises en scène de réactions féminines.

Ce sont en effet ces réécritures de mythes grecs et leurs figurations d’une violence multiforme envers les femmes, ainsi que les résistances ou tentatives de résistance qu’elles lui opposent parfois, que nous voudrions interroger lors de ce colloque. Le corpus envisagé est très vaste : ce sont les textes écrits sur une large diachronie, du XIVe au XXIe siècle, en Europe et hors d’Europe, avec, le cas échéant, les images qui les illustrent ou bien les données de la mise en scène dramatique. Il s’agira de questionner les regards qui sous-tendent ces représentations, en lien avec les contextes de référence. L’étude de la réception de la violence exercée contre les femmes dans les mythes grecs permettra aussi de mettre en évidence les points communs et les différences, les évolutions et les mutations entre les systèmes de pensée propres à l’Antiquité grecque et ceux des époques postérieures, et de s’interroger sur les différentes perceptions de la violence/des violences et sur les différentes attitudes qui sont prêtées aux femmes face à ces violences et qui suscitent des jugements divers.

Comment les auteurs et autrices s’emparent-ils des mythes grecs et comment les adaptations de ces derniers prennent-elles position, explicitement ou implicitement, au sein des débats idéologiques de leur époque sur la place des femmes dans la société et sur les relations politiques et sociales de domination et de violence ? On reconnaît aujourd’hui dans ces récits mythiques des violences physiques, mais aussi une violence symbolique de genre, telle que la définit Pierre Bourdieu, imposée par un système de domination masculine (culpabilisation, normes, langage, discours…) : ainsi, bien que les violences envers les femmes soient la plupart du temps commises par des hommes, on rencontre également dans les mythes grecs des formes de violence infligées à des femmes par des femmes (Athéna à l’encontre d’Arachné, Junon Athéna à l’encontre de Latone, etc.), et ces dernières relèvent elles aussi de ce système patriarcal, en tant que punitions qui sanctionnent des désobéissances à l’ordre imposé par une société androcentrée.

D’un texte, d’un contexte et d’une époque à l’autre, quels actes ou quelles situations ont été considérés comme violents par les auteurs et autrices qui ont repris ces mythes ? Quels jugements moraux ont-ils émis à l’encontre des personnages ? Qui ont-ils reconnu comme coupable et à quel titre ? Quelles résistances sont prêtées aux femmes et quels commentaires sont portés sur elles, notamment sur celles qui prennent parfois la forme de vengeance ? Quelles différences peut-on relever entre les points de vue de ces auteurs et autrices de réceptions des mythes grecs et ceux des auteurs des sources qu’ils retravaillent, que ces dernières soient antiques ou postérieures (dans le cas où ce sont déjà des réceptions de textes antiques) ?

Il s’agira aussi d’étudier comment les représentations et les enjeux des violences et des relations de domination ont pu évoluer en fonction des textes antiques que les auteurs s’approprient et adaptent. Du XIVe au XVIIe siècle en Europe, Ovide est alors une source majeure : ses Métamorphoses et ses Héroïdes suscitent d’innombrables réceptions textuelles et visuelles, avec d’emblée une pluralité de regards sur ces violences, et cela dès les XVe et XVIe siècles. Des exemples très frappants sont par exemple donnés par les différents récits consacrés à Arachné et aussi à Philomèle, ainsi que par les réécritures et les adaptations des Héroïdes d’Ovide. Les œuvres d’Ovide ont été revisitées jusqu’à nos jours, avec un regain d’influence dans les romans contemporains. D’autres sources latines ont pu être exploitées, comme les tragédies de Sénèque. Mais surtout, lorsqu’en Europe occidentale l’enseignement du grec reprend et que les textes littéraires grecs sont redécouverts, les tragédies antiques deviennent des sources d’inspiration majeures et, à travers leurs innombrables adaptations, des réceptions multiples de mythes grecs féminins perdurent pendant des siècles. L’étude de la pluralité des regards qu’ils portent sur la violence à l’encontre des femmes reste encore à approfondir.

Enfin, comment les représentations de ces violences infligées aux femmes évoluent-elles dans le temps et dans l’espace, du XIVe au XXIe siècle ? Les mythes grecs relatifs aux violences contre les femmes suscitent de nombreuses adaptations à partir du XIVe en France et en Europe occidentale et ce, jusqu’à nos jours. Ce processus d’appropriation commence bien plus tard hors d’Europe, dans les Amériques, en Afrique, au Moyen Orient et en Asie, mais il s’y affirme avec une grande vitalité. Quels sont les contextes géographiques et historiques, les facteurs politiques et sociaux qui ont suscité et nourri hors d’Europe cette réception abondante ? Si les adaptations semblent d’abord liées aux mouvements de libération des empires coloniaux, elles perdurent pour dénoncer d’autres formes de pouvoir autoritaire. Quelles nouvelles représentations et interprétations des violences faites aux femmes véhiculent-elles ? Quelles résistances prêtent-elles aux femmes et avec quels regards ?

L’objectif de ce colloque est ainsi de réfléchir, sur une large diachronie et dans une perspective transculturelle, aux modalités selon lesquelles les réceptions des mythes grecs ont représenté la violence contre les femmes, en la perpétuant ou en la combattant. Il s’agira également d’examiner les ressorts et les enjeux de ce processus de réception, c’est-à-dire de réappropriation, de lecture critique et de transformation. Pourquoi, comment et dans quelles circonstances ces mythes grecs ont-ils été mobilisés pour exprimer les défis d’autres contextes socio-historiques ? Dans quelle mesure le concept de « réception » constitue-t-il un outil théorique pertinent pour l’analyse de ces représentations des violences faites aux femmes et des résistances prêtées à ces dernières ?

Modalités de soumission

Les propositions de communication, en français ou en anglais (titre et résumé de 200-300 mots), sont à adresser, accompagnées d’un bref CV, au plus tard le 15 janvier 2026 aux adresses suivantes :

Après examen des propositions, l’acceptation sera notifiée vers la mi-février 2026.

Les frais de déplacement et d’hébergement seront pris en charge selon les modalités de l’Université de Caen Normandie.

Les actes du colloque seront publiés dans la collection « Recherches sur les Réceptions de l’Antiquité » de Brepols (https://www.brepols.net/series/RRA). Les articles proposés devront être inédits.

Organisation

  • Catherine Gaullier-Bougassas, Professeure des universités en langue et littérature médiévales françaises, ERC Agrelita (Principal Investigator), CRAHAM (UMR 6273), Université de Caen Normandie
  • Lorena Lopes da Costa, Professeure associée d’histoire ancienne, Université fédérale de Rio de Janeiro (UFRJ)
  • Lorène Bellanger, Project Manager ERC Agrelita, CRAHAM (UMR 6273), Université de Caen Normandie
  • Julie Labregère, Post-doctorante ERC Agrelita, CRAHAM (UMR 6273), Université de Caen Normandie
  • Giulia Parma, Post-doctorante ERC Agrelita, CRAHAM (UMR 6273), Université de Caen Normandie
  • Adrian Faure, Post-doctorant ERC Agrelita, CRAHAM (UMR 6273), Université de Caen Normandie

ERC Advanced Grant AGRELITA • The Reception of Ancient Greece in Premodern French Literature and Illustrations of Manuscripts and Printed Books (1320–1550): How Invented Memories Shaped the Identity of European Communities.

The AGRELITA project was launched on October 1st, 2021. It is a 6-year project (2021-2027), which has received funding from the European Research Council (ERC) under the European Union’s Horizon 2020 research and innovation program (Grant Agreement n°101018777).

En savoir plus sur le projet : https://agrelita.hypotheses.org/


Cultures of violence and female resistance: receptions of ancient Greek myths from the 14th to the 21st century, in Europe and beyond

International conference • ERC AGRELITA

June 10-12, 2026 at the University of Caen Normandie

Among modern and contemporary interpretations of Antiquity, there is a striking proliferation of writings about mythical female figures from ancient Greece. In numerous dramatic adaptations, novels, and comic books—the list is not exhaustive, and these works are often linked to visual representations—authors give voice and interiority to female figures who, in ancient texts and many of their later interpretations, were often subordinated to male heroes, rendered invisible, reduced to supporting roles, or depicted as deserving of the symbolic, physical, psychological, and/or political violence inflicted upon them.

Far from the previously dominant male perspective, these adaptations often imagine how these women themselves experienced their own stories, how they endured this violence and attempted to resist it. Many recent works of fiction are explicitly militant and feminist in the context of increased discussion and awareness of violence against women and the affirmation of revolts. Some examples of reception: Circe, who in Homeric poetry weaves while singing and mastering the science of phármaka, becomes the protagonist of Madeline Miller’s eponymous novel (2018). Margaret Atwood—an author who became world famous thanks to the success of the series The Handmaid’s Tale, adapted from her dystopian novel in which women serve society only as reproducers for their masters—rewrites The Odyssey, this time from the perspective of Penelope in The Penelopiad (2005) and that of her maids, who sang in chorus but remained ignored. More recently, Emily Hauser’s The Golden Apple Trilogy (2016-2018) and Nathalie Haynes’ A Thousand Ships (2019) evoke the Trojan War from the perspective of the Trojan women.

The increasing number of theatrical adaptations featuring Greek female characters, not only in Europe but also in the Americas, Africa, the Middle East, and Asia, particularly in the postcolonial context, often combines the representation of violence against women with the denunciation of violence perpetrated by colonial, racist, and slave-owning systems, multiple forms of discrimination, and/or authoritarian political regimes. We can mention, among many adaptations, Malintzin, Medea americana, by Jesús Sotelo Inclán (1957, Mexico), La pasion segun Antigona Pérez by Luis Rafael Sánchez (1968, Puerto Rico), Gota d’Agua by Paulo Pontes and Chico Buarque (1975, Brazil), Antígona by José Watanabe (1999, Peru), Medea, the adaptation of Medea by Satoshi Miyagi (1999, Japan), Tegonni: An African Antigone by Femi Osofisan (1999, Niger), Mojada by Luis Alfaro (United States, 2013), Yocasta by Mariana Percovich (2003, Uruguay), and Antigone in the Amazon by Milo Rau (2023).

These modern and contemporary works, written in such diverse cultural contexts, thus find in ancient myths a privileged medium for representing and often denouncing violence against women. Their reception is shaped by the political, social, and cultural contexts of their authors: the appropriation and transformation of texts from the culture of what is most often the colonizer constitute acts of affirmation and emancipation—a phenomenon that a priori does not exclude the existence of rewritings which continue to justify the violence of patriarchal traditions. The fact that these receptions extend beyond Europe gives them a transcultural dimension, which warrants further analysis in terms of how women are viewed.

This proliferation of rewritings in the 20th and 21st centuries, in Europe and on other continents, is also a response to ancient texts, and/or to textual and visual receptions of these ancient texts and myths that emerged from the Middle Ages to the 19th century. Many of the receptions of the Middle Ages and subsequent centuries—but not all, as we shall see—exalt the submission of these Greek female figures to male authority, denying or justifying violence against them, starting with sexual violence and rape, so often depicted as scenes of loving union and aestheticized in works of art, and ultimately legitimized by a culture of rape that did not wait for its modern definition to exist.

While the concepts of gender studies and postcolonial studies must always be historicized and contextualized in relation to texts and works of art, the fact remains that strategies for legitimizing violence against women—what we call “cultures of violence”—as well as opposing views on the violence suffered, the absence of consent, the suffering endured, and women’s resistance or attempts at resistance, can already be seen in certain European interpretations of ancient myths from the Middle Ages onwards, especially with the flourishing, from the 14th century onwards, of rewritings and adaptations of the texts of Ovid and medieval Latin mythographers. While cultures of violence certainly dominated for centuries, voices were raised against them. This was the case in France at least since the so-called Roman de la Rose controversy, launched by Christine de Pizan at the end of the 14th century in her letters responding to Jean de Meung’s misogynistic discourse in the Roman de la Rose. This was followed by the “Querelle des femmes” (Quarrel of Women), a debate on the promotion and emancipation of women that lasted for five centuries in part of Europe, but whose historical reality was long been obscured, as Éliane Viennot studied. In her Cité des Dames, Christine de Pizan responds explicitly to the misogynistic discourse of the Latin author Matheolus, which was widely circulated, but sometimes also implicitly to Boccaccio’s very ambiguous view in his De mulieribus claris: she imagines and traces the symbolic development of a city of women, which, while claiming and proving the fundamental contribution of women to the history of humanity since Antiquity, must also serve as a refuge for them. The aim is to make visible what we now call “matrimony” and also to reject male violence, starting with the discourse advocating the supposed inferiority of women. Numerous collections on illustrious women have been written over several centuries, very often reworking ancient Greek myths. Jennifer Tamas also recently showed how certain works of classical literature have given women, including some Greek heroines, the power to resist and say “no.”

The questioning of cultures of violence and rape is therefore much older than is often claimed, and the accusations of anachronism or activism sometimes levelled at critical studies of these themes in works from the Middle Ages and later centuries should therefore be dismissed.

What is more, in the course of establishing studies on women in ancient Greece—whose work solidly demonstrates their presence in areas of life previously denied by certain sources and by a whole misogynistic tradition that had been built up around them—the development of reception research has enabled us to renew our understanding of certain female figures in the ancient world. This research is not limited to Antiquity itself: it draws inspiration from it, questions it, and projects new issues onto it. Works ranging from Women in the Ancient World: The Arethusa Papers, edited by John Peradotto and John Patrick Sullivan (1978), to the project Eurykleia – celles qui avaient un nom (Sandra Boehringer, Adeline Grand-Clément, Sandra Péré-Noguès, and Violaine Sebillotte Cuchet, 2015), as well as Reflections of Women in Antiquity (1978) by Hélène Foley and Women in Greek Myth (1986) by Mary Lefkowitz, also show that, through various strategies, women responded to male violence, often by challenging dominant discourses. Beyond understanding the ancient world, reception studies that focus on mythical Greek women and sometimes rewrite their stories have also led to a reflection on the relationship that later contexts sought to establish with Antiquity, whether to reinforce or challenge rape culture, as several recent studies have shown (Rosanna Lauriola, 2022; Susan Deacy, José Malheiro Magalhães, and Jean Zacharski Menzies, 2023).

It therefore no longer seems possible to read adaptations of Greek myths relating to violence against women without exploiting and, where necessary, discussing concepts developed in the field of gender studies (for example, but without excluding other concepts, rape culture, agency, the male gaze, situated knowledge, and intersectionality). These concepts allow us to better understand and analyze representations of violence in literary adaptations of ancient myths, to better decipher the frequent strategies of justification and, conversely, denunciations, as well as, often, the staging of female reactions.

It is these rewritings of Greek myths and their depictions of multifaceted violence against women, as well as the resistance or attempts at they sometimes oppose to it, that we would like to examine during this conference. The corpus under consideration is very broad: it includes texts written over a long period, from the 14th to the 21st century, in Europe and beyond, with, where appropriate, the images that illustrate them or the data from dramatic performances. The aim will be to question the perspectives underlying these representations in relation to their contexts of reference. Studying how violence is portrayed in Greek myths will also highlight the similarities and differences, developments, and changes between the systems of thought specific to Greek Antiquity and those of later periods, and to examine the different perceptions of violence/violences and the different attitudes which are attributed to women in the face of such violence, and which give rise to diverse judgments.

How do authors approach Greek myths, and how do adaptations of these myths take a stance, either explicitly or implicitly, within the ideological debates of their time on the place of women in society and on political and social relations of domination and violence? Today, we recognize in these mythical narratives not only physical violence, but also symbolic gender violence, as defined by Pierre Bourdieu, imposed by a system of male domination (guilt, norms, language, discourse, etc.): thus, although violence against women is mostly committed by men, Greek myths also feature forms of violence inflicted on women by women (Athena on Arachne, Juno on Latona, etc.), and these too are part of this patriarchal system, as punishments for disobeying the order imposed by an androcentric society.

From one text, context, and era to another, what acts or situations were considered violent by the authors who revisited these myths? What moral judgments did they make about the characters? Who did they recognize as guilty and on what grounds? What forms of resistance are attributed to women and what comments are made about them, particularly those that sometimes take the form of revenge? What differences can be noted between the points of view of these authors who have reworked Greek myths and those of the authors of their sources they have reworked, whether ancient or later (already receptions of ancient texts)?

We will also examine how representations and issues surrounding violence and power relations have evolved based on the ancient texts that authors have appropriated and adapted. From the 14th to the 17th century in Europe, Ovid was a major source: his Metamorphoses and Heroides inspired countless textual and visual interpretations, with a plurality of perspectives on these acts of violence from the outset, as early as the 15th and 16th centuries. Striking examples can be found in the various stories devoted to Arachne and Philomela, as well as in the rewritings and adaptations of Ovid’s Heroides. Ovid’s works have inspired rewritings and adaptations to this day, with a resurgence of influence in contemporary novels. Other Latin sources have also been exploited, such as Seneca’s tragedies. But above all, when the teaching of Greek resumed in Western Europe and Greek literary texts were rediscovered, ancient tragedies became major sources of inspiration and, through their countless adaptations, multiple receptions of Greek myths about women persisted for centuries. The study of the plurality of their perspectives on violence against women still needs to be explored in greater depth.

Finally, how did representations of violence against women evolve over time and space, from the 14th to the 21st century? Greek myths relating to violence against women have inspired numerous adaptations since the 14th century in France and Western Europe, continuing to the present day. This process of appropriation began much later outside Europe, in the Americas, Africa, the Middle East, and Asia, but it has taken root there with great vitality. What are the geographical and historical contexts, and the political and social factors that gave rise to and fueled this abundant reception outside Europe? While the adaptations initially seem to be linked to the liberation movements from the colonial empires, they continue to denounce other forms of authoritarian power. What new representations and interpretations of violence against women do they convey? What resistance do they lend to women and from what perspectives?

The aim of this conference is therefore to reflect, from a broad diachronic and transcultural perspective, on the ways in which the reception of Greek myths has represented violence against women, either perpetuating it or combating it. It will also examine the drivers and challenges of this process of reception, i.e., reappropriation, critical reading, and transformation. Why, how, and in what circumstances have these Greek myths been mobilized to express the challenges of other socio-historical contexts? To what extent is the concept of “reception” a relevant theoretical tool for analyzing these representations of violence against women and the resistance attributed to them?

Submission Guidelines

Proposals for papers, in French or English (title and abstract of 200-300 words), should be sent, along with a brief CV, no later than January 15, 2026, to the following addresses:

After review of the proposals, acceptance will be notified around mid-February 2026.

Travel and accommodation expenses will be covered according to the terms and conditions of the University of Caen Normandy.

The conference proceedings will be published in the collection “Recherches sur les réceptions de l’Antiquité” by Brepols (https://www.brepols.net/series/RRA).

Proposed articles must be unpublished.

Organization

  • Catherine Gaullier-Bougassas, University Professor of Medieval French Language and Literature, ERC Agrelita (Principal Investigator), CRAHAM (UMR 6273), University of Caen Normandie
  • Lorena Lopes da Costa, Associate Professor of Ancient History, Federal University of Rio de Janeiro (UFRJ)
  • Lorène Bellanger, Project Manager, ERC Agrelita, CRAHAM (UMR 6273), University of Caen Normandie
  • Julie Labregère, Postdoctoral Fellow, ERC Agrelita, CRAHAM (UMR 6273), University of Caen Normandie
  • Giulia Parma, Postdoctoral Fellow, ERC Agrelita, CRAHAM (UMR 6273), University of Caen Normandie
  • Adrian Faure, Postdoctoral Fellow, ERC Agrelita, CRAHAM (UMR 6273), University of Caen Normandie

ERC Advanced Grant AGRELITA • The Reception of Ancient Greece in Premodern French Literature and Illustrations of Manuscripts and Printed Books (1320–1550): How Invented Memories Shaped the Identity of European Communities.

The AGRELITA project was launched on October 1st, 2021. It is a 6-year project (2021-2027), which has received funding from the European Research Council (ERC) under the European Union’s Horizon 2020 research and innovation program (Grant Agreement n°101018777).

For more information, see https://agrelita.hypotheses.org/.

Appel à communications – Réception de la Grèce ancienne par le dialogue entre textes et images dans et hors du livre (XIVe-XVIe siècle) (ERC AGRELITA)

English version below

La réception de la Grèce ancienne en Europe par le dialogue entre textes et images dans et hors du livre (XIVe-XVIe siècle)

Colloque international – ERC AGRELITA

Informations pratiques

Dates: 18-19 juin 2026

Lieu:  Université de Caen Normandie

Ce colloque propose d’explorer la réception littéraire, artistique et culturelle de la Grèce ancienne au prisme des relations entre les textes et les images en Europe, du XIVe au XVIe siècle. Comment associe-t-on les différentes formes du visuel et du textuel dans ce contexte ? Comment l’alliance entre le texte et l’image a-t-elle été intégrée dans les processus de la réception de la Grèce ancienne au sens large du terme défini par Lorna Hardwick, c’est-à-dire à la fois la réception de ses savoirs et de ses textes, et l’élaboration de représentations de la Grèce ancienne ? Qu’apporte la collaboration de la création littéraire et de la création visuelle aux différentes formes de la réception de la Grèce ancienne ? Quels aspects de l’Antiquité grecque, réelle ou imaginée, sont particulièrement mis en valeur grâce au dialogue entre les textes et les images dans les œuvres littéraires, historiques et philosophiques ?

Le colloque aura lieu à l’Université de Caen Normandie les 18 et 19 juin 2026. Il portera sur le dialogue entre les textes écrits en Europe du XIVe au XVIe siècle (éditions, traductions et commentaires d’œuvres grecques antiques, mais aussi nouveaux textes littéraires, historiques, philosophiques, didactiques) et les images. Deux axes seront envisagés.

Le premier axe – textes et images dans le livre – concerne le dialogue entre textes et images à l’intérieur du livre manuscrit et imprimé, du point de vue de sa matérialité et de ses contenus. Il s’agira d’étudier les différents liens établis entre textes et images, les rôles donnés à l’image dans les multiples formes de réception de la Grèce ancienne et l’évolution de cette collaboration des représentations textuelles et visuelles du XIVe siècle au XVIe siècle. On s’intéressera aux différentes formes d’illustrations et de décorations qu’offrent les manuscrits et les imprimés (peintures, gravures, dessins, décorations marginales, frontispices, inscriptions…).

Le deuxième axe – textes et images hors du livre – porte sur la création d’images qui s’inscrivent en dehors du livre, mais qui prennent leur origine dans un ou des livres, et qui illustrent, développent ou retravaillent une tradition textuelle sur la Grèce ancienne et en contiennent une trace textuelle, un signe textuel (légende, inscription, poème sous l’image, phylactère, représentation d’un livre dans l’image ou l’objet visuel…). Ce corpus inclut diverses catégories d’œuvres appartenant aux arts visuels (dessins, gravures, emblèmes, peintures, sculptures, architectures…), aux arts décoratifs (ameublement, orfèvrerie, vitrail, tapisserie, objets précieux…), aux arts scéniques (cérémonies, théâtre, danse, opéra…) ou aux arts appliqués (mode, objets du quotidien…).

Ces deux axes nous engagent à réfléchir sur l’importance de l’intermédialité dans la réception de la Grèce ancienne, autrement dit sur les transferts de formes et de sens entre différents media qui contribuent à cette réception. Par ailleurs, l’approche intermédiale n’est pas née ex nihilo mais se fonde sur un héritage des théoriciens de l’Antiquité grecque, comme le souligne Jürgen E. Müller, qui a développé ce concept dans les années 1980. L’affirmation de liens étroits, voire d’une parenté entre les différents arts, est en effet très ancienne, puisqu’Aristote évoquait déjà, dans la Poétique, les similitudes entre le travail du poète et celui du peintre : « le poète est un auteur de représentations, tout comme le peintre ou tout autre faiseur d’images ». La célèbre formule du poète Horace, ut pictura poesis, se situe au cœur de la théorie des arts à la Renaissance, justifiant l’idée que le travail des peintres n’est pas moins noble que celui des écrivains. Si le dialogue des arts est fortement affirmé et valorisé à partir du XVIe siècle, il n’est cependant pas absent aux siècles précédents, bien que ce soit sous une forme moins théorisée.

La perspective de l’intermédialité permet ainsi d’aborder les processus de création et les transferts de forme et de sens entre texte et image au sein d’un vaste champ d’étude interdisciplinaire. Sans exclure d’autres approches, les propositions mettront en lumière des aspects encore peu explorés concernant la polyvalence des artistes, la circulation de modèles et les stratégies de représentation de la Grèce antique au sein de la transmission depuis les livres vers d’autres œuvres visuelles.

Dans l’espace du livre, notre premier axe, quels types de dialogue se nouent entre le texte et l’image, et dans quelles formes de livres illustrés ? Quels rôles jouent le texte par rapport à l’image qui l’illustre, et inversement, l’image muette par rapport au texte parlant ? L’image illustre le texte, elle complexifie une histoire ou, au contraire, simplifie le récit ; l’image interprète le texte, elle allégorise ou personnifie un concept, elle modifie parfois aussi sa signification, elle peut mettre en présence (« re-présenter ») ce qui n’est pas dit ; elle déploie une fonction d’ornement là où on ne l’attend pas nécessairement (dans la marge, par exemple), s’autonomisant peu à peu par rapport au texte.

D’autres questionnements sont soulevés par le deuxième axe : comment des images liées à la Grèce ancienne s’incarnent-elles en dehors de l’espace du livre, tout en s’inspirant de traditions textuelles sur la Grèce antique ? Comment révèlent-elles cet héritage par la présence dans l’image de textes courts ou de signes textuels ? et comment interpréter ces formes différentes de liens entre le texte et l’image, et ces dispositifs de mise en abyme ? Comment les artistes s’en emparent-ils dans leurs représentations de la Grèce ancienne ?

Les diverses modalités d’émergence et d’ordonnance de l’image vis-à-vis d’un texte ne s’excluent pas les unes des autres, et d’autres restent sans nul doute encore à étudier dans le champ des études sur la réception de la Grèce ancienne.

Modalités de soumission

Les propositions de communication, en français ou en anglais (titre et résumé de 200-300 mots), sont à adresser, accompagnées d’un bref CV, au plus tard le 15 décembre 2025 aux adresses suivantes :
catherine.gaullier-bougassas@unicaen.fr
lorene.bellanger@unicaen.fr

Après examen des propositions, l’acceptation sera notifiée vers le 15 janvier 2026.

Les frais de déplacement et d’hébergement seront pris en charge selon les modalités de l’Université de Caen Normandie.

Les actes du colloque seront publiés dans la collection « Recherches sur les Réceptions de l’Antiquité » de Brepols (https://www.brepols.net/series/RRA). Les articles proposés devront être inédits.

Organisation

• Catherine Gaullier-Bougassas, Professeure des universités en langue et littérature médiévales françaises, ERC Agrelita (Principal Investigator), CRAHAM (UMR 6273), Université de Caen Normandie
• Julie Labregère, Post-doctorante ERC Agrelita, CRAHAM (UMR 6273), Université de Caen Normandie
• Giulia Parma, Post-doctorante ERC Agrelita, CRAHAM (UMR 6273), Université de Caen Normandie
• Lorène Bellanger, Project Manager ERC Agrelita, CRAHAM (UMR 6273), Université de Caen Normandie

ERC Advanced Grant AGRELITA • The Reception of Ancient Greece in Premodern French Literature and Illustrations of Manuscripts and Printed Books (1320–1550) : How Invented Memories Shaped the Identity of European Communities.

The AGRELITA project was launched on October 1st, 2021. It is a 6-year project (2021-2027), which has received funding from the European Research Council (ERC) under the European Union’s Horizon 2020 research and innovation programme (grant agreement No 101018777).

En savoir plus sur le projet : https://agrelita.hypotheses.org/

 

The reception of ancient Greece in Europe through the dialogue between texts et images inside and outside the book (14th-16th century)

International conference – ERC AGRELITA

Practical information

Date: 18-19 june 2026

Place: University of Caen Normandie

This conference aims to explore the literary, artistic, and cultural reception of ancient Greece through the prism of the relationships between texts and images in Europe from the 14th to the 16th century. How are the different visual and textual forms associated in this context? How was the alliance between text and image integrated into the processes of reception of ancient Greece, in the broad sense defined by Lorna Hardwick i.e., both the reception of its knowledge and texts, and the development of representations of ancient Greece? What does the collaboration between literary and visual creation bring to the various forms of reception of ancient Greece? What aspects of Greek antiquity, real or imagined, are particularly highlighted through the dialogue between texts and images in literary, historical, and philosophical works?

The conference will take place at the University of Caen Normandie on June 18–19, 2026. It will focus on the dialogue between texts written in Europe from the 14th to the 16th century (editions, translations, and commentaries on ancient Greek works, as well as new literary, historical, philosophical, and didactic texts) and images. Two main themes will be considered.

The first theme—texts and images in the book—concerns the dialogue between texts and images within manuscripts and printed books, from the perspective of their materiality and content. We will study the different links established between texts and images, the roles assigned to images in the multiple forms of reception of ancient Greece, and the evolution of this collaboration between textual and visual representations from the 14th to the 16th century. Attention will be given to the different forms of illustration and decoration found in manuscripts and printed works (paintings, engravings, drawings, marginal decorations, frontispieces, inscriptions, etc.).

The second theme—texts and images outside the book—focuses on the creation of images that exist outside the book but originate in one or more books, and that illustrate, develop, or rework a textual tradition about ancient Greece, containing a textual trace or sign (caption, inscription, poem beneath the image, speech scroll, representation of a book within the image or visual object, etc.). This corpus includes various categories of works belonging to visual arts (drawings, engravings, emblems, paintings, sculptures, architecture, etc.), decorative arts (furniture, goldsmithing, stained glass, tapestry, precious objects, etc.), performing arts (ceremonies, theater, dance, opera, etc.), or applied arts (fashion, everyday objects, etc.).

These two themes invite reflection on the importance of intermediality in the reception of ancient Greece, in other words on the transfers of form and meaning between different media that contribute to this reception. Furthermore, the intermedial approach is not born ex nihilo but is founded on a legacy from the theorists of ancient Greek, as Jürgen E. Müller has pointed out, developing this concept in the 1980s. The assertion of close links, even kinship, between the different arts is indeed ancient, as Aristotle already noted, in his Poetics, the similarities between the work of the poet and that of the painter: “the poet is a maker of representations, just like the painter or any other maker of images.” Horace’s famous formula, ut pictura poesis, lies at the heart of Renaissance art theory, justifying the idea that the work of painters is no less noble than that of writers. While the dialogue between the arts was strongly affirmed and valued from the 16th century onward, it was not absent in previous centuries, albeit in a less theorized form.

The intermedial perspective thus allows us to address the processes of creation and the transfers of form and meaning between text and image within a vast interdisciplinary field of study. Without excluding other approaches, proposals will highlight aspects still little explored concerning the versatility of artists, the circulation of models, and the strategies of representation of ancient Greece in the transmission from books to other visual works.

Within the space of the book, our first theme, what types of dialogue are established between text and image, and in what forms of illustrated books? What roles does the text play in relation to the image that illustrates it, and conversely, the silent image to the speaking text? The image illustrates the text, complicates a story, or, on the contrary, selects and simplifies the narrative; the image interprets the text, allegorizes or personifies a concept, sometimes alters its meaning, and can make present (“re-present”) what is not said; it deploys an ornamental function where it is not necessarily expected (in the margin, for example), gradually gaining autonomy from the text.

Other questions are raised by the second theme: how do images related to ancient Greece take shape outside the space of the book, while drawing on textual traditions about ancient Greece? How do they reveal this heritage through the presence of short texts or textual signs on the image? And how to interpret these different forms of links between text and image, and these devices of mise en abyme? How do artists use them in their representations of ancient Greece?

The various ways in which images emerge and are arranged in relation to texts do not exclude each other, and others undoubtedly remain to be studied in the field of reception studies of ancient Greece.

Submission guidelines

Proposals for papers, in French or English (title and abstract of 200–300 words), should be submitted along with a brief CV by December 15, 2025 to the following addresses:
catherine.gaullier-bougassas@unicaen.fr
lorene.bellanger@unicaen.fr

After review, notification of acceptance will be sent by January 15, 2026.

Travel and accommodation expenses will be covered according to the regulations of the University of Caen Normandie.

The conference proceedings will be published in Brepols’ series Recherches sur les Réceptions de l’Antiquité (https://www.brepols.net/series/RRA). Submitted articles must be original and previously unpublished.

Organization


• Catherine Gaullier-Bougassas, Professor of Medieval French Language and Literature, ERC Agrelita (Principal Investigator), CRAHAM (UMR 6273), Université de Caen Normandie
• Julie Labregère, Postdoctoral Researcher, ERC Agrelita, CRAHAM (UMR 6273), Université de Caen Normandie
• Giulia Parma, Postdoctoral Researcher, ERC Agrelita, CRAHAM (UMR 6273), Université de Caen Normandie
• Lorène Bellanger, Project Manager, ERC Agrelita, CRAHAM (UMR 6273), Université de Caen Normandie

ERC Advanced Grant AGRELITA • The Reception of Ancient Greece in Premodern French Literature and Illustrations of Manuscripts and Printed Books (1320–1550): How Invented Memories Shaped the Identity of European Communities.

The AGRELITA project was launched on October 1st, 2021. It is a 6-year project (2021–2027), which has received funding from the European Research Council (ERC) under the European Union’s Horizon 2020 research and innovation programme (grant agreement No 101018777).

For more information on the project: https://agrelita.hypotheses.org/

 

Appel à communications – Empires, Colonialism and the History of International Law – An Encounter with Prof. Lauren Benton

À l’occasion de la venue et conférence de la Pr. Lauren Benton (Université Yale) au Louvain Lab for Law, History and Society (LHS) à l’UCLouvain le 15 octobre 2025, est organisé un atelier doctoral ouvert à tous les doctorants et doctorantes en droit, histoire et histoire du droit de Belgique. Cet atelier prend la forme d’une rencontre entre Lauren Benton et les jeunes chercheurs et chercheuses, afin qu’ils et elles puissent dialoguer autour de leurs recherches doctorales pouvant porter sur l’une des thématiques suivantes :

  • L’histoire du droit et de la justice, toutes périodes confondues
  • L’histoire des empires
  • L’histoire globale et comparée
  • L’histoire coloniale et l’histoire du droit colonial
  • L’histoire de la violence
  • L’histoire du droit international

Chaque doctorant.e est invité à faire une présentation de 10 minutes en anglais autour de ses recherches doctorales et qui sera suivie d’un échange avec Lauren Benton.

Pour participer à cette rencontre, veuillez nous envoyer votre proposition de communication (résumé de 350 mots + CV) à l’adresse quentin.verreycken@uclouvain.be pour le 30 septembre au plus tard.

Lauren Benton est Barton M. Biggs Professor of History and Professor of Law à l’Université Yale. Ses travaux portent principalement sur l’histoire globale des empires et l’histoire du droit international. Son dernier livre est intitulé They Called It Peace: Worlds of Imperial Violence (Princeton University Press, 2024).

Date et lieu de l’événement :

15 octobre 2025, 14-17h

UCLouvain

Salle Dabin, Bât. Thomas More

Place Montesquieu 2

1348, Louvain-la-Neuve

Contact : quentin.verreycken@uclouvain.be

Informations

Call for paper – Governing Water: Administrative Responses to Urban Water Management in the Late Middle Ages and Early Modern Period (1200-1800)

Session organised at EAUH 2026 (Barcelona)

by Nele De Raedt (UCLouvain), Merlijn Hurx (KU Leuven) and Jaap-Evert Abrahamse (Vrije Universiteit Amsterdam)

Deadline for applications: 22.10.2025

Water management is a central issue in urban governance. Both an essential resource for human life and a potential existential threat, water plays a crucial role in daily urban environments, from providing potable water, maintaining sanitary conditions, to facing environmental hazards such as prolonged droughts or flood risks. In addition, water determined the economic success of cities as waterways were indispensable for long-distance trade. Furthermore, the supply and drainage of water is by definition a collective problem that must be addressed at the level of the urban community. This presented local governments with numerous challenges that required city-wide responses. While water is ubiquitous, our relationship with water is deeply shaped by cultural factors. Urban communities across the world have historically developed very distinct approaches to addressing challenges posed by water. Communities are necessarily dependent on natural sources for their water supply, ranging from rivers and natural springs, to groundwater and rainfall. Also, the unpredictability of these natural supplies, the excess or the lack of it, caused by prolonged dry spells or floods, temporarily exposed urban communities to numerous risks.

Historical research has demonstrated that these issues were not unfamiliar to late medieval and early modern administrations (1200-1800). Indeed, in recent years research on the ways societies have dealt with different aspects of water has gained traction. However, the critical role of the development of administrative bodies remains insufficiently explored. In this historical period, numerous cities across the globe developed local governing bodies; coping with the challenges of water management was a central administrative issue. Additionally, attitudes toward water were significantly influenced by social, medical,and religious beliefs as well as available technology, which played a crucial role in shaping how local governments formulated their very own responses to these challenges.

This session examines the administrative challenges that late medieval and early modern cities faced regarding water management (1200-1800) and primarily explores the responses they developed. What governing bodies were established to regulate water management? How were these governing bodies organized? On what knowledge did administrators base their decisions? Was this knowledge exchanged between cities, and if so, in what ways? What specific architectural, infrastructural and landscape projects were implemented to address the challenges of water? How did social, medical and religious beliefs inform the political and social discourse surrounding water management? By bringing together scholars from various disciplines (political history, architectural history, medical history, history of technology…), this session aims to discuss to what extent water management became a topic of knowledge exchange between cities across the globe.

To apply: see here

 

Call for papers – Polymorphism and polycentrism in women’s religious engagement. Americas, Africa, Asia and Oceania, 1400-1900

The study of women religious has seen in recent years the creation of several national and international collaborative structures, including H-WRBI, SEIFMAR, WRST, Congreso de Monacato Femenino, and HoFeAu. Two further initiatives, ISHWRA (International Scholars for the History of Women Religious Association) and Sorores (SORORES. Les religieuses non cloîtrées en Europe du Sud, XIIe-XVIIIe siècles) have now joined forces to organise an event that will bring scholars together to reflect on the study of women and religion in ways that transcend traditional, chronological, geographical, and social boundaries.

Following in the footsteps of Gabriella Zarri and her work on the “third status,” this renewed perspective will draw on multiple approaches—such as those of Eliana Magnani on early Christianity, Nancy van Deusen on seventeenth-century Lima, Alison Weber on the Spanish world, Haruko Nawata Ward on early modern Japan, as well as Angela Carbone, Elisa Novi Chavarria and Isabel Harvey on the Papal States and southern Italy—while maintaining a comprehensive framework for analysis, in order to map and highlight global trends in the history of these women.

These women will be examined from the perspective of the Americas, Africa, Asia and Oceania through the three thematic axes outlined below. As many of these global experiences are closely tied to colonising states, Europe will only be considered in relation to these non-European cases.

The aim is to integrate these models of religious life into the cultural, religious, social and economic history of women religious and devout laywomen, who have often been sidelined in favour of cloistered nuns. These women contributed to the creation of myriad local Catholicisms, as theorised by Simon Ditchfield.

This conference is intended as an opportunity to examine the manifestations of religiosity of women who were not fully considered by the Catholic Church as members of its body, such as beatas, consecrated virgins, beguines, bizzoche, penitents, tertiaries, puellae, as well as sisters of religious congregations, from 1400 to 1900. The long chronological period considered will highlight continuities and ruptures beyond the confessional age.

The main objective is to look, on a global scale, at women who were engaged in models of religious life that have been under-researched due to the ambiguity of their status and their presence on the margins of monastic institutions, or because of the scarcity of sources. Building on the methodological framework developed by the Sorores project, the focus will be on women living in structured and regulated communities, outside cloisters, or those living religious life more informally but perceived as religious by themselves, the societies around them or the clergy regulating them. Moreover, we will question this very model of female religious life, considering experiences situated in the liminal space of Catholicity.

The conference will focus on three themes:

Axis 1: The relationship with the Church
This theme will explore the ways in which these women saw themselves as belonging to the Church and, on that basis, defined their practices. It will explore the work carried out on religious norms (e.g. Tridentine), as well as the adaptation of models of religious life, the development of a spirituality by women (whether orthodox or not) and questions of governance.

  1. Spirituality, identity and self-definition of religious women
  2. Functioning and life of communities
  3. Institutions and ecclesiastical authority (spiritual direction, etc)

Axis 2: The relationship to society
These women were part of cultural contexts from which they were not isolated: we will consider the performative dimension of their belonging to urban communities, for example. This theme will allow reflection on the cultural, social and economic practices in the interactions between devout laywomen and missionized, civil authorities, etc. How to understand their interactions with lay people who are partners, benefactors and/or the object of their apostolic action? How did these women support and collaborate with lay people? Which collective and individual objectives stand out?

  1. Social aspects and cultural representations
  2. Economic links
  3. Networks and relations with the laity

Axis 3: Relationships with the world
Exploring different geographical locations will enable us to reflect on cultural interactions and the degree of fluidity in the exchange of individuals, material objects (e.g. relics, manuscripts, images, books, statues, masks, etc.) and knowledge. How were these connections made between different parts of the world, often in a missionary context? How can we think about the mediating role played by women on mission, or by indigenous women integrating these communities and working with missionaries?

  1. Circulation of individuals
  2. Circulation of material objects
  3. Circulation of knowledge

Keynote

S. Karly Kehoe (Saint Mary’s University, Canada) is the Canada Research Chair in Atlantic Canada Communities and her research explores religion, migration, and minority identities in the north Atlantic. She will lecture on Living Faith in Colonial Realities: Women and Religious Observance at the Atlantic Fringe, 1713–1830.

Practical details

English will be the primary language of this hybrid conference, but proposals in French, Spanish and Italian are also welcome. The deadline for submission is 30 September 2025. Proposals of 300 words, accompanied by a short biography, should be sent to:

Responses will be sent by 20 October 2025. A limited number of mobility grants will be offered.

Date and venue

  • Université Catholique de Louvain (Belgium): 6 February 2026
  • Université du Québec à Montréal (Canada): 17 February 2026

Organising committee

  • Sarah Barthélemy (UCLouvain Saint-Louis)
  • Philippe Desmette (UCLouvain Saint-Louis)
  • Isabel Harvey (UCLouvain / UQAM)
  • Silvia Mostaccio (UCLouvain)
  • Liliana Pérez Miguel (Pontificia Universidad Católica del Perú)

Scientific committee

  • Cormac Begadon (Durham University)
  • Gemma Betros (Australian National University)
  • Sylvie Duval (Università di Bologna)
  • Sergi Sancho Fibla (Université de Clermont-Ferrand)